TODOOUVIDO*

Desse dia de família e abraços

2011-12-24T14:53:00.001-02:00

Natividade, na visão da modernista Anita Malfatti

Chega o dia 24 de dezembro e o ar fica, invariavelmente,carregado daquilo que a emblemática data impõe. Tantas luzes colorindo a noite,tanta gente no comércio enfezada com o natural atropelo de corpos e ansiosapara fugir o mais rápido possível do enxame provocado pelo consumo. Tantas mulheresnos salões de beleza buscando fórmulas e equações químicas para ficaremdiferentes e sedutoras. Vai aí uma escova inteligente? Tantos homens fazendocontas para otimizar os salários a reboque de promoções e desejos da famíliaávida por uma noite feliz. Tantas crianças contando as horas para ver o queaquele tal salário lhes reservou de surpresa, embalada em papéis coloridos comtodo o carinho. Impossível ficar alheio diante dessa aura fervilhante que nosinvade os poros, a cabeça, a imaginação. É como um arrastão que nos fazrodopiar envolto por essa necessidade de estar bem. Tem horas, contudo, que essaimposição cultural cansa. Faço parte daquele grupo que acha o natal uma datatriste, talvez por essa overdose de esperança, de sentimento de felicidade,essa fortuita alegria que nem sempre condiz com a realidade e nos é empurradagoela adentro. Somos como joguetes desse clima de oba oba, travestido devermelho e luzes brilhantes. O espírito de natal, creio, deveria ter umromantismo, uma suavidade, um senso de compreensão como aquele impresso nosfilmes água com açucar de Frank Capra. E isso pode ser resgatado por umasimbiose que está dentro desse fundamental organismo chamado família.

O natal, segundo Cândido Portinari

Não quero ser moderninho, nem ser a voz do contra. Natal éfamília. Não tem jeito. E família é um universo intrigante e pra lá deimportante que alguns burramente não valorizam. Gosto de ficar na praça todaenfeitada com meus parentes vendo aqueles menininhos e menininhas vestidos de papainoel, dançando uma coreografia marcada e cantando a plenos pulmões, um em cadajanela, daqueles imponentes prédios antigos aquelas mesmas canções. Ainda queseja uma “ô happy day” com inglês torto e desafinado. Aqui, sinto o espírito donatal lambendo minha pele. E há algo que mexe dentro de mim, quando vejo nacabeça estática voltada para cima os olhos de minha mãe e de minha irmã com umbrilho que não é o usual. “Voltei a ser criança, tou aqui na praça ouvindo ocoro das crianças”, contou a mãe num celular para uma amiga. E era isso mesmo,pensei comigo olhando divertido para ela. Ela como uma criança. Comoaquelas que estavam uma em cada janela. Uma pausa para o desasossego. Uma cenafrugal que trazia o desapego do natal, como sempre imaginei, e que só épossível do lado da família.

O natal primitivista de Antônio Poteiro

Meu natal foi sendo construído dias antes do 24 de dezembroem cada encontro que tive com minha numerosa família. Na praia, olhando o mar, discutindo literatura comminha irmã tão cheia de verbos cheios de significados, tava ali o natal. Nobar, eu e os irmãos, abduzidos pelo álcool e uma mesa farta, entoando em corouma velha canção que marcou nossa infância. Como crianças nas janelas do prédiobarroco. Andando de noite no centro da cidade já aliviado da carga frenética dodia, lembrando de dias de paz, tava ali o natal. No colo quente da mãe, vendofotos de uma viagem repleta de memórias felizes e descobertas. Na visita dosobrinho, com seus filhos bonitos, refazendo as perdas e ganhos do ano sob oolhar atento da esposa zelosa, tava ali meu natal. No apartamento do irmãosolteiro, trocando impressões sobre música, vigiados pela Laurinha Toda Pura, otítulo sacana da foto da moça pelada que está grudada na parede branca. No showda Veronica, um cantor fingindo-se de travesti, junto do sobrinho mais gentilque alguém poderia ter. Em todos esses instantes, sentia um conforto que asrelações simples, diretas, cosanguíneas tem o poder de oferecer.

Antônio Gomide e sua visão do natal

Escrevo esse texto horas antes da confraternização oficialda família, com seus fatais perus, chester, farofa, arroz metido a besta, algumchoro e abraços calorosos dos parentes. Vou fartar-me da carne, mas quero mesmo éconsumir sem restrições, com o que a gula tiver de mais pecaminosa, o abraçoefusivo de irmãos, mãe, sobrinhos e primos. E poder retribuir essa ternura coma mesma intensidade e paixão. E quero guardar a memória desse momento por todosos dias do ano que vai entrar, me retroalimentando dessa energia familiar comoum urso que se prepara disciplinado para a hibernação, certo de que guardou emsi as doses exatas para permanecer forte até o próximo inverno. Quero sertomado no natal pela família. Sem firulas. E só isso para mim importa: fazerdesse dia uma ode interna a ela. Simplesmente fazer parte dela e ser feliz.Simplesmente.

Ah, se meu apartamento falasse

2011-11-15T21:46:00.005-02:00

Cícero em seu apartamento: momentos de solidão e reflexão

Antes havia Alice e esse era um tempo de planos e sonhos, como só uma paixão cultivada com apreço e zelo pode gerar. Era como a gravidez de uma felicidade futura. Alice e seus três cuidadores, um quadrilátero amoroso. E tinha naquela época uns tantos outros que tendiam a se multiplicar na comunhão do mesmo interesse e que viam Alice com olhos admirados tanto quanto podia uma admiração gerar, seduzidos talvez por uma proposta de casamento duradouro, daqueles sérios que prometem se perpetuar no altar, e que ela, sem pudor, provavelmente inspirava. Dizem testemunhas que, quem a viu, fez juras eternas e rezava fervorosamente para que ela amadurecesse com o mesmo vigor com que aparecia nas noites fluminenses. Mas, Alice, dois filhos depois, despediu-se melancolicamente. Partiu sem dizer se voltaria. Dos três orfãos que fizeram de Alice uma banda cultuada na segunda metade da década passada, um voltou tentando reprisar a intensidade que a precoce desaparecida produziu. Cícero Lins é o nome dele. E o primeiro trabalho solo, Canções de Apartamento(2011), um exercício confessional de precisa beleza. Alice não mora mais naquele apartamento e nem vaga mais pelos bares e palcos. Cícero, esse, ficou no ap. escrevendo canções tão melancólicas quanto a sua sensibilidade podia gerar. E o resultado da viagem interior adentro foi esse disco de apego à poesia e a solidão.

Assista ao clipe de “Tempo de Pipa”:

Não ouvi os dois filhos da Alice, Anteluz(2005) e Ruído(2007). Deles, dizem que muita guitarra havia, um pendor para o rock que não mascarava no reboco das construções melódicas o flerte com a MPB. Canções de Apartamento é, nessa perspectiva, o namoro enfim consumado com o gênero. E uma assunção explícita, com nome aos bois e tudo. Pipocam as influências descaradas e escancaradas de alguns ídolos de Cícero, que aparecem marcados nas letras instáveis e nas melodias inspiradas. Está lá o Caetano tropicalista de “Baby”, tomando emprestado o violão do baiano na abertura daquele clássico para a concretista “Vagalumes Certos”, que também é citado na letra: “Vamos ver um filme, ter dois filhos, ir ao parque, discutir Caetano”. Tom Jobim aparece, por sua vez, nos passeios de Cícero de mãos dadas com a Bossa Nova em uma, duas canções. Na mais direta delas, “Pelo Interfone”, o compositor carioca reencontra Dindi, um dos personagens mais ilustres daquela requintada MPB, para fazer um lamento sentido: “Ai, Dindi, se tu soubesses como machuca, não amaria mais ninguém”. O genial pai de Dindi ressuscita objetivamente na canção de Cícero, ao lembrar do “disco de Jobim” que embalou um inesquecível romance.

Capa de "Canções de Apartamento"

E como todo autor que desconhece fronteiras e se pluga nesse mundo veloz que come e regurgita com a mesma dinâmica desde lampejos geniais, como a música de Tom Jobim e Tom Waits, a baboseiras como Justin Bieber e Lady Gaga, Cícero permite-se beber em fontes estrangeiras. As mais consistentes, é claro. É possível sentir, de raspão, a presença de poucos e bons grupos de rock que fazem a história do gênero. Do agora previsível Coldplay, há a guitarra climática e o tom menor no meio da tristíssima “Eu não tenho um barco, disse a árvore” coroando uma letra sobre o fim de uma relação amorosa. “A gente sempre deixar de cuidar o que se tem na mão. Mas, é sem querer. É sempre sem querer”, justifica os versos desencantados. Há ecos do cultuado Radiohead nas entranhas de “João e o Pé de Feijão”, talvez a mais bela construção melódica desse Canções de Apartamento. Barulhinhos eletrônicos e um violão acústico minimalista e soturno reforçam essa sensação. Quem se dispor a fazer uma decupagem melhor do disco, verá outras referências musicais, pops ou não, que fazem do trabalho do carioca uma instigante obra em aberto nessa bacana junção de rock, em menor grau, e MPB.

Ouça "Ensaio sobre ela":

Cícero destila em sua estréia canções que, além das referências citadas, trazem uma assinatura própria. A maioria delas marcadas por uma poética low-profile, orgânica, prenhe de intimismo. Esse diário pessoal do artista define uma identidade única a músicas sobre amores perdidos, casas desarrumadas e solidão. Esse universo é desenhado por uma poesia ora seca e enxuta ora mais discursiva. Em “Vagalumes Cegos”, a letra é cheia de pontos e imagens estanques, como num mapa todo segmentado, concretista. “Nem sei, desses dias cheios/Meio-dias gastos/Elefantes brancos/Vagalumes cegos, meio emperrados”. Meio umbigo dele, na verdade. Cícero acerta o alvo quando mais explícito, como na bela “Açucar ou Adoçante”. “Entra para ver como você deixou o lugar/Mas tira o sapato pra entrar/Cuidado, que eu mudei de lugar algumas certezas pra não te magoar”. Nos dois casos, ansioso ou mais barroco, há um poeta que busca se mostrar por inteiro, sem medo do revés da crítica. E olhe que a parte mais enfezada dela chegou a questionar a qualidade dos versos do autor. O que é lícito, afinal Cícero é apenas um jovem, um promissor jovem, em busca de um lugar ao sol tentando, com coragem e paixão, com erros e acertos, qualificar seus versos.

Poeta sensível, Cicero tenta impor sua escrita

Letras a parte, Cícero mostra-se mais consistente nas melodias. Delicadas e passionais, as canções amparam-se em arranjos quase todos atmosféricos, emotivos, com o uso equilibrado de pianos, violões, acordeão e percussão marcada. “Tempo de Pipa”, que abre o disco, é o exemplo mais acabado dessa sonoridade apascentada, serena que cumpre bem o papel de ser, sem arroubos, parceira, amiga das valorizadas letras das músicas. Sem arroubo também é a interpretação do artista. De voz comum, o cantor e compositor leva suas criações num tom menor, lembrando o Los Hermanos do disco Ventura (2003). Cícero arrisca soltar a quase sempre represada voz numa rápida passagem de “João e o Pé de Feijão” e em “Ponta Cego”, esta última próxima do choro sentido para cantar, contraditoriamente, a chegada da sexta-feira. Coisas de poetas sensíveis. E é a sensibilidade tão exposta em Canções de Apartamento que fazem do CD um trabalho meio fora do tom no cenário nacional, mas que, ao lado de outras revelações do gênero como Marcelo Jeneci, Tiê e Pélico (leia resenha aqui), mostra uma tendência dentro de uma nova e estimulante MPB. Deixe-se levar.

Cotação: 4

Ouça com atenção:

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Riso nostálgico

2011-11-05T20:22:00.001-02:00

Selton Melo faz um filme onde a nostalgia dá o tom

Era mambembe daqueles de dar pena. Não havia lona, nem leão, nem sequer um mágico de araque que fosse. O espetáculo era emoldurado por lençóis, chitas coloridas que o vento mais forte empurrava de um lado para o outro desafiando aquela estrutura de frágil e temerosa trama. Velhas cadeiras mal ajambradas faziam as vezes das arquibancadas, ocupadas naquele dia franzino de verão por trinta pessoas contadas nas pontas dos dedos. Anônimo, o circo era a única opção de diversão naquele vilarejo praiano mal povoado de turistas. Acho que de turistas mesmo só eu e uma amiga que, embalada pelas férias, topava todo tipo de programa, de tomar picolés de suco ensacados em plásticos transparentes até enfrentar pesadas trilhas nas dunas escaldantes que mais parecia, para algum observador incauto, o pagamento de uma preciosa promessa. Naquele dia fomos ao circo. Dois momentos tornaram-se perenes em minha memória, o equilibrista Juvenal e os palhaços Pinguelim e Manguaça. O primeiro trabalhou contando com a torcida contra de uma criançada inquieta e barulhenta e o próprio peso, gordinho que estava. “Arriou, Juvenal”, gritava atrás de mim um capeta em forma de guri. Graças a deus, Juvenal não arriou. Pinguelim e Manguaça eram excepcionais, donos de um carisma, delicadeza e humor hoje raros de se ver debaixo de algum teto de circo, já tão poucos, do Brasil. Ri feito criança do alto, na época, de meus vinte e poucos anos, Puro Sangue e Pangaré me fez lembrar carinhosamente daqueles dois sujeitos daquelas feéricas férias.

Assista ao trailer de O Palhaço:

Paulo José e Selton Melo em química impecável: pura emoção

Puro Sangue e Pangaré são os personagens principais de O Palhaço(2011), segundo trabalho do também ator Selton Melo na direção de um longa-metragem (o primeiro é Feliz Natal, de 2008). Fui ver o filme envolto em curiosidade. Afinal, crítica e público tinham reverenciado este ano a obra no estreante Festival de Paulínea, centro de produção cinematográfica que está virando nossa Hollywood. Mas, também porque o tema me era caro. Sempre fui fascinado por circo, principalmente por aquela figura em tons exagerados que inspira gargalhadas e inspirou a fita de Melo. Nos dez primeiros minutos dentro da sala iluminada pelo projetor senti que muitos poderiam sair dali decepcionados. Quem estava esperando pelo humor escrachado ou o riso solto prometido pelo título singelo, tinha tudo para ficar inconformado. O que se via no transcorrer da história era um sorriso represado, tímido, produzido por uma narrativa que privilegia principalmente a reflexão e a sensibilidade. O argumento é simples, direto: Pangaré é o palhaço encarnado por Benjamim(Selton Melo) em crise existencial que resolve abandonar o Circo para encontrar uma personalidade que ele acredita estar perdida. Para isso, conta com a concordância do pai, que interpreta o outro palhaço da dupla, vivido com intensidade por um grande, enorme, Paulo José.

A trupe chega em uma nova cidade, dose felliniana de alegria

Com essa história doce e sem grandes arestas, O Palhaço torna-se a cada minuto passado uma agradável surpresa. É um pequeno grande filme insuflado de delicadeza. Selton Melo apostou num tom ingênuo de um país rural num momento em que éramos um pouco mais românticos mesmo, os anos 70 do século passado, período em que se desenrola esse quase conto de fadas. Assim como numa fita da Atlântida de Oscarito e Grande Otelo. Sem o histrionismo típico dos diretores daquele estúdio que pesavam a mão para ganhar a platéia e justificar elevados orçamentos. Melo não quer jogar tão escancaradamente para a galera. E essa é uma das grandes virtudes do longa-metragem. O cineasta, com a ajuda de sua econômica e precisa interpretação, evita o exagero, a farsa, o que seria uma tendência já que explora a vida circense. Há muito não via personagens tão humanos e sinceros habitando sem sobressaltos uma tela tingida, nos últimos anos, por uma desumanizadora espetacularização. O Circo de Pangaré e Puro Sangue está mais para o universo felliniano, que mistura com equilíbrio o real e o non-sense, do que para uma rasa trama global. E é assim, revelando o mundo interno de artistas mambembes, uma família pra lá de especial, que o diretor nos emociona.

Essa emoção tem a ver com o poder puro das imagens e da beleza de sentimentos que move os personagens. Assim como num filme mudo. E O Palhaço também é nostálgico nesse quesito. Não há verborragia. Quase não há virgulas, apostos nos curtos e poucos diálogos. Há muitos pontos, desenhados por um pincel invisível e que cala fundo no espectador. A relação silenciosa entre pai e filho palhaços, construída com vigor na esplêndida química entre Paulo José e Selton Melo, que tem a apoteose na despedida dos dois personagens, o ponto de virada do filme. A visão repentina em Pangaré do romance, exercício enevoado pela dedicação extrema ao ofício de fazer rir, que o deixa tartamudo, perplexo diante da moça bonita. Sensações extremas pontuadas por gestos e olhares. Tem a menina do Circo, que tudo observa com a fome do conhecimento. E há ainda o cheio de significados ventilador, objeto mudo de desejo do jovem palhaço. Tudo nos leva a contemplação mansa, à compreensão da vida sem novidades ou grandes emoções daqueles personagens. Nos leva à mergulhar na tristeza do palhaço angustiado de Melo, um homem sem identidade e sem comprovante de residência, que precisou fugir para entender que seu destino sempre esteve ali na sua cara.

Na caravana enfileirada por carros que mais parecem calhambeques, o Circo Esperança segue mambembe de cidade em cidade. O Circo de Selton Melo transporta artistas, artífices de ilusões que dispensam um vida luxuosa para dar ao carente espectador o luxo de uma arte caseira e redentora. O ator e diretor homenageia um tempo de delicadeza mostrando maturidade e uma invejável coragem e raro desprendimento, acertando com louvor o alvo pretendido. E de quebra, ainda resgata mestres do riso, em participações impagáveis, casos de Moacir Franco, maravilhoso e hilário como o delegado Justo, e Jorge Loredo (intérprete do clássico “Zé Bunitim”), no papel não menos engraçado de um canastrão chefe de escritório. O Palhaço é uma bela e envolvente lição de vida, um desses filmes que nos fazem sair do cinema com o coração cheio de ternura. E nesses tempos de palhaços que ocupam vagas no Congresso Nacional para virarem homens pretensamente sérios, de humor preconceituoso e chulo nos programas de televisão que tira da risada sua função mais sublime, rir de mansinho e com cumplicidade com uma história terna e bem contada é um verdadeiro presente. E aí, me dá vontade de ir para um circo mambembe qualquer, no interior profundo do Brasil, para rever algum Pinguelim e Manguaça em sua missão sagrada de fazer da gente um pouco mais criança.

Cotação: 4

De costas para o sistema

2011-10-27T20:51:00.007-02:00

Quando me vi de repente tomado pela maré de notícias sobre as revoltas protagonizadas por uma jovem população européia parei, diante da minha antiquada TV de 21 polegadas, num estúpido átimo de aturdimento. Como se tudo o mais em minha volta também se visse suspenso. Talvez porque envolvido pelo silêncio das horas que satelizam aqueles jornais de televisão da madrugada feitos para insones e viciados em informações. Ou talvez por aquela típica leseira de quem começa a perder a batalha contra o sono. Foi assim um dia desses. Manifestações pipocando no velho mundo contra a crise econômica, a falta de emprego, a truculência de políticos arrogantes. Em todas elas havia uma boa parcela de irritados jovens, cheios de vigor e caras e bocas na defesa de suas bandeiras. Não como no Maio de 1968 em Paris, até porque parte daquele romantismo sucumbiu diante de uma certa lógica e frieza de como a maioria passou a encarar o mundo. Mas, eles estavam lá, belos, se posicionando, agrupados em massa, como um corpo vivo. E fiquei feliz, depois do espanto, por aquela demonstração de proatividade com o que os incomodava. O velho continente costuma dar lições mais fortes e impactantes de insatisfação, de como se colocar diante da perda da inocência corrompida pelo capital. Os europeus têm cultura, estofo, para isso. Pensando nisso, voltava a uma recorrente elocubração: viria de lá a revolução musical, aquele inesperado movimento a esquerda para sacudir os alicerces da estagnação musical que parece ter tomado conta da humanidade. Tem quem ache que o WU LYF seja isso. E aqui, após tantos desvãos, chegamos ao foco desta resenha.

Assista ao clip de “Dirt”:

Isso que parece um erro de grafia é uma sigla. Das mais canhestras e propositadamente cabulosa. World Unite Lucifer Youth Foundation, o WU LYF. Uma banda inglesa, da mesma Manchester das icônicas Stone Roses e The Smiths, que anda assombrando vários críticos pelo rompante radical de fazer música e por suas letras ácidas e com forte acento político. “Revolucionária”, arriscou um desses resenhistas puxando um coro, para mim, um tanto precipitado. Não sinto que seja tudo isso. O que o quarteto britânico faz é captar aquele sentimento de inconformismo que preenche os jovens, o mesmo que os fazem sair para a rua para reclamar os temas mais caros a um mundo em crise. Capturam o zeitgeist, aquele senso coletivo que se torna quase concreto e imanta toda uma sociedade. O crítico Alex Ross escreveu em seu livro Escuta Só, do Clássico ao Pop: “Em qualquer momento da história, existem alguns compositores e músicos criativos que parecem deter os segredos da época”. É por aí. O que se ouve em Go Tell Fire to the Mountain(2011), título do primeiro trabalho desse grupo, não é revolução, nem é exatamente novo. É uma música raivosa, incômoda, difícil de ser consumida. Há aqui um paredão sonoro composto de um vocalista gutural, Ellery Roberts, responsável também pelo órgão, instrumento barroco em diálogos estranhos com o baixo de Tom McClung, a guitarra de Evans Kati e a bateria tribal de Joseph Manning, sugerindo um som anárquico, algumas vezes claustrofóbico, mas quase sempre e provocador.

Em meio às vociferações de Roberts, gritos que se tornam uma das marcas registradas de Go Tell Fire to the Mountain, existe ecos do krautrock, do post rock e do post punk ou seja, tudo aquilo que de moderno e pouco traduzível tem o rock em suas mais radicais tentativas de renovação do gênero. Em panos limpos: muita barulheira e o uso de elementos antigos com uma roupagem contemporânea numa tentativa de se criar o novo. Em “Dirt”, que considero a melhor composição do disco, há um batuque introdutório, uma percussão com tintas africanas que reforça uma melodia nervosa, guerrilheira, como as imagens do clip oficial(acima) da banda que traduz muito bem o espírito da canção. Como uma granada explodindo próximo de nossa epiderme e de nossos agoniados tímpanos, essa música convoca o ouvinte para uma batalha, para uma franca resistência aquilo que entorpece a alma. E isso é, claramente, um fazer político. Saída da boca do vocalista do WU LYF, essa convocação tem compreensivelmente um vigor quase panfletário. Soa como o retrato de uma juventude desencantada que usa o rock e o verbo para se comunicar com o mundo. E a escolha por essa “poética”, por um repertório mais politizado é outra das características marcantes desse álbum sem apelo popular e que tem tudo para virar cult.

Esse veio político é centrado, nas letras, numa crítica mais genérica à humanidade, não a temas conjunturais específicos das terras britânicas ou qualquer outro continente do planeta terra. Como o ímpeto capitalista, e a força da grana, resgatando aqui Caetano Veloso, que constrói e destrói coisas belas. “Tem crianças nas ruas, vendo o concreto se transformar em ouro/Você é tão jovem, mas essas cidades o fazem envelhecer”, canta Roberts em "Summas Bliss". No início do disco, a banda já entregava a senha dessa crítica engajada ao sistema econômico que atropela tantos interesses comuns e fragiliza uma já castigada e pouco valorizada espiritualidade. “Quantos dos seus garotos temem a morte?”, questiona a banda em “LYF”. É o discurso hippie reformado, adaptado aos quentes dias de hoje. Os gritos de guerras repetem-se durante toda a barulhenta trajetória desse estranho, mas conseqüente álbum. A ponto mesmo de se tornarem diretos e impactantes. Papo reto. “Coloquem suas armas e cantem conosco essa canção”, sugere a letra da bacana “We Bros”. E para isso, complementa o quarteto na já citada “Dirt”, resumindo de vez essa batalha contra um declarado inimigo, “não importa o que eles dizem, o dollar não é seu amigo”. Enfim, um bando de jovens resolvem deixar de lado canções açucaradas sobre boys and girls apaixonados para botar pra fora essa revolta adquirida e alimentada em tantos anos de desconcerto e de falência de um sistema(olha ele aqui de novo) que esqueceu, em suas contas, de contabilizar o que há de mais humano em nós.

Ouça “Cave Song”:

Mas, claro, são apenas gritos de revolta que fazem um grande disco. Musicalmente, as composições são, numa comparação meio absurda, como aquelas engenhocas de transmissão de mensagens dos filmes da série Missão Impossível: parecem querer se autodestruir em poucos segundos. Soam quase toscas, mas têm poder em sua urgência. Mesmo quando tentam ser mais comportadas, como nas mais lentas “Such a Sad Puppy Dog” e “14 Crowns for me and your Friends”, na qual o órgão cria uma atmosfera glacial, perturbadora, pecam por uma ansiedade desenfreada. Essa música rende-se algumas vezes à anarquia, chegando a um paroxismo que lembra o combo Mano Negra, a exemplo de “Cave Song”. Dito tudo isso, você pode perguntar: “E aí, o disco é bom?”. É mesmo, lembrando de um ótimo jargão publicitário, toda essa Brastemp? Tive uma primeira impressão negativa do dito cujo. Não gosto de bandas que se escondem atrás de siglas maneiristas, de muito barulho e gritaria para impor uma idéia. A melhor idéia musical, sempre acreditei nisso, é ser claro nas intenções mesmo que ela esteja amparada numa contundente parede sonora. WU LYF é como um rascunho de uma arte que tenta se desenhar ideologicamente, que busca identidade própria. É um projeto em andamento, aquilo que os americanos chamam inteligentemente de work in progress. No que todo aquele barulho vai se tornar, só o futuro dirá. Mas, até lá vale ouvir os caras, até porque é sempre bom dar atenção a quem foge da obviedade. Afinal, é assim que caminha a humanidade.

Cotação: 4

Na base da brodagem, vá lá antes que o sistema destrua o link:

http://www.mediafire.com/?b5xxi7d2vn8qrkf

Armadilhas do amor

2011-10-16T13:36:00.005-02:00

O quanto de nitroglicerina pode conter uma paixão? E o quanto de segredos não revelados, ocultos na profundeza das retinas? Muitas das histórias, das pequenas rusgas, de compleições e incompatibilidades que um relacionamento amoroso carrega e que, muitas vezes, descarregam em um buliçoso fim, cabem em uma canção. Pélico, um paulistano de peito aberto, experimentou contar casos de amor, romances, com um desprendimento à flor da pele. O resultado é Que Isso Fique entre Nós(2011), uma espécie de delicado diário de amores perdidos. Essa complexa trama que une duas pessoas é o objeto de dezesseis composições intimistas que deságuam em um álbum em que palavras diretas e sem rodeios são acompanhadas por arranjos que as vestem em trajes mínimos, desvelando por completo o coração do autor. Trespassado, fudido, rendido ao inevitável. Um coração à mostra. É um álbum sobre a dor de cotovelo, disse o cara em uma entrevista. Mais do que isso: é o retrato de um sentimento que, repleto de delícias e armadilhas, ajuda a mover uma humanidade inteira.

Veja vídeo de “Recado”:

Pélico é paulistano de dois discos. O primeiro, “O Último Dia de um Homem sem Juízo”, foi gravado em 2008. Mais rocker, mais gritado, mais irônico, revela quem o criou. Depois, confidencia o mesmo, resolveu escarafunchar as coisas ditas, escritas e cantadas por Lupicínio Rodrigues, Ataulfo Alves, Orlando Silva(terá sido deste os “erres” cúmplices e bem pronunciados pelo artista no álbum em questão?), mestres dos imbroglios do amor. Contaminou-se. E o vírus dos amores mal resolvidos, dos casos afogados em copos de cachaça, revelados com letras firmes por aqueles ilustres antepassados, foi inoculado nele. Resolveu inspirar-se em sua própria trajetória de vida e a de amigos próximos para enfileirar mágoas e lições de sucumbidos relacionamentos em Que isso Fique entre Nós. O título/expressão é a melhor tradução deste segundo trabalho de Pélico. Assim como aquilo pronunciado e encerrado em um caso de amor, transmitido com zelo para um único ouvido, com endereço certo, somente para quem interessar possa. Aquilo que o resto do mundo, por favor, não precisa saber.

Esses diálogos da paixão são destilados em canções que parecer soar lineares em todo o disco, assim como o amor, plural que é, provoca coincidências. Como capítulos de um mesmo caso amoroso alinhavado por uma humana pulsão. Pelo desejo de entender o que sepultou o relacionamento. Que redunda no medonho julgamento que busca culpas e afunda tanta gente naquele mergulho dolorido popularmente conhecido como “dor de cotovelo”. Daí a definição sugerida por Pélico. Como em “Sem Medida”, de linda melodia e arranjo delicadíssimo, sobre um homem que tenta esquecer a amada: “Quem me dera ter a coragem de te negar/Mas, não se mede sensatez com você”, sublinha o cantor de voz grave, de canto sem a mesma personalidade dos versos. Na tocante música que dá titulo ao CD, a visão exata do relacionamento depois do vendaval, num longo desfile de adjetivos que definia o casal: “Não éramos tão tolerantes assim, não éramos tão perigosos assim, não éramos tão fiéis assim”, e por aí vai. Em “Tenha Fé meu Bem”, o amor virou saudade dos dias em Mongaguá. “Lembra da gente sentado olhando o mar?”. Cena de cinema com trilha de Henry Mancini.

Escute “Não Corra, não Mate, não Morra”:

Todos esses romances comuns, cotidianos são expostos com letras diretas e encantadas. Essa coisa de abrir o peito e encantar não é pra qualquer um. E Pélico tem esse dom. Talvez também um fruto da simbiose ocorrida entre ele e os mestres da MPB que o impulsionou a ser assim tão intimista. Alimentado também é claro por seu talento nato. O paulistano sabe misturar letras, provocar o ouvinte. Nessa obra sobre o amor, brinca com os contraditórios como os versos da quase brega “Levarei”: “De todas as tristezas que tive na vida/Nenhuma me deu tanta alegria como essa”. Incorporando Lupicínio, solta o dramático e teatral que há nele, caprichando no português, na ótima “Recado”, uma das melhores do disco: “Da liberdade que sucumbe as leis/Nem anjos e santos de pura bondade pra te perdoar”. A palavra é bem tratada ainda na sensível “O Menino”, uma das poucos em que o amor não é verbo recorrente: “O menino fugiu, se perdeu nessas ruas que sabia de cor/ As palavras ardiam, soavam mais duras do que seu pai lhe ensinou”.

Mas não é só do cuidado com as letras e seus verbos que brilha Que Isso fique entre Nós. Existe toda uma bem tramada costura de instrumentos que soa, num primeiro momento, minimalista, mas que vai ganhando peso e sentimento a cada audição do disco. A arte do produtor Jesus Sanchez, integrante da bacana Los Piratas, e os arranjos de sopros e violinos, assinados pelo próprio Pélico e por Bruno Bonaventure, responsável também pelo piano e sintetizadores, ajudam a fazer a diferença. E ainda é preciso fazer justiça com João Erbetta e Regis Damasceno (guitarra), Tony Berchmans(Wurlitzer) e Richard Ribeiro(bateria), músicos mais constantes no trabalho. A inteligência dos arranjos fica evidente, por exemplo, na hora em que os sopros são usados na construção do clima das músicas, como em “Vamo Tentá” e “Sete Minutos de Solidão”, as duas com leve e adorável acento brega, ou ainda na mistura do som típico do western spaghetti com o tango da muito boa “Não Corra, não mate, não morra”, que encerra o álbum com chave de ouro. Pélico e suas confidências amorosas são uma grata surpresa, um disco para nenhum apaixonado, e não só eles, botar defeito.

Cotação: 4

Sinta o amor de Pélico:

http://www.mediafire.com/?o7cdidp7i6c2up7

Pra nunca mais esquecer

2011-10-12T13:19:00.008-03:00

A voz agoniada, angustiada negava a letra da música acompanhada por um arranjo que começa desolado até cair no refrão quase gutural, primitivo. “Eu estou tão feliz”, cantava aquele rapaz que parecia a beira do desespero uma canção bipolar que soou como um tapa em minha cara naquele início de década. Era 1991. Ainda tinha uma vitrola, um 3 em 1 (toca fita, rádio e toca disco num só e volumoso aparelho, alguém lembra?) guerreiro, que já tinha animado muitas tertúlias, aqueles festinhas de amigos marcadas de última hora e que sempre davam o que falar no dia seguinte. Naquele ano, um novo velho som mexeu com milhões de pessoas no mundo inteiro. O rock sem rebeldia, escravo da ditadura das emissoras, se rendia então ao pop. Aí, aquele cara de voz rasgada e doída tomou as rádios mudando essa história, abrindo as portas para uma tribo formada por bandas garageiras, despojadas, com uma pegada suja e pesada. Misto de punk, com hardcore, recheado de microfonia, guitarras no talo e letras diretas. Era o grunge de Kurt Cobain, do Nirvana, que lançava um disco que se tornou um capítulo rico e marcante da história do rock and roll. E isso no mesmo prolífico ano em que Pearl Jam e Soundgarden colocaria no mercado duas outras belas e capitais obras daquele movimento, respectivamente Ten(1991) e Badmotorfinger(1991). Mas, foi com Nevermind(1991), incensado álbum que completa 20 anos, que o Nirvana chegaria ao nirvana e o rock retomaria sua rebeldia.

Ouça "Lithium":

Eu confesso que não estava muito preparado para ouvir Nevermind ou a zanga de Cobain naquela época. Nunca fui um fã declarado do rock mais raivoso, ainda que umas deliciosas velharias gravadas nos anos 70 e que embalaram minha juventude, como Deep Purple, Led Zeppelin e Rush, continuassem merecendo toda minha atenção e carinho. Estava num momento de culto ao rock alternativo, feito por bandas que a maioria dos meus amigos e, claro, a mídia, insistiam em deixar injustamente no limbo. Era um som torto, trabalhado na contramão dos hits vigentes. Encontrava-me, no período, maravilhado com as possibilidades que o gênero musical propunha com grupos como Pixies(aliás, uma das maiores paixões do Nirvana), Talking Heads, Screaming Trees, Pogues, Guided by Voices, Sebadoh e outras formações honestas que também fizeram história e que de alguma forma ajudaram o grunge a ser o que foi no início dos 90 do século passado. A provocação, a sinceridade, o despojamento e as guitarras distorcidas daqueles antecessores estavam presentes numa fusão bruta no segundo disco do Nirvana, um fenômeno, que contava ainda, na linha de frente, com um cara de alma mergulhada num turbilhão de angústias, medo e contradições.

Assista Cássia Eller cantando “Smells like Teen Spirit”:

Cobain era a força motriz e translúcida do Nirvana. O cara bonito, elétrico, de profundos e inquietos olhos azuis, vestia-se de camisa quadriculada, aberta, com uma camiseta por baixo e um jeans sujinho, rasgado, estilo que se tornou o uniforme do grunge. Essa expressão, aliás, não se sabe se é um sinônimo para sujo ou uma corruptela da palavra garagem. Uma coisa e a outra, contudo, definiam bem o espírito dos meninos da banda. Imagino Cobain sempre com a mesma camisa quadriculada, acordando tarde e indo pra rua beber com os amigos sem o banho tomado. Penso nele ao lado do baixista Krist Novoselic e do baterista Dave Grohl incendiano uma garagem com seus acordes urgentes, plugados em uma música que eles regurgitavam e depois sorviam e regurgitavam novamente pelo mero prazer de estar no meio de toda aquela eletricidade sonora. Ou seja, os via como um bando de garotos cheios de energia e sem muito interesse de se tornar uma referência do rock. Um pouco com a filosofia punk de mandar tudo pro inferno, incluindo a mídia. Um muito com a vontade de dialogar com pessoas da mesma idade e fazer os ouvintes subirem pelas paredes, no ritmo da guitarra e dos berros.

Cobain é assim como um Renato Russo mal comportado. Com a diferença que sua poesia não tinha a mesma virilidade da escrita pelo colega brasileiro. Sabia falar com seus párias, utilizando-se de um verbo curto, pontuado, como se fosse palavras de ordem. E a galera, que não queria pensar muito e só bater cabeça, respondia: “Sim, isso acontece com a gente”. Acredito que a explosão de Nevermind, que entra fácil fácil na lista dos melhores dos anos 90 e também nas grandes obras do rock do século passado, tem a ver um pouco com isso. Em 1991 eu não era mais jovem, pelo menos na idade. Mas, fiquei encantado pelo disco e por um motivo que, acredito, ajudou a fazer daquele disco uma incontestável obra-prima: a entrega de Cobain. O que conta é a sinceridade do que o cara canta. Aquela angústia desbragada que senti em “Lithium”, a força dramática do hino “Smells Like Teen Spirit”, a cadência e o peso bem medido de “In Bloom”, com Cobain derramando seus versos bêbados, que fazem também a força de uma das minhas canções preferidas, “Come as You Are”, com seu impagável riff de cordas. Lembro de um amigo daqueles idos, mais novo que eu, que nem inglês falava, cantando desafinado, a plenos pulmões e com sentidas almas e concentração, “Drain You”, ou de outro colega imitando com mãos nervosas e baquetas invisíveis a bateria matadora de Grohl em “Territorial Pissings”. Lembro também de uma enlouquecida Cássia Eller no Rock in Rio, em 2001, cantando com garra e mostrando os peitos debaixo da camiseta surrada “Smells like...”, depois de dizer para a multidão que seu filho pequeno, de poucos anos de idade, adorava a música. Tudo isso me fazia pensar que Nevermind tinha um poder congênito, a magia daquilo que podemos chamar de clássico.

Nevermind é assim, de cabo a rabo, um disco repleto de hits, belezas e magias insuspeitas. Um cara de confusa psiquê que grita como se o mundo fosse acabar no dia seguinte, que chora como que quisesse compartilhar sua dor com o resto da humanidade, com coragem suficiente para entregar tudo isso de bandeja para o ouvinte e que, depois de se tornar ídolo, se matou. Composições trabalhadas com extrema inteligência pelo produtor Butch Vig, o quarto homem da banda e peça importante nessa história toda, que domou a virulência incontida de Bleach(1989), primeiro e anterior fruto do Nirvana, equilibrando em doses democráticas raiva e suavidade. Canções com melodias fáceis, riffs grudentos, tocadas como se numa garagem. Vinte anos depois, o álbum mais tocante do Nirvana nasceu para ser disco de cabeceira. É atemporal em sua franqueza. Um trabalho que ainda vai fazer merecidamente a cabeça de muita gente que tem o rock no coração. Esse eco ainda será ouvido por longas décadas. Há quem ache que depois de Nevermind nenhum grupo lançou uma obra tão significante. Não sou tão radical, mas essa obra-prima tem argumentos suficientes para que se pense assim. Agora, com licença, vou ali colocar meus fones de ouvido e me deixar levar mais uma vez por esse discaço.

Cotação: 5

Comemore com o Nirvana:

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Verbo soberano

2011-10-07T19:54:00.010-03:00

Desse eu de cara com Chico caminhando no calçadão do Leblon, e ele, por um motivo qualquer, me chamasse a atenção, devolveria ao seu azul e manso olhar o meu melhor sorriso, cheio de verbos nos entredentes (palavra que não há), costurando em silêncio, na respiração breve e suspensa, as entrelinhas do não dito. E seguiria feliz com o encontro assim mesmo, sem dizer nada, com medo talvez de dizer a palavra errada, ele que é tão cheio das mais certas delas. Penso sempre em Chico vagando na beira mar carioca e na minha memória, entre um e outro susto diante da poesia construída por ele, como imensos e sólidos castelos que visito de quando em vez no som provocado pela nostálgica agulha de diamante riscando a bolacha preta em seus volteios mágicos. E quando me deparo com o ídolo num novo disco, depois de toda aquela intimidade que criou em meu coração, fico com medo de que ele tenha errado a mão das palavras. Fico amuado sem querer ouvi-lo, ao mesmo tempo em que a vontade, maior do que a gente, leva-me em direção ao aparelhinho digital para dessa forma revisitá-lo e quem sabe conversar com ele, como antigamente, deslizando no mar de palavras e poesias.

Veja vídeo de “Sinhá” com Chico e João Bosco:

A gente que viveu uma vida mais demorada e tem algum tempo e histórias para contá-la fica assim meio perdido diante de quem é autor de parte da trilha sonora que embalou tantas horas vividas. E aí, estamos num outro momento, mais maduros, provavelmente menos românticos, com os antigos sentimentos dilapidados pela rudeza da humanidade, pelas torres gêmeas implodidas, pelos amores naufragados, pelos tsunamis devastadores, mas, mesmo com toda Brahma e toda lama, ainda vivos e esperançosos. Já passado o pesar da ditadura, os suspiros das alcovas, o drama de Genis, a intempestividade de Anas e Bárbaras, consumado o tempo da gente, Chico Buarque retorna com Chico(2011). Não sendo os mesmo admiradores e apaixonados de antes, não tendo a mesma condescendência, teríamos a mesma reação diante da nova obra? Se já perdemos a noção da hora, será que aqueles belos seios ainda estão em nossas mãos? Difícil responder. Difícil comentar o trabalho de quem parece ter se doado tanto a um universo musical sem comparações e que está tatuado em nossa alma, como aqueles barrocos dragões coloridos que envolvem os braços e seguem por toda a gravada epiderme como um manto a nos proteger. Chico é grande. Seu repertório tão grande quanto ele. Por isso, o cara não me surpreende mais e também não exijo mais, justiça seja feita, do que ele me deu.

Tudo parece, assim, déjavù nesse novo Chico. Tudo parece Chico, o bom e velho Chico. Tudo parece datado, deitado na cama das velhas notas musicais cansadas, mas bem acomodadas, bem casadas, como num bom e velho Chico, senhor soberano de rimas e poéticas completamente assentadas, como equações ricamente elaboradas e cheias de si. E leia isso, por favor, como um elogio. O que se vê em seu mais recente álbum não é um artista renovado, mais um cantor e compositor que se renomeia, que brinca com um novo vocabulário tirado de páginas da internet e do cotidiano corriqueiro dos jovens, e também que se vê no espelho, apaixonado, fazendo declarações de amor ao cotidiano. Em “Tipo Baião”, faz troça com a linguagem dos mais moços, repetindo a expressão “tipo” para cantar um romance “tipo festa sem fim” prometido por uma jovem cheia de vida e amor pra dar, numa canção vestida como um baião moderno. Na belíssima valsa “Nina”. A moça da vez namora o homem da poesia pela internet, explicando que ele pode ver, em um mapa na tela, “a cidade, o bairro, a chaminé da casa dela”. Toque novo numa poesia que nunca perde o lastro de desmedido encantamento como em seu fecho espetacular: “Nina anseia por me conhecer em breve, me levar pra noite de Moscou. Sempre que essa valsa toca, fecho os olhos, bebo alguma vodka e vou”.

Escute a valsa “Nina”:

O Chico que não mede as palavras passeia pelas ruas do Rio, como eu sempre o vejo. E eu o vejo assim passeando e observando o mundo e as pessoas para fazer registros em seu “Querido Diário”. Nessa música, que inicia o disco, Chico Buarque, como fez em suas últimas obras, destila sua apurada poesia num exercício musical e estético que prescinde até de refrão. A música, cuja melodia parece que já ouvi em algum outro momento de Chico, e isso nem importa muito, traz frases enigmáticas como a do cão recolhido na rua e que de “hora em hora me arranca um pedaço” ou impactantes como na passagem em que ele, falando em religião, pensa em “amar uma mulher sem orifício”. Esse artista que faz as palavras crescerem faz crescer também a memória, exibindo filmes passados entranhados nas novas composições. O Chico jazzístico da lúdica “Essa Pequena” já mostrava os mesmos dentes em “A História de Lily Braun”, música de O Grande Circo Místico(1983). O sambinha “Barafunda”, por sua vez, reprisa em um certo momento o amor de Chico pela escola de samba Mangueira, numa levada que lembra, sem tanta inspiração, a verde e rosa “Chão de Esmeralda”, do disco As Cidades(1988).

Esse Chico, com certeza, não vai ser mais um grande disco de Chico de minha vida, ainda que num ou noutro momento, como nas vigorosas “Se eu Soubesse”, em dueto com a namorada Thais Gulin(ainda é ou estou desatualizado?), e “Sinhá”, bela parceria com João Bosco, incite minha paixão. Não vai embalar memórias, como aquelas de outros tempos, que ainda se arrastam solenes diante de mim sempre que meu coração pede arrego. Mas, é um Chico autêntico em toda sua carga poética, com o DNA, a identidade de quem faz música como quem risca mapas de orientação. Ele sabe dos caminhos e, mesmo que não tão iluminados, vale sempre enveredar por eles. Todos nós devemos esse passeio por suas sendas. Sempre vai existir algo a aprender.

Cotação: 3

Não fique vendo a banda passar, linke-se:

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P.S.: Texto dedicado ao meu sobrinho Marcelo, que sempre gostou de música boa

Mergulho no rock direto

2011-10-05T19:46:00.006-03:00

Aquela incerta agressividade e o cheiro permanente de cachaça no ar, provocando conversas ao pé do ouvido, o constrangimento e seu efeito silenciador corroendo a amizade de tantos anos, como aquele cilindro na ponta do cano da arma, aquele tiro contra o próprio peito. Toda a violência arde, mas antes que tarde é bom que se diga nesse caso, para que não se faça julgamento precipitado: nem toda a violência é planejada. O tiro contra o próprio peito acionado pelo involuntário, palavra bala saída da boca ácida de Craig Nicholls tinha a ver com Asperger. A síndrome. A Síndrome de Asperger que quase pregou o cara na cruz. Suas brigas e explosões, os tabefes no assustado fotógrafo, imagem que caiu nas graças da imprensa, os vitupérios e a dificuldade de se comunicar, a obsessão por um assunto determinado, mas também pela música, o encanto desmedido pela música, tudo tinha a ver com Asperger e com Craig Nicholls. O vocalista do The Vines era homem de inesperados extremos, do radical vigor do álbum Highly Evolved(2002), que deixou meio mundo de calças arriadas, ao rock aberto, que deixou meio mundo decepcionado, no atual Future Primitive(2011). Tudo isso é o cara. E tudo isso vale o seu tempo.

Veja o clipe oficial de “Gimme Love”:

No tempo em que Highly Evolved foi lançado, Strokes e Hives eram duas das bandas que polarizavam a atenção de milhares de jovens nos quatro cantos da Terra. Momento rico do rock, quando guitarras distorcidas e no talo pegaram a molecada de assalto. O disco dos australianos comandados por Nicholls era cru, garageiro, endiabrado como aquele gênero musical deve ser. De 2002 para cá, The Vines foi perdendo o vigor, tropeçando em trabalhos menos inspirados e de insuspeitada leveza, como o bacana Winning Days (2004), e o apascentado e não tão bom assim Vision Valley(2006). E trombando também na maldita Síndrome de Asperger, que, mesmo sem impedir o vocalista da banda de encarar o mundo, o deixava algumas vezes desarmado diante da moral vigente. Até porque o mundo é realmente cruel com quem desenvolve comportamentos inconstantes. Com esse quinto trabalho, o anterior é o risível Melodia(2008), os australianos dão um passo a frente e revelam uma maturidade e serenidade que nenhuma síndrome pode abafar.

Future Primitive foi achicalhado por boa parte da crítica institucionalizada. É, o mundo continua cruel com quem desenvolve comportamentos inconstantes. Nicholls(o segundo da direita pra esquerda), muito mais calminho que antigamente, pelo menos até a próxima explosão, deixa claro, contudo, que esses jornalistas e blogueiros patinam em um velho e injusto ranço. The Vines voltou diferente, menos elétrico e vigoroso, é verdade, mas fazendo um rock and roll tão limpo e direto que bem merecia um olhar mais cuidadoso e menos patético desses críticos de plantão. Sem se arvorar em fazer o inédito, o grupo, com a voz de Nicholls mais afinada que nunca, busca nos anos 60 a inspiração para um álbum com boas melodias e uma energia que se renova a cada audição. Não buscam de forma alguma impactar ou engendrar um novo Highly Evolved. E é no explícito prazer dos caras de exercitar o rock puro e básico, de fazer o simples que se revelam as delícias do mais recente álbum dos australianos.

Ouça a pedreira “Weird Animals”:

Essa simplicidade está escrita nas entrelinhas da grande maioria das 13 músicas que compõem um álbum ligeiro, curto, espertíssimo. A eletrizante “Gimme Love” abre o disco botando os sentidos para chacoalhar. Bublegum com cheiro de naftalina, traz os acordes dos anos 60, da efusividade que fizeram a fama de bandas como Beach Boys, The Monkeys e The Kinks. Essa mesma musicalidade, com ecos concretos do típico psicodelismo da época, se faz presente em “Candy Flippin’ Girl, com a batida marcada da bateria, o sintetizador manso e a guitarra ditando o ritmo. Essa moldura sessentista continua impressa na convincente "Cry", com seu pandeirinho e barulhinhos eletrônicos hippie-chiques, e no folk datado da linda balada “Goodbye”. E há quem veja ainda os Beatles dos anos 60, uma das influências mais marcantes do The Vines, em “All that you Do”. Enxergo melhor essa bendita herança, ainda que só pincelada, em “A.S.4”, lenta e graciosa melodia que bem poderia fazer parte do repertório do Oasis, quando este extinto grupo tentava imitar com medida competência os ídolos Paul e Lennon.

Afastando-se um pouco dos 60, os caras do The Vines - além do emblemático Nicholls(voz, guitarra), Ryan Griffiths(guitarra), Hamish Rosser (bateria) e Brad Heald(baixo) - encaram algumas viagens por sonoridades mais próximas da geração deles. E isso em algumas das melhores músicas desse injustiçado CD. “Weird Animals”, com sua pegada punk, é suja e feroz. A guitarra distorcida e melodia ganchuda levam o ouvinte à lona. Música tão legal quanto “STW”, que tem um quê de Nirvana, outra das explícitas influências do grupo, e quem sabe um elo com o futuro, uma linha a ser seguida no próximo trabalho do Vines. Os acertos ajudam a relevar a única grande bobagem do disco, a instrumental e paranóica “Outro”, um deslize aliás até compreensível e perdoável para quem vive a sombra da Sindrome de Asperger, né mesmo? Deixando a ironia pra lá, e desafinando o coro dos descontentes, recomendo, sem restrições, Future Primitive, esse regular e despretensioso Vines em sua honesta busca do mero prazer de cantar e nos fazer feliz.

Cotação: 4

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Álbum iluminado

2011-09-05T19:29:00.011-03:00

Gui Amabis é um operário dos bastidores. O músico talentoso e requisitado tem um trabalho que muitos já ouviram por tabela, mas raramente buscaram saber quem é. Pudera. Esse paulista é autor de trilhas sonoras para o cinema, arte normalmente subestimada pela maioria. É dele, entre outros, as malhas instrumentais que embalam as ações do norte-americano O Senhor das Armas, filme mediano de Andrew Niccol, e a apimentada carreira de Bruna Surfistinha, dirigido por Marcus Baldini, em versão de cores fortes e grande apelo popular. Amabis é um bom construtor de climas, aqueles que entram capilarmente pelos nossos ouvidos e contribuem para o sentimento completo das imagens. Esse exercício transpira por todos os poros do primeiro trabalho assinado pelo artista, o impactante Memórias Luso/Africanas(2011), um álbum que busca unidade no passado do autor e encontra potentes ecos no presente com sua estrutura moderna e marcante identidade.

A bela “Doce Demora”, com a não menos bela Céu no vocal:

Memórias Luso/Africanas inspirou-se, segundo o próprio Gui Amabis, nas histórias de seus antepassados contadas por uma querida e inestimável avó, que o deixou há poucos anos. Retrospecto da trajetória de negros e portugueses, testemunhal intenso da miscigenação que gerou a vívida e complexa raça brasileira. Essa genealogia da qual Amabis faz parte transparece nas atmosferas e raízes de um álbum difícil de qualificar musicalmente. A alma negra, a febre imantada no medo de homens e mulheres que vieram da África em navios sinistros para moldar nosso jeito de ser, a relação com os lusos brutos e desgarrados da Europa, as tensões sociais do Brasil colonial transpiram em parte das composições do CD. Esse longo filme que conhecemos tão pouco é exibido em cenas musicais de arranjos exuberantes que beliscam múltiplas influências culturais, do batuque ao jazz, passando pela música árabe. O resultado é uma obra maiúscula, rica e de encantadora entrega.

O cuidado com a programação dos arranjos salta logo na primeira música do CD, a soturna “Dois Inimigos”, a única em que Amabis solta a voz pequena, com um teclado pesado, marcial e toques climáticos de sinos para contar uma luta que remonta a um Brasil ancestral, a uma “batalha que continua franca e aberta e trava na goela”. Trilha perfeita para cenas de navios negreiros. A memória de uma África colonizada que herdou seus filhos ao nosso país volta pulsante e imagética em “Imigrantes” em seu arranjo de sopros atmosféricos numa história de desilusão e dor e despedida. “Vou me embora daqui, por que aqui já não tem mais flores não/É irmão contra irmão, é o espinho da intenção”, canta com alma Tiganá, arrendondado pela participação da bela Céu, esposa de Amabis. E esse cinema de sangue negro está mais evidente ainda em “Para Mulatu”, com forte percussão, batuque explícito que serve de cama para um “causo” dos tempos de colônia brasileira, em que “mama fugiu do sinhô e a correnteza levou mama pros braços de avô”. Essa linda composição conta com um impressionante e equilibrado vocal do grande Criolo, que debutou recentemente em CD solo com o ótimo Nó na Orelha(2011).

Ouça a potente “O Deus que devasta mas também Cura”, com Lucas Santtana:

As memórias e heranças lusas, presentes nas letras das canções citadas acima comparecem sonoramente em menor grau no disco. Essa presença é mais sentida em “Orquídea Ruiva”, com letra e voz de Criolo. “É praticamente um rock árabe. A música portuguesa tem essa origem por conta da invasão moura que durou aproximadamente 800 anos”, explicou Amabis ao falar da música. As cordas sinuosas e flautas crescem aos poucos para desembocar num refrão forte e que lembra a pulsação do visceral Nação Zumbi. A música ajuda a dar essa liga, uma unidade que torna o CD quase temático em torno desse rastro luso-africano. Disse “quase”, porque Amabis sai dessa linha em algumas outras ótimas composições. Caso da linda “Doce Demora”, uma homenagem a filha do músico, canção que mergulha em plástica delicadeza, com as participações de Céu, mais uma vez no vocal, ao lado dos pernambucanos Siba e Dengue, baixista do Nação. Sem dúvida, uma das mais belas do disco.

Céu, na foto ao lado com o maridão, volta uma terceira vez para brilhar com sua voz roufenha na fabulosa e jazzística “Swell”, talvez a mais contemporânea e moderna do álbum. Tem a cara da cantora e de uma leva de artistas que soube muito bem explorar e misturar inteligentemente as sonoridades mais refinadas do planeta para construir um relicário de canções de difícil audição, mas de claro bom gosto. Parte dessa trupe está no disco de Amabis. Juntos, sob a coordenação desse compositor, engendraram o projeto do grupo Sonantes, com um álbum homônimo lançado lá fora e que ganha versão nacional este ano e que tive o prazer de resenhar aqui. O trabalho, de 2008, comungava a grande fase do irmão Rico Amabis, Céu, Pupilo e Dengue. Além desses e os outros já listados anteriormente, Memórias Luso/Africanas agregou outras feras que seguem essa trilha moderna e mais ousada, como a revelação Tulipa Ruiz, que brilha na leve “Ao Mar”, Regis Damasceno (do ótimo Cidadão Instigado) e Lucas Santtana, criador dos cortantes versos da poderosa “O Deus que Devasta mas também Cura”, a mais linda e emblemática música desse CD que já nasce clássico. Para ouvir e reouvir e destrichar aos poucos, como merece a obra, as tessituras e belezas propostas por um Amabis pra lá de inspirado. Vá com força.

P.S.: Fotos dos artistas que ilustram esta resenha foram feitas por Ariel Martini (www.flickr.com/photos/arielmartini/ ou www.arielmartini.com) em show de 9 de agosto de 2011 no Sesc Pompéia(SP).

Cotação: 5

Memórias ao seu alcance:

http://www.4shared.com/file/f-cbpk8A/DNA_Gui_Amabis__2011_-_Memrias.html

ou:

http://www.mediafire.com/?4nyrgbd1gbhbk7g

Allen à antiga

2011-08-25T18:41:00.006-03:00

O texto em preto e branco xerocado, tímido, grudado ao lado da porta do cinema desmerecia aquela oportunidade rara. Era o anúncio do último do Woody Allen. Uma única sessão noturna, citada num papelzinho escondido no meio da vibração colorida dos cartazes vendendo Capitão América, Lanterna Verde, Dylan Dog, heróis dos quadrinhos que ganharam versões estufadas de efeitos especiais nas telonas. E um de meus heróis da adolescência, o workaholic Allen, estava ali perdendo feio a luta no ringue do marketing. Quase passou despercebida aquela xerox com a sinopse quadrada e vazia de informações de Meia Noite em Paris(2011). Não iria me perdoar se a passagem do icônico diretor no único cinema da cidade passasse em branco, afinal exibição de filme de arte em Boa Vista é artigo de luxo, especialmente no Super K, único complexo cinematográfico de Roraima, com 8 salas de cinemas, todas tomadas normalmente pelas produções populares, regadas a muita pipoca, refrigerante e gritaria da molecada, visão do inferno para quem gosta de se concentrar no clima e luzes mágicas da sétima arte.

Trailler de Meia Noite em Paris:

Tive sorte assim de me deparar com o longa-metragem de Woody Allen. E, o que é melhor, numa privilegiada e silenciosa sessão exclusiva para esta pessoinha que escreve agora e um colega. Dois na fita. Senti-me como a solitária Cecília, personagem de A Rosa Púrpura do Cairo(1985), um dos clássicos daquele mesmo diretor, em meio às suas ritualísticas incursões em salas de exibições quase sempre vazias. Cinema pra mim é religião, lugar sagrado de interação radical com a arte, de preferência refinada, ou pelo menos sincera, de diretores, atores, fotógrafos, cenógrafos, enfim todos esses trabalhadores que suam a camisa para fazer você se sentir especial naquela poltrona dominada pela tela. Como Cecília. Ou seja, tive espaço e concentração para mergulhar em mais uma aventura elegante e mágica de Allen, que com Meia Noite em Paris, retornou ao humor inteligente e cheio de referências que marcou uma das melhores e mais palatáveis fases de sua longa e pródiga carreira.

O filme em questão se contrapõe a algumas obras marcadas pelo intelectualismo e marra psicológica, talvez uma tentativa ainda de Allen de se aproximar do universo do sueco Ingmar Begman, um dos seus maiores ídolos e influência confessa. Com Meia Noite em Paris, o diretor parece se distanciar cada vez mais de filmes severos e com conteúdo denso, bons para discussões de cineclubistas (esses seres ainda existem?), amantes empedernidos do cinema indiano e alunos de faculdade, como, em menor grau, Ponto Final – Match Point(2005) e, em maior grau, O Sonho de Cassandra(2007). É a volta a leveza, não destituída de fisiologia intelectual, presentes em antigas e charmosas produções do diretor, a exemplo da obra-prima Manhattan(1979) e no já citado A Rosa Púrpura do Cairo. O que há em comum entre essas duas e a fita atual é que Allen valoriza, com mesma intensidade, os personagens principais do filme assim como o cenário onde ele se desenrola. Paris, a cidade luz, é filmada com toda exuberância e beleza, assim como o diretor fez com boa parte dos longas rodados em sua amada Nova York.

Paris é uma personagem que dialoga febrilmente com os atores do filme. Aquele que foi e permanece como um dos centros culturais mais efervescentes do planeta é um sedutor pano de fundo e leit motiv da inteligente trama, uma deliciosa e fantástica comédia. No roteiro, Allen se aproxima de filmes como A Rosa Púrpura e Simplesmente Alice(1990), nos quais os condutores da história misturam magicamente o real à fantasia. Nela, Gil (Owen Wilson, de Marley e Eu e Uma Noite no Museu) é um roteirista de Hollywood de passagem em Paris com sua noiva Inez(Rachel Adams, de Te Amarei para Sempre e Sherlock Holmes, numa interpretação burocrática) prestes a casar. Alimenta ali dois sonhos, um possível, o de escrever um romance sério, em contraponto aos seus roteiros risíveis, e outro utópico, o de reviver pessoalmente um dos auges da cena cultural parisiense, os anos 20 do século XX. Por um desses gatilhos sem explicação, e nem precisamos dela, ele, perdido na cidade à meia noite, pega uma carona num velho Peugeot e vai parar numa festa de arromba na década na qual sempre quis viver.

As viagens de Gil ao século passado são os pontos altos do filme. Allen aproveita para resgatar alguns de seus maiores ídolos. E aqui o telespectador tem que ficar bem atento e esperto para não perder todas as referências históricas e, especialmente, as sutis piadas que gravitam em torno dos personagens ilustres. O escritor entra em contato com seus maiores mestres, ninguém menos que os romancistas norte-americanos Scott Fitzgerald, Ernest Hemingway, representantes da literatura moderna norte-americana, e dos poetas T.S Eliot e Gertrud Stein, esta responsável na trama por avaliar criticamente o livro com o qual Gil pretende debutar no mercado. E a plêiade não para por aqui, o roteirista dá de cara espantado com pintores do naipe de Pablo Picasso, de quem quase rouba a amante Adriana(Marion Cottilard, de Piaf e Contágio, em atuação digna de nota, talvez a melhor do filme), Manet, Degas, Toulosse-Lautrec, Gauguin. É impagável o encontro de Gil com Salvador Dali e os cineastas Luis Buñuel e Man Ray, numa conversa, claro, surreal e divertida. Dali, egocêntrico, só fala, por exemplo, em rinocerontes, animal que fez parte de seu cardápio pictórico. Belíssima homenagem de Woody Allen a esses monstros da arte.

Nos encontros e diálogos do escritor com seus ídolos não há condescendência, obviedades ou discrepâncias culturais entre passado e presente, entre amadores e profissionais. Inteligentes e ferinos, como nos melhores textos de Allen, o tête-à-tête de Gil com aqueles geniais artista é nivelado por cima, bem humorado e surpreendente. A visão da louca Zelda Fitzgerald, esposa de Scott, de um compulsivo Picasso e de um estranhíssimo e lacônico Man Ray, só como exemplo, contribui para enriquecer o imaginário coletivo em torno desses inquietos mestres. O diretor faz assim um divertido inventário daqueles que admira usando como alterego um jovem escritor, vivido com correção por Owen Wilson, que repete trejeitos e a personalidade afobada e neurótica de antigos personagens vividos pelo próprio diretor. Gil é auto-referencial, o porta-voz de Allen fazendo muito bem, e com inspiração, aquilo que mais gosta: cinema inteligente para agradar antigos fãs e, de quebra, conquistar novas gerações.

Meia Noite em Paris pode não ser o melhor filme desse diretor veterano e prolixo, mas é com certeza um longa-metragem para se ver e rever com prazer. Uma pequena grande obra, concisa e perene. Um Allen à moda antiga.

Marquinho chiclete

2011-08-24T15:17:00.013-03:00

Meu amigo Marquinho faz arte. Da melhor qualidade e com uma técnica fantástica, segundo ele muito usada em Nova York e Europa, de nome bonito e chamoso, acho que francês: giclê. Lembra chiclete e o fato é que a danada gruda mesmo. "Estou criando essas artes em grande escala e imprimo em Canvas (tela) num processo chamado Fine Art", disse ele ainda num textinho carinhoso de facebook que me abriu o dia e os olhos. Coisa de quem entende. Tudo muito chique e impactante, com muitas referências cotidianas e culturais. E Marquinho generosamente as tem. Cabra bom de direção de vídeo, computação gráfica e pincel. Em minha amadora análise, vejo na sua fina arte reflexos da pop art de Andy Wahrol e Roy Lichtenstein, Mas, prefiro não analisar muito. Melhor é cair de cabeça na beleza e vibração de sua obra moderna e urbana.

Meu amigo Marquinho também tem blog. Gosto do blog dele, objetivo e direto. Nele, de cara limpa, a arte diz tudo, fala alto e faz refletir. Lá está o "homem sentado", de barbicha a la bode orelana, fitando o passarinho preso na gaiola, na mira do garoto armado, na mira da televisão e da mosca flutuante. Tá também a moça bonita e serena ao som de uma música qualquer, à beira de uma velha máquina fotográfica, prontinha pra voar. Marquinhos é danado mesmo. E não vou descrever o que mais o blog tem pra que você já curioso vá lá e veja tudo ao vivo, em carne e cores. E esse meu amigo avisa que faz trabalhos encomendados com uma foto sua em boa definição. Fez isso com o ótimo Seu Jorge. O resultado é de babar. Olhe aí embaixo. Bom chega de papo e acesse agora o blog do cara. Recomendadíssimo.Vá lá: http://marcosfariamiguel.blogspot.com/p/foto.html.

Cotação: 5

Seu Jorge nas ondas de seu Marquinho:

Marquinho posando de ator em um VT de 2006. Ele é o adorável bêbado:

Reciclagem de luxo

2011-08-23T17:14:00.008-03:00

Mal se passou um ano depois do lançamento de um dos melhores discos brasileiros do ano passado e olha eles de volta. Tudo bem que retornam num projeto sem ares de novidade e lambendo a poderosa cria que agradou a crítica e arrebanhou uma batelada de fãs. Mas, é sempre bom ouvir novas versões de composições inventivas num formato lúdico e completamente despretensioso. Estou falando da banda gaúcha Apanhador Só, que, vergonhosamente, não ganhou espaço merecido entre as resenhas que escrevi na época, mas que pelo menos entrou na lista dos discos nacionais realmente tops de 2010. Aproveito agora para me redimir comentando o divertido Acústico Sucateiro(2011), álbum que traz a reconstrução de nove músicas do debut do grupo e mais uma inédita. O quarteto de Porto Alegre segue a linha criativa dos mineiros do Pato Fu no muito bom Música de Brinquedo(2010) e se utiliza de instrumentos feitos pra crianças e muita, mais muita bugiganga e inimagináveis objetos caseiros para gravar, em ritmo de confraternização, um CD admirável.

Veja o clipe de “Prédio”:

Acústico Sucateiro impressiona primeiramente porque é um trabalho apurado de produção em cima de uma proposta com cara e levada de brincadeira. E das mais divertidas. É possível sentir nas entrelinhas e vinhetas e conversas entre uma música e outra a despretensão do grupo em recriar as músicas do seu primeiro disco. O refinamento veio palpável com a pós-produção, que nem de longe, mascara a leveza desse belo produto. E surpreende também porque, mesmo sem o peso dos instrumentos e de arranjos mais elaborados, as músicas mantêm o carisma que conquistou tanta gente em 2010. Ou seja, não há aqui douração de pílula, gatilhos ou efeitos especiais tão comuns hoje em dia na gravação de discos, mas sim uma oferta sincera do que poderíamos chamar do Produto Interno Bruto dessa moçada do Rio Grande do Sul. E é por aí, acho: o impacto do trabalho vem das boas harmonias, belas melodias e alguns achados poéticos que fazem da curta obra do Apanhador Só uma das boas revelações musicais dos últimos anos. E tudo isso, diga-se de passagem, injetado de simplicidade e muita objetividade, talvez o pulo do gato de Alexandre Kumpinski(voz e guitarra), Felipe Zancanaro(guitarra), Fernão Agra(baixo) e Martin Estevez(bateria).

A reciclagem desse Acústico Sucateiro se sustenta assim na força das canções, mas também na curiosidade provocada pela “instrumentação” utilizada nessa vigorosa brincadeira. O quarteto gaúcho muniu-se de gaiolas, facas, conduítes, latas, panelas, aro de bicicleta, piano e violão de brinquedo, aqueles baratinhos mesmo, entre outras esquisitices, para impor uma sonoridade completamente desapegada na reinvenção das músicas gravadas anteriormente. A banda não buscou a fidelidade com o registro original nessa verdadeira festa entre amigos. E as comparações entre uma e outra versão são, obviamente, inevitáveis. Se no primeiro trabalho, que leva o nome da banda, os arranjos apóiam-se num instrumental cheio, em uma trama sonora bem engendrada na qual a guitarra se sobrepõe e empresta um ar mais rocker ao trabalho, no segundo, o que vale é a experimentação e o predomínio da poesia. Explico: o som minimalista e econômico das sucatas e brinquedos utilizados trouxeram à tona, realçaram a força e a beleza das melodias e letras criadas pela banda.

Ouça a linda "Nescafé":

Ainda prefiro o álbum lançado o ano passado, porque, mais inteiro, alternava zonas de tensão a momentos de leveza trabalhados com invejável equilíbrio nos arranjos inteligentes. Mas, é muito legal ver o talento de o Apanhador Só rebatizado em versões cujo grande mérito é a tentativa de serem diferentes, de causarem novas impressões. Não há preguiça na brincadeira proposta pelo grupo, e sim uma energia vital das releituras que dá frescor à obra. A ótima, e uma de minhas preferidas, “Baião de Vira Mundo”, por exemplo, que tem no álbum de estréia um apaixonado sotaque argentino, emprestado pelo tango que marca a harmonia, ganha tons regionais e vibração na percussão enxuta criada por tambores com batidas secas. E ganha também um andamento mais ligeiro, ao contrário da fantástica “Nescafé” que perde na claustrofobia incitada pela letra e muito bem aproveitada na primeira versão, mas mantém a dramaticidade e sua dolorida carga, aumentada pela ironia e artificialidade dos toques eletrônicos, de raladores e pianinho de brinquedo. Do mesmo jeito, “Jesus, o Padeiro e o Coveiro”, mais cadenciada, menos eletrônica, permite uma melhor leitura da poesia de viés concretista.

E, realmente, retirado um pouco o véu sobre as letras, podemos perceber melhor a sutileza e simplicidade das composições. Na já citada “Nescafé”, que meu amigo Thiago Vekanandry Bala de Icekiss acha de estrutura verbal surpreendentemente estranha, a explícita incomunicabilidade está exposta em signos fortes e cotidianos: “Eu cuspo Nescafé e você chora leite de manhã/Amarro o meu sapato e tu veste o sutiã”. Em “Prédio”, uma das criações mais poéticas do grupo, a acepção de nossas ilusões de óticas emocionais diante da vida: “Não é o prédio que tá caindo/São as nuvens que tão passando/Não sou eu que não tô sorrindo. É teu olho que, lacrimejando”. E na única inédita do disco, também de bela melodia, “Na Ponta dos Pés”, outra característica das canções do grupo, o texto direto e por isso, pegador: “Ei, você: você me deixa na ponta dos pés./E eu, que não sou besta, me estico todo e tento enxergar lá longe, onde tu costuma mirar./Lá longe, onde não consigo nem ver, mesmo que na ponta dos pés”. Acústico Sucateiro é reciclagem sábia que dá sustentabilidade aquilo que já vinha sendo usado e consumido por uma parcela de gente antenada com a boa música do Apanhador Só. Uma obra que apenas sublinha o talento de uma turma que merece ser ouvida. Diversão garantida e gratuita para quem acessar o site da banda: http://www.apanhadorso.com. Ah, e dá pra baixar também o primeiro álbum lá. Se aproxime. Caia nas graças desses gaúchos.

Cotação: 4

Outras formas de baixar Acústico Sucateiro:

http://www.4shared.com/file/9aJIe2Lw/DNA_Apanhador_S__2011_-_Acstic.html

ou

http://www.mediafire.com/?f7ppketb1b9g9df

Tomou todynho

2011-08-20T18:49:00.011-03:00

Essa postagem bem que poderia ser uma continuação da anterior tantos os pontos coincidentes entre aquela boa banda e o projeto sobre o qual escrevo agora. Poderíamos apenas trocar os nomes dos personagens e um ou outro detalhe, mas a trama seria praticamente a mesma, como nos livros de espionagem de bolso que muito fizeram sucesso nos anos 80 nas bancas de revista. Assim como a britânica Metronomy, o cara por trás da norte-americana Memory Tapes demonstra uma nítida evolução e a necessidade de ampliar seu público com um trabalho mais coeso e chegado ao pop, nesse que é também o segundo registro fonográfico do projeto, Piano Player(2011). Estamos falando aqui de um homem que ajudou a cunhar o que seria mais um subgênero da música indie, uma tal de chillwave, que não é mais do que um som lo fi que se ampara na tecladeira(olha outra característica do Metronomy!). Mas, esqueçamos o rótulo e nos prendamos ao que mais vale a pena, a proposto musical e dançante do Memory Tapes que, se não chega a empolgar, pelo mas traz algumas boas idéias.

Assista ao clipe de "Yes, I Know":

Memory Tapes veio à luz publicamente quando lançou Seek Magic(2009), álbum que teve boa repercussão junto à crítica especializada. Era o projeto de um homem só, Dayve Hawk, em elocubrações, viagens umbigo adentro, diante de seu computador e as múltiplas possibilidades musicais e matemáticas que aquela maquininha infernal oferece. Hawk mostrou talento em construções harmônicas nas quais a eletrônica estava a serviço de viagens transcendentais e certa introspecção. Nada demais, contudo, como a ponta do iceberg, era possível vislumbrar potencial no cara de New Jersey tão cheio de boas intenções. Piano Player é como peças rearranjadas da obra anterior do músico, uma correção de rumo, na qual as melodias ficam mais evidentes, os arranjos melhor elaborados porque com alma mais coletiva e um espírito inapelavelmente pop. Memory Tapes, lembrando uma velha criação publicitária, “tomou todynho”, fortaleceu suas pretensões musicais e ganhou um frescor que elevou sua sonoridade alguns níveis acima da notada estréia.

Quem ouve a primeira música do disco, a calmíssima “Music in box(out)”, que, como diz o título, imita a caixinha de música, invadida aqui por uma sonoridade oriental, nem imagina o que vem a seguir. A programação musical de Hawk(o maluco aí da foto) ganha a partir da segunda música, a marca que estará presente em praticamente todo o repertório do álbum, um synth pop solar, feito para agradar aos mais turrões e mau humorados ouvintes. “Wait in the Dark” é “fofinha” com seu teclado e a bateria no tênue limite do brega que imperou na música eletrônica dos anos 80. O músico quase acerta no alvo com essa melodia de apelo popular mas que peca pelo arranjo repetitivo. Se redime logo depois com “Today is our Life”, primeiro single do disco e uma das melhores, que começa com percussão e teclado climáticos para cair no dance. Repare no refrão ganchudo, momento em que a guitarra aparece mais, equilibrando um pouco a supremacia do piano eletrônico. O tocador de piano, volta aliás, com gana e brilho na instrumental “Humming”, na qual o teclado ganha ares celestiais, barroco, para depois cair numa viagem mais experimental, deixando claro que o músico está entupido de referências sonoras, destiladas aqui sem parcimônia.

Ouça a instrumental "Humming":

Outra composição que merece destaque é “Sun Hit”, com solo inicial que lembra a oitentista The Cure em sua fase mais alegrinha. Com um coro mais lento e atmosférico e mudanças de andamento, estética que, com certeza, faz a cabeça de Dayve Hawk, é uma das mais bacanas do disco ao lado da balada “Yes, I Know”. Aqui, a bateria sincopada convida o teclado para uma contradança onírica, realçando a beleza e suavidade da melodia. Linda canção com vestígios da música folk para fazer os mais sensíveis, entre os quais me incluo, babarem. E o que é bom vai se escasseando. Um mergulho mais profundo em Piano Player termina com o incauto mergulhador batendo a cabeça em uma zona arenosa. As boas idéias se perdem no limbo do exercício eletrônico do one man band da Memory Tapes. Apesar de impor um ar orquestral a seus arranjos, a proeminência dos teclados começa a incomodar. A atonalidade de “Fell Thru Ice II” e sua apoteose instrumental e a dançante “Trance Sisters”, na qual o solo de teclado fala alto e cala a poesia da música, são exemplos, que se repetem em outros momentos, de que Hawk precisa de alguma impulsividade emocional em contraponto ao racionalismo de seu synth pop.

Player Piano, álbum que ganhou versão nacional graças ao esperto e antenado selo Vigilante, da Deck Discos, é um passo a frente do Memory Tapes. Um álbum mediano que não esconde, contudo, o potencial de um músico de incontestável talento, que sabe utilizar muito bem suas longas horas em frente ao computador. O cara afinou sua arte nesse segundo trabalho e tem tudo para aperfeiçoá-la, sem sombra de dúvida, ainda mais em sua próxima elocubração sonora. E aí quem sabe ele seja exato e definitivo como a bela ilustração da capa do disco, do designer japonês Kazuki Takamatsu, que esbanja sensualidade em suas criações de aspecto tridimensional em acrílico e guache que privilegiam diáfanas e esbeltas mulheres. Vale conhecer os dois, Hawk (http://www.myspace.com/memorytapes) e Takamatsu (http://kazukitakamatsu.web.fc2.com). O mundo cheio do talento dos artistas é bem mais bonito e vibrante.

Cotação: 3

Toque piano com Memory Tapes:

http://www.mediafire.com/?6d9fdx5qdm8li6s

Um pouquinho da grande arte de Kazuki Takamastsu:

Indefectível charme

2011-08-16T18:46:00.006-03:00

Desde que me entendo por gente sempre ouvi falar que os ingleses eram um povo mal humorado e um tanto distanciado da alma matreira e desavergonhada dos habitantes do terceiro mundo, daquelas novas e imberbes nações com pouco mais de 500 anos. Educados por tradição, parecem andar sempre com o pé no freio, cinzentos como a famosa fog que se abate sobre a cosmopolita e sisuda Londres. Gente cool de piadas comedidas, comportamento contaminado pelo passado vitoriano, mas que, incitados, soltam os bichos de maneira rancorosa como na recente onda de saques que estremeceu a capital britânica. É, eles são sim capazes de baixarias espantosas ainda que raras e temporãs. “Esses insubmissos são estrangeiros”, diria o inglês castiço de cima de seu salto alto, livrando-se de uma impensável culpa. Contudo, o clima que impera é mesmo de uma cultivada elegância que transparece nos filmes, mesmo os que falam da classe operária, e na música. Essência de bandas noventistas como Faithless, Moloko, Morcheeba, Soul II Soul, M People e em representantes da nova geração, como o hypado Metronomy, que lançou, The English Riviera(2011), um dos discos indies mais comentados do ano.

Vídeovlipe oficial de The Look:

Vou na contra-corrente e ouso dizer que o que há por trás desse álbum do grupo britânico que gerou tantos comentários apaixonados e a simpatia da crítica especializada é exatamente essa sonoridade elegante e cheia de estilo. Como acontece com os conterrâneos citados no parágrafo anterior, Metronomy foi, diferentemente dessa vez, buscar na black music o suingue e o encantamento espiritual, misturados com inteligência à modernidade do synth pop, característica mais citada da banda, formada por Joseph Mount(voz e guitarra) Gbenga Adelekan(baixo e voz), Anna Prior(bateria e voz) e Oscar Cash(sax e teclados). Com um passo no passado e o outro no futuro, The English Riviera é um belo exemplo desse som pretenciosamente lo fi, mas com alguma levada dançante, dessas de deixar mais cool(olha a palavrinha de novo) as reuniões da galera mais antenada. Esse não é bem o Metronomy dos discos anteriores, o difícil Pip Paine(2006) e o mais condescendente Nights Out(2008), mas é uma clara e escancarada evolução.

Todo o passado musical de Joseph Mount, o cara(de barba e bigode na foto) por trás do Metronomy, esteve meio que ligado umbilicalmente a eletrônica. Seu atual grupo tentou se projetar com eletronices casadas a desvairios. Errou feio. Descobriu agora que uma dose de leveza e conteúdo pop apontavam o caminho certo. Graças a essa urgente mudança de rumo do grupo, chegou inesperadamente a ser indicado este ano para o maior prêmio da música britânica, o Mercury Prize. Algo digno de nota para uma banda que até bem pouco tempo rodava apenas nas vitrolinhas de gente metida a besta. E esse apelo mais popular, but not least, carregado de um indefectível charme, aliado a melodias e arranjos bem elaborados fazem do álbum uma agradável surpresa. Um som quase delicado que tenta não ser refém da eletrônica e que já se anuncia alto astral na primeira música, a instrumental “The English Riviera”, com pios de gaivotas e violinos suaves, canção primaveril que abre a sessão para as boas criações que vem a seguir.

Escute a ótima "Corinne":

Metronomy mostra todo seu poderio sonoro a partir de “We Broke Free”, com o baixo climático de Adelekan puxando uma das melhores melodias do álbum. Aqui, já podemos sentir o suingue, elegância e delicadeza dessa hipnótica composição, temperos que irão se repetir em vários momentos do CD. Como na sensibilidade soul da bela e sensual “Trouble”, que lembra o estilo introspectivo dos conterrâneos do Style Council, ou ainda na cadenciada “Some Written”, uma new bossa marcada pela percussão, incluindo aqui uma cuíca meio que perdida na assepsia refinada da canção. Nesse grupo das músicas delicadas está ainda a ótima “Everything Goes My Way”, na qual se sobressai a voz da baterista Anna Pryor, acompanhada de Joseph Mount, e uma guitarra pra lá de doce e muito bem executada.

O lado “B” do disco, aquele mais agitado, se é que podemos classificar assim, traz as composições com um acento mais eletrônico. Os sintetizadores mostram-se aqui evidentes, definidores, sem, porém, se tornarem a tônica desse delicioso disco. Em raros momentos, os teclados revelam-se superlativos, soterrando a melodia, como na chatinha e monocórdica “Love Underline”, um deslize que logo é superado por canções que grudam no ouvido e provocam um up grade em nossos sentidos. É o caso da kraftwerkiana “The Bay”, com seu provocante refrão, e da despudorada “The Look”, com seu jeitão oitentista, uma leviana candidata para pistas de danças naquele instante pré-arrastão. E tem ainda, fora dos dois contextos citados até aqui, a bacanéssima “Corinne”, com uma pegada mais rock and roll e sua guitarrinha suja dialogando com jeito e ternura com o sintetizador. Sem dúvida uma das melhores de um álbum que veio se chegando assim meio sem querer e acabou se tornando uma obra de indiscutível valor, dessas de figurar na lista das melhores do ano. Anote esse nome: Metronomy. E quem estiver por São Paulo no dia 31 deste mês de agosto com grana no bolso, veja a banda ao vivo no festival Popload Gig, no Beco 203 pros lados da Augusta. Vá, com certeza vai valer a pena.

Cotação: 4

Conecte-se com os britânicos:

http://www.mediafire.com/?aaqybrkdj1xyrfy

ou:

http://www26.zippyshare.com/v/84710920/file.html

Homem com "H"

2011-08-04T15:52:00.011-03:00

Era uma figura gigante no palco, cara pintada, seminu, como um fauno, um exu, exuberante exu, destilando energia, inventando trejeitos. Contorcionista, exercitava as possibilidades infindáveis do corpo magro. Os outros dois ao seu lado, também vestidos estramboticamente, pareciam meros figurantes, molduras para a arte provocadora do astro principal. Era fevereiro de 1974. Um maracanãzinho lotado assistia extasiado ao espetáculo, trinta mil pessoas surfando no sucesso de “O Vira”, canção afoita que misturava um velho ritmo folclore português ao rock e a uma letra cheia de fantasia e figuras assombrosas. As crianças adoravam. Eu, no meio de meus sete irmãos, grudado na TV preto e branco assistia fascinado aquilo tudo. Nas linhas mal resolvidas da telinha, que nem sonhava em ser HD, um grupo revolucionava a seu jeito a música careta brasileira. “O Vira”, a mais bobinha das músicas do álbum que vendeu milhões de cópias, nem de longe representava o vigor da obra de Secos e Molhados, que não resistiu, com sua formação original, a dois discos, mas deixou magicamente para o Brasil aquele cara de corpo franzino, elétrico. Ney Matogrosso completa 70 anos esta semana e, em todas essas décadas, manteve-se o brilho de alguém que desafiou comportamentos, cantou a MPB como ninguém e foi sempre fiel ao bom gosto.

Ney cantando “Rosa de Hiroxima”, no antológico show do Maracanãzinho:

Aos 70, Ney é nossa Madonna, resistindo orgulhoso e incólume, como um alquimista, às mazelas do tempo que tudo erode. Em sete dignas décadas, foi mudando devargarzinho ao sabor de sua inquieta e inventiva personalidade. O cara tinha como prática comum surpreender o atônito público. Na época da televisão preto e branco, colorizada na periferia por uma película colorida grudada ao vidro, Ney surpreendia com seu corpo atlético, em uma coreografia só sua, homem elástico que era, e um figurino mínimo, minimalista, mas abrangente em sua tradução cultural. Cocares, queixadas, máscaras platinadas, penas de pavão, tudo se enquadrando no rosto fino do artista, tapa sexo, bugigangas, pulseiras e tornozeleiras extravagantes,tudo se equilibrava elegante, sobrevivendo à dança frenética, aos rodopios, pulos, braços que giravam ininterruptos em todas as direções. E eu conseguia ver tudo colorido em minha descolorida TV de baixa, rasteira definição, querendo entender que figura era aquela, tão diferente de tudo que vira até então. Na época da televisão colorida, Ney foi perdendo as cores e encarnou um certo tipo, um cara sóbrio, sem pintura no rosto, mas sem perder a ternura jamais nem o rebolado, cantando como ninguém pérolas do MPB com sua voz única, inconfundível, perene.

O cantor ao lado do grande Raphael Rabello em “Negue”:

Ney resistiu ao tempo como resistia aos achincalhes dos militares que tentaram proibi-lo de aparecer em público daquele seu jeito econômico, estilo hai-kai, de se vestir. Enfrentou homofóbicos e outras espécimes burras de preconceituosos assumindo sua natural bissexualidade. Transou com mulheres. Transou com homens fascinantes, como Cazuza. Transou com a liberdade. Transou corajosamente com a vida, expondo sua sexualidade numa época em que os tabus, mais do que hoje, eram monstros a assustar os moralistas enfileirados atrás de carapaças quase intransponíveis. Falsa moral tão bem revelada nos textos ferozes de Nélson Rodrigues. Provocava os carrancudos conservadores algumas vezes com jogadas de marketing geniais e divertidas, como quando resgatou “Homem com H”, de Antônio Barros, um forró do cancioneiro popular em que assumia uma irônica masculinidade: “Com H sou muito homem”, dizia a letra. Ou quando, vestido com paletó branco e elegância sem par, seduzia homens e mulheres, sem distinção: “Me diz que sou seu tipo”, sussurrava entre uma e outra reboladinha sensual. Tipo homem da melhor estirpe, pleno de cidadania e boas intenções, daqueles que fazem o mundo melhor.

Veja vídeo num show mais recente de Ney cantando “Homem com H”:

Aos 70 anos muito bem vividos, Ney não precisa provar mais nada, nem brigar com os moralistas de plantão, já que escancarou com sua arte as portas para que os mais novos sigam com a batalha, munidos de muita argumentação e um exemplo magnífico. Aos 70, muito bem cuidados, o cara continua fazendo álbuns prenhes de beleza que marcaram uma vasta discografia de 31 discos, contando só a sua fase solo. Como, só para citar alguns, Pescador de Pérolas (1986), À Flor da Pele(1990), Olhos de Farol(1999), Vagabundo(2004), Canto em Qualquer Canto(2005) e o recente Beijo Bandido(2009). Ney manda bem com sua invejável juventude e uma fórmula sábia de encarar o mundo. Aos 70, muito bem engendrados, fica a certeza de que mais 70 não lhe fariam mal. Se se fizesse uma improvável justiça divina , só faria bem, com toda certeza, a todos nós. Parabéns, Ney. E para finalizar, fica um bela poesia, que traduz um pouco a alma generosa desse baita artista: “Se canto sou ave, se choro sou homem. Se planto me basto, valho mais que dois. Quando a água corre, a vida multiplica. O que ninguém explica é o que vem depois”.

Brincando no campo dos Kaisers

2011-08-03T16:23:00.008-03:00

A proposta era divertida e marcava um diferencial entre aquelas bandas que tentavam colocar o ingovernável império da internet a seu favor. Como o grupo inglês Radiohead fez há quatro anos, os conterrâneos do Kaiser Chiefs resolveu disponibilizar na rede suas músicas mais recentes para que os interessados pudessem comprar de um jeito maleável. E escolheu uma forma bem diferente e lúdica para isso. Os malucos da banda ofereceram nada mais nada menos que 20 composições para que cada um dos internautas montasse seu próprio disco, com 10 faixas. E ainda, vejam só, poderia vender a sua própria versão e faturar algum trocado. Tava tudo lá, explicadinho, programinha no jeito, no site do grupo, www.kaiserchiefs.co.uk . O grande azar de toda essa história é que o festivo marketing acabou revelando uma fragilidade percebida por todos que tentaram se refestelar com tanta generosidade: nem tudo naquele banquete oferecido pelos britânicos cheirava bem. Três anos depois de terem lançado o quase leviano Off Their Heads(2008), o Kaiser Chiefs não estava, de acordo com o sentimento da crítica, muito preparado para tamanho carnaval.

Relembre “I Predict a Riot”, do ótimo Employment:

Antes de comentar o marketing e enveredar pela vasta trilha sonora apresentada em The Future is Medieval(2011), título do disco em questão, vamos remontar um pouco ao passado. Quando o futuro não parecia tão medieval assim, o Kaiser Chiefs surpreendeu a crítica e os ouvintes com um álbum que já nascia clássico. Employment(2005) tinha um vigor rocker desses de deixar os amantes do gênero catando estrelas. E, como sempre acontece com a imprensa entusiasta, a banda foi aplaudida, incensada, devido, principalmente, a músicas sensacionais como “I Predict a Riot” e “Everyday I Love You Less and Less”. O disco seguinte Yours Truly, Angry Mob(2007) não repetiu a magia do anterior, apesar de “Ruby”, a única música de sucesso do trabalho, ter sido uma arrasa quarteirão. Off Their Heads, o terceiro, na minha visão, não disse muito a que veio. E aí, os Kaisers passaram a dever uma obra que apagasse todo o passado de incertezas e dúvidas. O grupo se organizou por três anos, criou 20 canções para que chegasse ao álbum ideal. Não acertou, infelizmente o alvo, e parte da crítica vociferante caiu de pau. “Bons de marketing, ruins de música” era o tom de quase todas as resenhas maldosas, das bem escritas às escalafobéticas. Mas, nem só de rainha vermelha vive o reino de Alice.

Veja o vídeo da animada “Little Shocks”:

The Future is Medieval pode ser montado, sim, agradavelmente, com um mínimo de consistência e, vá lá, decência. Basta ter um pouco de boa vontade e alguma imaginação. Tudo bem que as vinte composições oferecidas para a dezena definitiva não apresentam uma unidade e algumas realmente poderiam fazer parte daquelas coletâneas “lados B esquecidos” das bandas. E nem trazem a afiação e brilho que o Kaiser Chiefs mostrou nos dois primeiros trabalhos. É fácil pinçar músicas completamente descartáveis, como “Problem Solved”, um rock com cara dos anos 80 bem mal resolvido, “Saying Something”, inspirada como um adolescente imberbe diante de uma equação de segundo grau, ou “Things Change”, uma tentativa vã de fazer algo parecido com o Bowie da fase mais eletrônica. Erram também na falsa candura de “Coming Up for Air”, com seu teclado e coro açucarado, apesar do bom arranjo cheio de vozes e barulhinhos inesperados. “Heard it Break”, um eletrorock pouco inspirado e sem vergonha bem que poderia ficar por sua vez no limbo das canções que nunca deveriam chegar à luz de nossos ouvidos.

Ouça a balada “If You Will Have Me”:

Mas é possível enxergar dignidade em um punhado de composições. E aqui, começo a construir meu próprio e humilde track list de The Future is Medieval. “Back in December” pende para o soturno e surpreende com seu ritmo cadenciado e refrão bem construído. Reparem na guitarra ferina e nos bons vocais. “Can’t Mind my Own Business” é a música oitentista mais redondinha do disco e uma de minhas preferidas, outra com melodia cheia e lampejos do Kaiser Chiefs que conhecemos, com direito à guitarrada mais solta e marcante. “Child of the Jago” traz um bom riff de guitarra iniciando uma canção lenta e minimalista, com lindo solo de guitarra. “Cousin in the Bronx” é uma sinfonia urbana com muito barulho de transito, buzinas, uma bela tradução musical da loucura de um bairro cosmopolita. Trilha inspirada para cidades cinzentas. Chega a ser quase um apêndice dentro do conjunto da obra. Tanto quanto a agitada “Dead or in the serious trouble”, tão cheia de pompa e arroubos com seu teclado urgente e característico dos anos 70 que me lembrou os momentos mais trepidantes de “Tommy”, a opera rock composta por Roger Daltrey e The Who.

Não perca as contas. Devo mais cinco entre as quinze restantes compostas pelos britânicos. “I Dare You” tem melodia convincente, talvez uma das mais inteligentes do disco, e baixo e guitarra trabalhando verdadeiramente em equipe. “Little Shocks", com ar deja vu e alguma agressividade, casa eletrônica e rock resultando em um final feliz. “Long Way for Celebrating”, que também está entre as minhas preferidas, é a mais roqueira da lista. O refrão é irresistivelmente dançante. Uma verdadeira celebração. Deixo para o fim duas baladinhas, boazinhas para encantar aqueles anjos que teimam em não dormir, vigias incansáveis dos roqueiros boêmios. “When All is Quiet” é preciosa em sua simplicidade, pequena gema lapidada com gosto pela banda. A segunda é “If You Will Have Me”, que vai na mesma linda da anterior, um lamento amoroso de arrepiar embalada por lindo arranjo de cordas. Taí, no final das contas, o meu “The Future is Medieval”, que não traz um Kaiser Chiefs intenso e iluminado, mas que funciona como um afago de um grupo que ainda fica devendo aos fãs um trabalho de peso. Ah, essa aí em cima é a capa que escolhi entre as opções propostas no site dos britânicos(veja as outras possibilidades mais embaixo). E aqui a versão que os Kaisers apontaram como a deles, ou seja, o álbum em sua versão oficial, que conta espertamente com três músicas a mais:

01. Little Shocks
02. Things Change
03. Long Way From Celebrating
04. Starts With Nothing
05. Out Of Focus
06. Dead Or In Serious Trouble
07. When All Is Quiet
08. Kinda Girl You Are
09. Man On Mars
10. Child Of The Jago
11. Heard It Break
12. Coming Up For Air
13. If You Will Have Me

Cotação: 3

Se link com o disco:

http://www.filesonic.com/file/1415236351/www.NewAlbumReleases.net_Kaiser%20Chiefs%20-%20The%20Future%20is%20Medieval%20%282011%29.rar

ou:

http://www.mediafire.com/?r2vvkcsh6y06m13

Outras opções de capa para The Future is Medieval:

Ele e a planta

2011-07-20T09:30:00.004-03:00

Um homem e uma planta. Uma relação radical, entranhada, dessas que geram comentários rumorosos e cuidadosa admiração. Não, não é nenhuma história fantástica envolvendo algum jardineiro ou botânico, muito menos uma moralista fábula de Esopo. Me & the Plant é como se autodenomina uma dupla formada por um músico e um cactus(!). A parceira espinhenta e onipresente, no caso, é ela, a inspiração e porta-voz desse dueto que acaba de lançar um álbum com nome tão estrambótico quanto o relacionamento entre os dois. The Romantic Journeys of Pollen(2011) nasceu à sombra dessa brincadeira. A tal planta aparece em videoclipes e responde à imprensa. O misterioso site do duo (www.meandtheplant.com) reforça esse divertido marketing, algo na linha do que fez Damon Albarn com seu grupo virtual Gorillaz, pouco revelando quem realmente está por trás desse assombroso disco todo cantado, e muito bem cantado, em inglês, uma saborosa mescla de folk e indie que chegou aos meus fascinados ouvidos como uma das mais belas e vigorosas surpresas do ano.

Veja clip de "On my Own":

Quando escutei The Romantic Journeys of Pollen, me veio de cara à mente Belle and Sebastian, Elliott Smith, Wilco, Tim Buckley e outros expoentes da melhor cepa do folk e da indie music. Tão grande era a espontaneidade e inventidade das composições que logo fiz ilações afoitas. Apostei de início que o grupo vinha de algum país nórdico, região européia de onde tem brotado bandas que assumiram com talento aquele gênero musical marcado pela suavidade, intimismo e melodias sinuosas. Comecei a desconfiar da minha apressada aposta quando ouvindo “We Want your Genes”, percebi a pronúncia cristalina de uma curta frase em português. Era um “que será, será”, como na trilha sonora de O Homem que Sabia Demais(1956), de Hitchcock, sem o sotaque histriônico da bela Doris Day. Curiosidade aguçada, fiz uma rápida pesquisa na internet e descobri que o alter ego da planta e mentor do grupo era na verdade um brasileiro, um músico e redator de voz forte chamado Vitor Patalano. Ora ora, pensei, quem achava que o melhor do nosso folk e indie estava em figurinhas etéreas e carimbadas como Mallu Magalhães, deve ter levado um susto ao ouvir esse ótimo candidato a Neil Young brazuca.

Findo as dúvidas e elocubrações me entreguei ao deleite de um disco construído com beleza, sensatez e inteligência. Por trás da poesia concreta e melodias inspiradas do trabalho está ninguém menos que Kassin, um dos melhores e mais cobiçados produtores musicais do Brasil na atualidade. Para engrossar o caldo, Patalano, que assume os vocais ao lado da Planta, se cercou ainda de um refinado time de feras para dar vazão à sua até então, para a grande maioria dos pobres mortais, insuspeitada arte. Convidou Rodrigo Barba (ex-Los Hermanos) para tocar bateria, Gabriel Bubu, da ótima banda Do Amor, para arrepiar no baixo, e Marcos Lobato, no teclado, para criarem juntos todo o climão rocker que impressiona na obra. O resultado é pra lá de convincente. Como um jogo bem jogado do Brasil na Copa de 70. Tudo flui com ritmo e intensidade à serviço de canções que arrebatam e que não deixam nada a dever, arrisco aqui de peito aberto, ao que fazem os bons grupos que nasceram em países mais afeitos ao gênero de rock que Me & The Plant defende com tanta sobriedade e paixão.

Ouça a poderosa "Underdog":

O cardápio folk-indie oferecido em The Romantic Journeys of Pollen é farto e generoso. São treze canções competentes que trazem na alma a beleza melódica e atmosfera típica daquelas duas vertentes do rock and roll. A começar pela forte “Death Cheating Tuna Cowboys”, com introdução que remete a música árabe, mas que logo se transforma em algo próximo do country rock com letra e refrão memoráveis. A ótima e mais animada “Butcher The Savior”, folk de carteirinha, tem levada rítmica mais marcada, com coro atmosférico e arranjo espertíssimo. “Cordillera Girl” é puro Belle and Sebastian, “indie fofinho”, como foi denominada pela crítica cabulosa a música dos escoceses. “And It Goes Like This” segue a mesma trilha da delicadeza, com belo solo de cordas e interpretação sensível do vocalista e letrista. Só perde em beleza para a nostálgica “On my Own” e a melancólica “Seagulls”, de estraçalhar corações com seu piano lentíssimo e melodia com ataques atonais que lembram um pouco a fase mais introspectiva e menos pop de Thom Yorke, visceral líder do Radiohead.

Tão cheio de baladas e canções pra embriagar corações e mentes, o álbum do Me & The Plant surpreende também em seus momentos mais ácidos e buliçosos. Duas das minhas preferidas são “The Core”, outra canção com grande melodia que namora com o country e que traz a marcante voz de Patalano prenhe de seu poder, e “Underdog”. Essa última carrega o espírito do rock desgarrado, daquela fonte onde bebeu sedentamente ícones como Velvet Underground e Leonard Cohen. Por tudo o que mostrou nesse seu disco de estréia, não tem como negar a universalidade e talento da música desse carioca de batismo e sua amada Planta. Raro são os álbuns que se mostram tão equilibrados e coesos. Ainda mais em uma estréia. Isso talvez se explique pela maturidade de seu autor, um músico de 39 anos que só agora resolveu dar a cara a tapa. A clara maturação das composições (parte delas compostas na Patagônia) presentes no CD, que será lançado fisicamente apenas em agosto, rendeu uma obra também madura e superlativa. Sólida como uma poderosa planta depurada e protegida pelo tempo. E isso é só o começo.

P.S.: As fotos de plantas que ilustram esta resenha foram retiradas de um site cujo link está no endereço do Me & The Plant. Conheça: http://www.laurieknight.net/

Cotação: 5

Linke-se agora:

http://www.mediafire.com/?324vme840xavg2b

Tempos de telecoteco

2011-07-08T14:03:00.013-03:00

Billy Blanco era uma figuraça. William Blanco vulgo Billy Blanco. Era uma época em que o nome artístico precisava carregar uma sonoridade transnacional, estrangeirada. Tive a honra de, em 2009, ver um show do velhinho, só voz e violão, ao lado de seu filho, este com a enorme responsabilidade de não ser o músico acompanhante, mas o guardião do arsenal reunido ao longo dos 60 anos de carreira do pai. Daqueles tempos de bossa. Novíssima. Arqueado pelo peso da idade e talvez já consumido por doenças que a velhice teima em imputar ao corpo cansado, ele mantinha o bom humor no palco, rindo dos brancos impostos cruelmente pela memória falha. Na platéia, formada, em grande parte, por maiores de 40 anos, o sorriso no rosto era fácil. Ecos de um passado feliz, ensolarado, trazidos a tona por músicas de Billy que falavam de amores e dias coloridos. Muitas delas elegia ao Rio de Janeiro, adotado sem reservas pelo paraense de batismo.

Naquele show intimista em Brasília, a platéia cantava a maliciosa “Teresa da Praia”, a linda “Viva meu Samba”, tadução exata do brasileiríssimo ritmo, e a gaiata “Piston de Gafieira”. Billy Blanco compunha com sentimento popular. Em um Rio dourado, marcado pelas noitadas, foi o síndico da farra, elencando matreiro as regras das pistas da alegria, como em “Estatuto da Gafieira” (“O ambiente exige respeito/Pelos estatutos da nossa gafieira/ Dance a noite inteira, mas dance direito”) e “Estatuto da Boite”(“ O estatuto não prevê, mas eu lhe digo/Traga a sua mulher de casa e deixe em paz a do amigo”). Bom sujeito, ele. A música do cara, pra trilhar romances pianinhos ou pra dançar, tinha mesmo telecoteco. Hoje, a figuraça morreu. Grande pena. Nessas horas, só nos resta dizer, com a alma triste e enlutada: vai com Deus, Billy.

Para lembrar o mestre segue algumas provas de sua grande arte.

O vídeo com Juli Mariano cantando “Estatuto de Boite”:

A bela letra de “Viva meu Samba” e uma versão matadora da mesma com Zé Renato, uma das mais belas vozes masculinas da MPB. Cante junto:

Venho do reino do samba
Brilhar no asfalto
E na forma de samba
Vem o morro também
Faço da minha tristeza
Um carnaval de beleza
Que as outras terras não tem
Toda riqueza do mundo
Não vale um terreiro
Onde eu faço o meu samba
Com simplicidade
Com as pastoras na rua
Com um pedaço de lua
E a palavra saudade
Violão
Pandeiro
Tamborim na marcação
E reco-reco
Meu samba
Viva meu samba verdadeiro
Porque tem
Telecoteco

E olhe aí a incrível Elza cantando “Estatuto da Gafieira”:

A dona da voz e da vez

2011-07-07T15:36:00.007-03:00

Tudo gira em torno da voz da moça. As peças bem colocadas, calculadas, como num rico cenário operísticos onde tudo deve funcionar para que graves e agudos ganhem inteiramente o vácuo entre as bocas tonitruantes dos cantores virtuosos e os tímpanos amaciados do público no exercício do êxtase. A candidata a diva, uma britânica de pele branquinha e herança italiana no nome e na alma, parece gostar de trabalhar assim, amparada por equações exatas, orquestradas para que ela impere soberana. A estréia de Anna Calvi, uma bela dica de meu grande amigo e visionário Wagner Marataízes, com disco de estréia homônimo, é assim, esquemático, tramado com sensibilidade para que a novata pudesse expor seus impressionantes dotes vocais. E que vozeirão ela tem. É nela que se fia e é destilada cada canção de um encorpado registro fonográfico para o qual já foram tecidas todas as loas por uma maravilhada crítica. Mas, Anna Calvi(2011) tem realmente inegável encanto e é obra para se ouvir repetidas vezes até que andemos com segurança por todos seus becos e vielas emocionais.

Assista ao clip de "Blackout":

A arte de Calvi já foi comparada, pela voz e estilo único, a de musas eternas do rock, como as fantásticas Patti Smith e PJ Harvey. Comparação ousada, afinal, as duas são cultuadas e fazem inquestionavelmente parte da história de um gênero musical que vive se reinventando. A parte mais criativa e referencial, diga-se de passagem. Mas, a inglesinha é ainda, pela curta experiência de vida e amores, uma estagiária nesse universo povoado por quase deusas. O que se evidencia em seu primeiro álbum é o distanciamento da crueza rocker e radical que tanto marcou os primeiros trabalhos de Smith e Harvey, provocado, no caso da estreante, por uma produção mais cuidadosa e cartesiana. Só para traduzir melhor, pensando na segunda cantora da frase anterior, Anna Calvi está mais para Bring you to my Love(1995) do que para um Dry(1992), este uma peça de artilharia devastadora. Isso, contudo, não tira o brilho e a contundência de um trabalho raro e incandescente. Nossa cara iniciante já nos dá, em sua primeira investida, muito pano pra manga.

Voltemos então à voz de Calvi, cheia, diferenciada, que vai, no álbum de estréia, de registros suaves, líricos, a intervenções mais raivosas, tudo sempre a serviço de um rock and roll engajado e sofisticado, sem grande apelo popular, mas longe de ser intransponível. E ainda, o que mais marca, uma voz com intensidade dramática e convincente carga de verdade que escorre por entre os dedos de cada palavra cantada por essa artista que, sem rodeios, ama o que faz. Espertamente a voz da moça só nos é apresentada depois de uma música introdutória, “Rider to the Sea”, instrumental climático que lembra trilha sonora de western spaghetti, com suas cordas chorosas, naquela clássica hora do esperado duelo ao entardecer. Calvi surge então sussurrante na linda “No More Words”, composição que remete a PJ Harvey, poderosa e prenhe de angústia, fluido veículo para as injeções de sensualidade aplicadas sem parcimônia pela cantora. Aí de nós, “obrigados” a ouvir essa garota cantando apaixonadamente e sem compaixão no pezinho de nossos ouvidos “oh,oh my Love”.

Escute a ótima "I'll be your Man":

Quem prefere uma paixão mais radical, Anna Calvi oferece, logo a seguir, argumentos fortes e suficientes para conquistar também esse segmento menos romântico. “Desire” é uma das canções mais rasgadas e rockers do disco, na qual a talentosa artista solta de vez a afinada voz, inapelavelmente, mostrando todo o seu alcance. Ou seja, três músicas depois e a munição está posta sobre a mesa. E a gente, do lado de cá, com as mãos para o alto, ficamos pasmos diante da deliciosa descoberta. A partir daí, entre composições digeríveis e outras nem tanto, a britânica vai cada vez mais conquistando nosso respeito com seu vozeirão. E, como se isso não bastasse, a loirinha conta, a seu favor, com músicas inspiradas e que contribuem para seduzir de vez os inebriados ouvintes. Nesse quesito, o álbum chega a fazer algumas concessões, mesmo que não tão fáceis, ao pop, caminho com o qual ela não se sente muito à vontade. É o caso das mais comportadas “Blackout”, a mais fraca do CD, e de “Suzanne and I” , com guitarra, a cargo da própria Calvi – outra boa surpresa desse trabalho –, mais apática do que normalmente do que se vê sendo executada no trabalho.

Melhor mesmo é ficar com a vertente mais gótica e entranhada do disco. Momentos em que Anna Calvi se entrega a um rock profundo, com sonoridade próxima do experimental, possuída por demônios próprios que dançam em torno de suas próprias dores e mistérios. Amparada por arranjos suntuosos, a artista provoca nossos instintos. É épica e caudalosa em belas melodias, como “Firts we Kiss”, uma das minhas preferidas, cuja dramaticidade da canção é ampliada pela voz potente da inglesa, e “Desire”, de refrão contagiante. A magia continua com “The Devil”, de tom fabulístico, e o suingue da ótima “I’will be your Man”, onde o vocal da cantora dialoga instigantemente com uma guitarra pontual. Anna Calvi encerra com “Love W’ont be Leaving”, com percussão marcada e cordas atmosféricas, uma das mais ousadas desse grande álbum. No fim dessa aventura sonora, fica a impressão de que nos deparamos com uma artista inventiva, pronta para encarar o mundo com uma música inteligente, sem devaneios, rock de gente grande com definida pretensão de fazer história.

Cotação: 5

Vai encarar?:

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ou

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Sobre cachaça, fuscas e sacanagem

2011-07-05T15:34:00.006-03:00

Itamar Franco pegou o elevador e desceu na cobertura onde os mortais não colocam os pés. O topetudo se foi deixando aquela profunda impressão de perda nos conterrâneos mineiros, que se despediram dele ao som da emblemática “Ó, Minas Gerais, quem te conhece, não esquece jamais”, hino usado de praxe nos enterros de autoridades que deixaram alguma herança para um povo. Perda ligada à memória de um homem que teria sido honesto na política, daqueles que fogem do lugar comum e têm na ética uma escola com lições a serem divididas com todos e por todos. Lembro de Itamar em momentos estanques, em situações ligadas, contudo, menos aos seus esteios morais, que os colegas de profissão gostam de citar no velório com falsa consternação, e mais a atitudes tão sofregamente humanas e cotidianas, que provavelmente, são as que vem a tona na cabeça de quem viu o ex-presidente em ação.

Uma delas era o seu apego pela pinga. A branquinha. Era a “maldade” que, de vez em quando, escorria venenosamente da boca daqueles que gostavam de detratá-lo. Mentira ou verdade, esse gosto particular nunca chegou a pesar nas costas daquele homem com topete vistoso, a la Elvis. Além do que, como todo bom mineiro, o amor pela pinguinha, que tem em Minas forte tradição e os melhores e mais qualificados produtores, é mais um sentimento cultural do que exatamente um pecado mortal. Para quem não lembra, Itamar, em reconhecimento radical à popular bebida, instituiu o 21 de maio como Dia Nacional da Cachaça. Minha pobre e castigada memória não alcança notícias sobre qualquer escândalo envolvendo o topetudo que tenha sido provocado pelos eflúvios da “marvada”. Até porque é prática dos nascidos nas Minas Gerais fazer tudo caladinho, como muita discrição, ou como prefere nosso rico léxico, mineiramente. Mais uma prova, respeitosamente falando, de como Itamar era um representante legítimo de sua gente.

A única lembrança de algo próximo a um escândalo e outros dos parcos registros do passado que me levam a Itamar Franco. Esse foi rumoroso e fez a fama, vejam só, de uma colega minha de faculdade. Antes de ser achincalhada pelo Brasil inteiro, Lilian Ramos foi estudante de comunicação, daquelas mais apetitosas e provocadoras de fantasias sexuais entre os meus amigos de classe. Era espevitada a moça, alegrinha mesmo, mas não me recordo de tê-la vista sem calcinha em uma aula teórica qualquer de jornalismo. Despojada que só e ao lado de um festivo Itamar, foi assim que ela foi flagrada super animada no carnaval de 1994. Ora, ora, machismo de lado, a danada só podia estar com más intenções ao postar-se daquele jeito desenvoltinho, bem colada ao presidente da república. O marketing pessoal funcionou na época. Durante alguns dias a moça, definida pela jornalista Thaisa Galvão como “modelo de segunda categoria, atriz de terceira e oportunista de primeira”, foi caçada pelos flashes e imprensa afoita. Durante alguns dias, Itamar, até então mineirinho a toda prova, teve que viver a vergonha da quebra de padrão de comportamento. De qualquer forma, foi uma página deliciosa e francamente humana de nossa história no capítulo dedicado à malícia.

Por último, Itamar provocou em mim e em milhares de brasileiros que tem no carro um irresistível ícone o fim momentâneo de uma dolorosa saudade. Em 1993, uma época em que já havia sido decretada a morte do fusca, o fusqueta, o fusquinha, o presidente provocou a fabricação do último modelo fabricado no Brasil do veículo mais popular e simpático que tivemos. Prateado e garboso, 13 mil besourinhos reluzentes, apelidados carinhosamente de “Fusca Itamar”, voltaram a circular em ruas e avenidas. Era outra paixão nacional que o presidente homenageava e uma resposta nacionalista a invasão de carros importados, liberada pelo seu defenestrado antecessor, o extravagante Collor de Mello. Por uns instantes, em meio a um Brasil economicamente instável, tivemos a sensação da volta de tempos felizes, nostálgicos, nos quais o fusquinha era um dos símbolos mais exatos. Itamar deve estar andando de fusquinha agora onde estiver, talvez ao lado de uma bela e fogosa morena. Que ele fique sempre assim, mineiramente, bem feliz na memória de todos nós.

Bendita herança

2011-06-29T18:44:00.006-03:00

Todos somos frutos de heranças, quer sejam culturais, genéticas, filosóficas e políticas. Somos o que somos porque antes de nós houve já quem moldasse o mundo à imagem e semelhança do homem. Sorvemos assim as características de nossas famílias e as influências que, de Platão a Bill Gates, mudaram com o jeito da gente se relacionar com o planeta e com o próximo. Na música, há quem tente negar essa inexorável verdade. Filhos de artistas famosos fogem ou subestimam o sobrenome com medo da inevitável comparação ou do menosprezo, por parte da crítica, da personalidade em detrimento daquela de quem os pariu. Outros entregam-se ao que é óbvio e exploram, da maneira mais saudável possível, o DNA que corre em suas veias. É o caso de Anelis Assumpção, ou Anelis, como preferiu ser chamada artisticamente a bela negra, que lança o bom Sou Suspeita, Estou Sujeita, Não Sou Santa(2011). A filha do iconoclasta, ou seria íconeclasta?, Itamar Assumpção, estréia em disco com um trabalho plural e vigoroso que reforça o bom gosto e a grandeza dessa artista que, tudo indica, veio para ficar.

Anelis canta “Passando a Vez”:

O nome de Itamar Assumpção(1949-2003) é recorrente aqui neste blog. Sou fã declarado e rendido do cara. O genial paulista mexeu e estremeceu com as estruturas da comportada MPB nas décadas de 80 e 90 do século passado, criando um repertório único, de assinatura própria, no qual o batuque, a dissonância e estruturas melódicas surpreendentes marcaram o circuito undergound naquele período e fizeram história. Anelis debuta expondo e assumindo de forma cristalina sua herança bendita. Disse em entrevista que está, assim, pagando uma dívida. E que bela dívida! E essa é emocional e concreta. Sou Suspeita, Estou Sujeita, Não Sou Santa só existe fisicamente com a ajuda dói dinheiro arrecadado com a venda da Caixa Preta(2010), box com a reunião de todos os CDS do Negro Dito, incluindo dois inéditos que Anelis ajudou a dar forma. Comprei essa caixa em São Paulo e acabei dessa maneira, orgulhosamente, colaborando também com o lançamento da estréia dessa afinada cantora e compositora.

A herança sanguínea , os genes são assumidos na dedicatória do álbum – “pela ancestralidade que me fez continuar”, assume no encarte – e, de cara, na forte primeira música. “Mulher Segundo meu Pai” é batizado pelo próprio Itamar, em resgate vocal, que faz dueto psicografado pela filha. O beatbox característico do revolucionário músico, o som do baixo repetitivo e marcante traz de volta, com beleza e energia, a sonoridade do seu autor. Bela homenagem de Anelis, que demonstra nas entrelinhas, que aprendeu, com reverência, a lição de Itamar. É uma das grandes canções do disco que, em análise mais detalhada, não se reduz felizmente a essa generosa sombra. Anelis tem personalidade suficiente para dizer: olha, existem ecos de meu pai em mim, mas tenho cá minhas próprias idéias. Afinal, a paulistana já está na lida há muito tempo, tendo já participado como backing vocal em vários discos de gente graúda da MPB, sem falar é claro, como integrante da banda DonaZica e do trio Negresko Sis. Daí a grande expectativa gerada em torno dessa estréia.

Escute “Mulher segundo meu Pai”:

A maioria das músicas de Sou Suspeita, Sou Sujeita, Não Sou Santa são assinadas por Anelis. E para desenvolver sua poética e sonoridade, a artista contou com um arsenal de peso de amigos aquinhoados durante sua evolução musical. A ficha técnica lista gente talentosa como Céu, Thalma de Freitas(parceiras no Negresko Sis), a revelação Karina Buhr e mais Curumim, Lurdez da Luz, Alzira E., Flavia Maia e o ator Gero Camilo. Uma constelação, enfim, que ajuda a dar ainda mais consistência a essa álbum que peca apenas pelo excesso de canções. São 17, contando com algumas faixas-bônus presentes apenas em mídias alternativas. Nessa lista, a artista vai do samba ao reggae, passando pela bossa nova, mantendo, contudo, um refinamento nos arranjos que terminam por dar uma perceptível unidade ao disco. A sonoridade é moderna, “cool”, como diriam os norte-americanos. A elegância se faz presente no exercício instrumental, com metais e base percussiva usados com inteligência, como pode ser sentido, por exemplo, no estiloso dub “Bola com os Amigos”, outra das composições com ecos mais visíveis de Itamar.

De levada mais latina, bolerinho desregrado com letra lúdica que explora tema caro aos ecologistas de plantão, “Amor Sustentável” conquista fácil o ouvinte. “Eu quero ter uma vida biodegradável com meu amor/consumir conscientemente o gozo e a dor”, diz a letra oportunista. O samba alegre e malandro “Passando a vez” é outra forte candidata a cair no gosto popular. As características mais pop dessas duas composições, contudo, não é regra. Anelis baixa o tom, explorando sonoridades mais densas a exemplo da jazzy “Secret” e do reggae “Neverland”, com a participação de Céu, essa última uma das mais belas e perenes do CD. Karina Buhr e Flávia Maia fazem coro na bacana “Sonhando”, de autoria da primeira, pernambucana revelação de 2010 com “Eu Menti pra Você”. Afrobatuque envernizado por metais eloqüentes é música que fica na cabeça. Assim como as lindas baladas “Alta Madrugada” e “Quaresmeira”, ode à delicadeza na qual Anelis divide os vocais com Alzira E., irmã de Tetê Espíndola. Sou Suspeita, Sou Sujeita, Não Sou Santa corresponde, enfim, às expectativas criadas. Não chega a surpreender, por tudo o que a paulistana já demonstrou até agora. Um trabalho bem resolvido, redondo, que traduz a alma forte e talentosa e o espírito de Anelis. Um disco com substância, desses que nossas mãos estão sempre procurando, mesmo imperceptivelmente, para colocar no toca-cd. Deixa tocar.

Cotação: 4

Não seja santo, entre na lista dos suspeitos:

http://www.mediafire.com/?ic6ipud6a3zaod7

Tapa na orelha

2011-06-26T13:18:00.006-03:00

“Fique atento quando uma pessoa lhe oferece o caminho mais curto”. Papo reto, o aviso objetivo é dirigido para aqueles que moram nas regiões periféricas das grandes cidades e encontram nas drogas e trambiques um jeito fácil de se ganhar dinheiro, correndo todos os riscos que isso acarreta. Prisão, morte, dor, não merecendo, o pobre coitado, na maioria das vezes, nem sequer uma nota de roda pé nos jornais populares, aqueles que vivem de tragédias e violência. A máxima não vale, contudo, para a música de quem a deixou registrada em disco logo nos segundos iniciais da primeira canção. Nó na Orelha(2011) é o caminho mais curto para se chegar à arte robusta de Kleber Gomes, ex Criolo Doido, hoje só Criolo. Esse paulistano, muito conhecido nas Rinhas de MCs da capital de São Paulo, entrega ao público uma estréia solo de peso, com impacto parecido, ouso dizer, do lançamento de Enxugando Gelo (2003), incensado, merecidamente, trabalho do rapper B Negão. Os dois têm a mesma força e genialidade de quem une mensagem política e som brasileiro de qualidade com raro talento.

Assista a videografite de “Não existe amor em SP”, criado por Daniel Ganjamam:

Criolo é da estirpe dos guerreiros que usam a música como instrumento de denúncia, sem que, com isso, caiam na doutrinação ou no discurso chato. E o que é melhor com todo esmero na construção de melodias e arranjos bem acabados. Ou seja, o cara não está aí para brincadeiras e nem, justiça fosse feita, para ficar restrito às radiolas dos guetos. Seu som plural, pela proposta sincera e consistência, bem que poderia ganhar as rádios e os players da galera brasileira. O artista é, há duas décadas, parceiro e ativista do rap, gênero que tem um público cativo e fiel. Seu trabalho de estréia, com produção dos cultuados Daniel Ganjaman e Marcelo Cabral, vai, contudo, muito além. Invade com autoridade e brilho outras praias melódicas, sempre com os pés fincados na black music. Sonoridades d’Angola, de Fela Kuti, samba, batuque, suingue com influência e alma negras. Navio negreiro que carrega também as mazelas que vitima principalmente aqueles cuja cor provoca preconceito e tratamento diferenciado por uma parcela medieval e burra da sociedade.

E é assim, com música de pegada irresistível e discurso afiado, que Criolo conquista o surpreso ouvinte que, como eu, não conhecia a poesia do sujeito homem. Em “Bogotá”, um afrobeat dançante de metaleira e percussão espertas, ele se inspira no movimentado universo dos muambeiros. “Vamos embora para Bogotá, muambar, muambê”, sugere a letra, com direito, na sequência da frase, a citação, com liberdade fonética, de Manuel Bandeira, “Vai ser melhor do que Pasargada, agradar até o rei”. A marcada “Subirodoistiozin” é outra canção meio jazzy, com letra cheia de gírias e expressões típicas de comunidades mais pobres, que critica a crueldade de um sistema no qual os viciados endinheirados são uma explícita ameaça: “Que contradição, quem tem tudo de bom é quem fornece o mal para a favela morrer”, diz a letra ácida. Existe quase sempre muita acidez no que escreve o cara, até mesmo naquelas composições com espírito mais light e romântico, como na linda “Não Existe Amor em SP”. Essa, uma ode à São Paulo urbanóide, dos “labirintos místicos, onde os grafites gritam”, mas que também tem suas armadilhas: “Postal tão doce, cuidado com o doce, São Paulo é um buquê”.

E a viagem musical de Criolo, depois de visitar o trip hop de “Não Existe Amor em SP”, passa por muitas encruzilhadas. Alcança o batuque africano na fantástica e discursiva “Mariô”, com refrão em ioruba e muitas referências na letra a ídolos como Chico Buarque e Fela Kuti. Repassa o dever de casa em dois rap inteligentes, “Grajauex”, poema concreto que brinca com as rimas possíveis com a sílaba “ex”: “os irmãos que tão com fome, desce três marmitex, sabão de coco não é bombom com protex(...)zona sul é um universo, e os vagabundos é belezex”, e na seca “Sucrilho”, cheia de ranço político e afirmação de identidade: “Calçada pra favela, avenida pra carro/ Céu pra avião e pro morro descaso”. Sem se prender a gêneros, Criolo vai ainda de samba na bacanéssima “Linha de Frente”, só no miudinho para despedaçar corações. Sambinha leve e cheio de graça que une percussão e metais de forma deliciosa. E desafia limites, beirando o brega na lúdica e abolerada “Freguês da Meia Noite”, a história de um homem apaixonado por uma confeiteira que sempre lhe oferece doces “furta cor de prazer”.

Ouça "Sucrilhos":

Criolo é um dos belos e grandes achados de 2011. De uma maturidade típica de quem tem um lastro musical de peso, o paulistano oferece um cardápio musical irresistível e bem temperado. Mesmo sem ter uma voz que marque, o artista compensa essa lacuna com canções de raro apelo emocional e bela engenharia instrumental. Nó na Orelha é nosso Brasil periférico com tintas universais, desenhado por um músico antenado com suas raízes e sensível com nossa mais crua realidade. Traz a herança de um povo que acorda para a cidadania. Tapa na orelha, nó na garganta. Esse cabra Criolo tem o que dizer e sabe como dizer. “Cada um sabe o preço e do papel que tem, de onde vem”, canta em “Bogotá”. Seu debut é obra incisiva, que já nasce clássica em sua diversidade sem fronteiras, sem preconceito. Desde já, ainda impressionado com o que ouvi, acredito que esse é um dos melhores discos nacionais do ano. Recomendo.

Cotação: 5

Se ligue no samba do Criolo doido:

http://hotfile.com/dl/115890191/5fb3ca1/Criolo_No_Na_Orelha.rar.html

Contra o mau humor

2011-06-21T09:48:00.007-03:00

Existe um preconceito em meio à crítica musical que muitas vezes empana a razão e entorta o coração. Dessas bobagens típicas de resenhistas casmurros que sobrevivem mal aos seus preciosismos e ao vazio de indulgência. Gente que cobra em demasia e ensaia textos ácidos para não se enquadrar no gosto comum, principalmente quando se trata de músicos que fazem sucesso. Observei isso com relação ao recente álbum do Strokes, o bacana e corajoso Angles. Do novo percebi esse ranço em resenhas venenosas e injustas sobre o último trabalho de um outro grupo que já alcançou o estrelato, o Arctic Monkeys. Muitos tentaram implodir Suck it and See(2011) por aquilo que ele tem de mais curtível, a pegada pop e quase juvenil, característica aliás que, me desculpem os incisivos e impiedosos críticos de plantão, é um dos combustíveis que tornaram o bom rock and roll um gênero tão carregado de honestidade. E é essa imperativa impulsividade que faz desse obra vilipendiada dos ingleses uma das mais interessantes que já ouvi nesse generoso ano de 2011.

Assista vídeo de "Brick by Brick":

O Arctic Monkeys voltou com aquela alegria desregrada presente nos seus dois primeiros álbuns, o efervescente Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not(2006) que encarei, nas primeiras audições, com alguma desconfiança, e, para mim, a obra-prima, até agora, Favourite Worst Nightmare(2007). Com Humbug(2009), o grupo capitaneado por Alex Turner tentou um amadurecimento tipo microondas, rápido e forçado, perdendo aquela espontaneidade que havia arrebatado tantos fãs. Suck it and See parece ser uma tentativa de voltar às pazes com seu fiel público. E se essa era a intenção, os caras estão cumprindo com honras a missão. Orientados pelo produtor James Ford, o mesmo de Favourite..., Turner(vocal), Jamie Cook (guitarra), Nick O'Malley (baixo) e Matt Helders (bateria) escolheram um playlist de fácil assimilação, com muitas favas contadas, achados pops que irão movimentar pistas e girar indefinidamente nos tocadores de música da molecada e também, porque não, daqueles mais velhos que gostam da eletricidade do rock despojado. Um deles é a garageira e uma das melhores do trabalho, “Brick by Brick” com seu riff pesado de guitarra e o coro grave, que resgata o espírito festivo do Kinks.

Na mesma sintonia de “Brick by Brick”, primeira música de trabalho do CD, o repertório traz pérolas da mesma linhagem abrasiva impressa nos melhores álbuns do grupo, a exemplo de “Don’t Sit Down ‘Cause I’ve Moved Your Chair”, com a guitarra rascante de Cook em perfeita harmonia com o baixo de O’Malley. “All My Own Stunts” repete os riffs de cordas que tanto marcou a carreira dos britânicos. Elíptica, essa canção prende o ouvinte com sua boa melodia sinuosa e o vocal esperto de Alex Turner. Mas, a galera faria ainda melhor na provocante “Library Pictures”, que conta com as alucinadas viagens de Helders e a tresloucada guitarra de Jamie Cook numa festa, ora espertamente compassada ora pura pauleira, para nossos agradecidos ouvidos. Rockão de primeira perpetrado em poucos mais de dois minutos que já valeriam o disco. Sem dúvida, um dos melhores petardos do ano e revelador ainda de um Arctic Monkeys palpável, íntegro, cheio de boas idéias e inspiração.

Ouça “Library Pictures”:

Mesmo quando não solta os diabos, o grupo é capaz de cometer composições precisas. Prova inconteste disso é a saborosa música de abertura, “She’s Thunderstorms”, com sua guitarra hipnótica e melodia pra lá de marcantes, carregada de uma nostalgia romântica que remete aos grudentos clássicos do rock dos anos 50 do século passado. Envolventes também são as boas “Black Treacle” e “The Hellcat Spangled Shalalala”, baladas de uma simplicidade e ternura que chega a ser tocante. Com Suck it and See, o Arctic Monkeys foi taxado, por muitos, de burocrático por fazer um rock sem grandes pretensões e que casa com aquilo que os fãs de carteirinha esperavam da banda. Nunca esperei nenhuma grande ousadia desses rapazes, até porque para eles música parece ser unicamente sinônimo de diversão. E se ser burocrático é fazer, inteligentemente, como acredito nesse caso, música para a massa, então viva esses operários que nos dão prazer. Pelo seu descompromisso com a crítica chata e tacanha, esse álbum já é um dos meus preferidos de 2011. Dá-lhe Arctic Monkeys.

Abrindo aspas. Só a guisa de curiosidade, para o conhecimento de meus caros e reduzidíssimos leitores que ainda não sabem do fato: Suck it and See, com sua capa simplória e minimalista, mas título declaradamente imoral, algo numa tradução livre como “Chupe-o e veja”, foi, por isso mesmo, retirado absurdamente das prateleiras das lojas de disco norte-americanas. Fico pensando se os filmes blockbusters tão sortidos de palavrões produzidos naquele país fossem, por isso mesmo, proibidos de passar nas telas de cinema ou de TV de seu próprio território ou nações alheias, como estaria a milionária indústria holywoodiana... Para esse falso moralismo só poderia dedicar duas palavrinhas roubadas do vocabulário popular dos nossos irmãos gringos acima da linha do equador: fuck you. Ou em bom português mesmo: foda-se. Fechando aspas.

Cotação: 5

Antene-se:

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Cão sem dono

2011-06-08T18:56:00.008-03:00

Para ler ouvindo "Freguês da Meia Noite", de Criolo:

O aguaceiro veio sem piedade. Nas primeiras noites de chuvas torrenciais, o rio que passa do lado da casa onde morava começou a mostrar as garras, vindo lenta e insidiosamente em direção a madeira do batente. Aquilo não me incomodou muito nos dias anteriores a tragédia, porque minha memória de cachorro já registrara situações parecidas em outros tempos raivosos como aquele. E parecia também não tirar do sério meus amigos pulguentos da vizinhança e nem, ainda, assustar muito aqueles pobres diabos que cuidavam de nós. Nunca entendi porque meu dono insistia em morar numa casa de madeira a beira de um rio que sempre alagava com chuvaradas que pareciam sem fim. Não sei que tipo de carinho esses humanos tem por suas construções mal-ajambradas e fedorentas, cortiços que sempre tremiam diante de invernos encarniçados. Eu tentava relevar essa franca desgraça, afinal em troca de um pedaço de osso e um pouco de resto de arroz, não arredava por nada desse mundo o pé do alpendre cheio de goteiras que me protegia custosamente dos pingos d’água. Minha pouca, mas aguerrida dignidade, se apegava aquele conforto mesquinho. Não podia negar a raça, vira-lata que era.

Assista a vídeo com o vira-lata na enchente:

Não imaginava que esse ano seria diferente. Muito diferente. Nos outros invernos assistia, quase sempre sonolentamente, o burburinho dos humanos que se inquietavam diante de tamanha enxurrada. Discussões afiadas, a fêmea deles esbravejando na sala, com espuma na boca, como se fosse uma cachorra louca, apontando para o céu, riscando o ar nervosamente com seu dedo em riste. E o macho dela, meu outro dono, normalmente com olhos mareados, injetados de uma cor vermelho sangue, talvez por causa daquele líquido brilhante dentro de um vidro ainda mais brilhante que pendia invariavelmente de sua mão até rolar pelo chão, não ligava muito para o que a fêmea dizia. Mas, depois calavam e a chuva diminuía seu violento ataque fazendo adormecer todas as casas que nos rodeavam. E o chuvisco, como música de ninar, me fazia sonhar com noites de lua cheia. O que aconteceria nesse ano acinzentado me pegou de surpresa, me deixou assim num desamparo e amargor que arrepiou todos os meus parcos pelos, me sentindo terrivelmente como um cão sem dono.

Lá pela quarta noite depois de toda aquela água que caía esmurrando as telhas de amianto das casas, percebi que a história de memórias antigas não se repetiria. No tardar da madrugada, já com a alma intranqüila e a água pelo meio das raquíticas canelas, ouvi os passos acelerados de meus donos que corriam de um lado para o outro. Lati querendo atenção e afago, talvez uma explicação qualquer. Nenhum deles se dignou a olhar para mim. A voz dos humanos confundia-se com a chuva pesada, ribombando em meus ouvidos sensíveis de vira-lata. Tentei repetidos latidos e até ensaiei alguns uivos, exercício vocais aos quais pessoalmente nunca tive muito talento, mas em vão. Assisti, preso pelo pescoço à minha velha conhecida e encardida corda de todo dia, a evolução gradativa do que se tornaria, em rápidos e desesperados minutos, o mais absoluto e cruel esquecimento.

O desfile diante de meus olhos assustados foi ligeiro e caótico, obedecendo, no meu fraco raciocínio, à ordem de importância que os humanos davam a seus objetos, primeiro saiu porta afora aquele aparelho luminoso que repetia as imagens dos humanos, depois o objeto arredondado de cores esquisitas em que eles sentavam, e o outro de aspecto purulento em que dormiam e faziam barulhos altos. E eu ali, molhado até as entranhas, esperando a minha aguardada vez de ser carregado em braços quentinhos e acolhedores. Nada. O desfile continuou. Aquilo com que eles cobriam os corpos veio na seqüência, as tábuas redondas nas quais comiam, depois, e vieram um tanto de objetos que eu desconhecia e, por fim, meus próprios donos subiram em pequenos barcos e foram desaparecendo entre vãos que antes eram ruas, sem nem olhar para trás, sem nem olhar pra mim, já então completamente enregelado. Arregimentei forças e tentei ainda um último e desesperado latido, abafado pela impiedosa chuva. Não ouvi qualquer resposta. Era só eu agora, lutando contra a morte.

A morte se aproximou de mim meio desgovernada como os pedaços de paus e plásticos que a enxurrada trazia nas águas do rio agigantado. Ainda sentia o chão nas pontas de minhas patas úmidas. Restava-me morder, roer aquela corda fétida que pesava em meu pescoço magro de vira-lata. Na primeira tentativa, a maldita não quis ceder à força de meus dentes amarelos. Era preciso tentar mais uma vez. Senti que a corda não folgava, por uns instantes pensei que ela quisesse me apertar, se amarrar mais ainda em mim, como um desmerecido castigo, como uma mão invisível que me empurrasse para baixo, para as profundezas do rio. Lati raivoso e numa terceira e mais vigorosa tentativa, percebi que os fios do cordão se partiam aos poucos, caprichosamente. Anos de exercício roendo pacientemente ossos valeram o esforço. Forcei o rompimento com uma mexida brusca de cabeça, para um lado e para o outro e mais uma vez, outra vez, até que a corda partiu e ficou boiando presa à coluna de madeira da casa. Estava salvo. Agora sem pressa, com uma balsâmica sensação de vitória. Num lento e desolado nado de cachorrinho fui até a margem mais próxima, onde encontrei aliviado a terra firme. Debaixo de uma latada, cansado da guerra, cão sem dono, descansei a cabeça no piso de cimento e sonhei com um dia de sol.

P.S.: Nos dias 2, 3, 4 e 5 de junho de 2011 uma chuva intensa e intermitente caiu sobre o estado de Roraima. A pior dos últimos trinta anos. Virou notícia em rede nacional. Em Boa vista, o nível do Rio Branco subiu mais de 10 metros, alagando ruas e casas de madeira das comunidades ribeirinhas, famílias pobres que só abandonaram seus lares depois que a água chegou na altura do joelho. Os cachorros vira-latas, às dezenas, foram abandonados pelos seus donos. Muitos deles ficaram à beira do rio, perdidos, olhando de longe suas casas alagadas. Um pequeno detalhe dramático numa novela real que tocou a todos nós em Roraima.

P.S 2.: A visão mostrada na narração em primeira pessoa aqui é exclusiva do personagem.

Depois da tempestade

2011-06-07T09:07:00.006-03:00

Entre tantos erros que cometi na vida, um deixou especialmente minha alma esgotada, na penúria, como aqueles biafras de expressão tocante na parte vergonhosa da África que morre de fome. Daqueles erros crassos, clássicos que servem para moldar todo um caminho dali pra diante. É como conviver com o vazio, num diálogo claudicante com a dor. Errar leva a uma lição que deveria ser sempre inesquecível para aquele que protagonizou o tropeço. Uma espécie de jab retificador de nossa ingenuidade. “Um homem roubado nunca se engana”, diria o filósofo Chico Science, mestre de todas as horas. Tá certo, ele. Penso nisso quando me deparo novamente com uma banda que gostei de cara ao ouvir o surpreendente álbum de estréia. Guillemots é o nome. Fizeram bonito no começo e depois vieram com um segundo disco estranhamente incorreto, esquálido, risível. Erraram feio. Mas eis que souberam aprender com o deslize e agora lançam esse que é, para mim, um dos trabalhos mais encantadores do ano.

Assista ao vídeo de “The Basket”:

Aquele primeiro disco, o surpreendente, é Through the Windowpane(2006), de robusto conteúdo e melodia cortante. Um desses para figurar, de tão poético em seu fazer, na cabeceira de gente de coração mole como eu. Um disco assim como um dia de sol em que tudo dá certo. Red(2008), o segundo, foi o exercício da decepção, venal e frágil como as promessas de um político que nem a próprio mãe acredita mais. Tiro no pé. O terceiro, o redentor, chama-se Walk the River(2011), fluido assim feito avassaladora paixão de adolescente. Febril desse jeito mesmo, enquanto criação generosa entregue ao nosso deleite. O combo multicultural que reúne um inglês, o vocalista Fyfe Dangerfield, um escocês, o baterista Greig Stewart, o brasileiro e guitarrista Lord Magrão e a baixista canadense Aristazabal Hawkes, os Guillemots, acertou a mão, produzindo doze canções inspiradas num álbum equilibrado e pronto para arrebanhar, com sua envolvente entranha, mais uma nova leva de fãs.

E o que vem das estranhas de Walk the River? Vem música madura, feita com esmero por artífices que podem ser comparados com aqueles artesãos de peças únicas, rococós, talhadas contra a vontade desses tempos ligeiros, afobados. Com paciência é possível degustar aquilo que o primeiro CD do grupo tinha de melhor, melodias bem acabadas e costuradas com arranjos super espertos. Quem ouviu a obra de estréia do Guillemots, guarda com carinho na memória a tentativa dos músicos de construir composições quase épicas, grandiosas. Essa marca registrada volta à tona em canções como “Yesterday is Dead”, com seus oito minutos orquestrais, com cordas e coros que crescem aos poucos até o final apoteótico e cheio de texturas. Repare nos últimos segundos da música, onde, do nada, entra um enigmático coro infantil. Essas camadas sonoras, postas uma sobre as outras com arte e engenho, voltam a se repetir em “Sometimes I Remember Wrong”, com uma longa e climática introdução instrumental que bem dispensaria a cantoria triste de Dangerfield.

Gosto principalmente dos momentos mais pops do disco, aqueles em que os Guillemots soam mais diretos, ainda que, mesmos nesses casos, não dispensem uma certa grandiloqüência mal disfarçada nos arranjos. Talvez pensem que nos engana com esse truque de parecerem simplezinhos. E é assim que eles, de alma lavada e lavando a nossa, arrebatam o ouvinte num dos inícios de álbum mais bacanas com que me deparei este ano. As três primeiras músicas são de uma graça e inspiração que emocionam. A voz segura e limpa de Fyfe Dangerfield leva você, na música título “Walk the River”, a mergulhar num rio de sensações prazeirosas. Grande composição levada com paixão e zelo pelo vocalista. Mas, o melhor viria a seguir com a ótima “Vermillion”, uma das minhas preferidas, que começa acústica, emotiva e segue arredondando sua beleza com a entrada, aos poucos, de mais instrumentos até cair num solo vertiginoso de guitarra. Dez de luxo. Assim como a mais roqueira “Ice Room”, daquelas de rachar assoalhos com suas cordas nervosas e corinho que lembra um bom U2.

Ouça a excepcional “Dancing in the Devil’s Shoes”:

Eles são pop e acessíveis também em outras pequenas pérolas, como a deliciosa balada “I Don’t Feel Amazing Now” e a que já nasce clássica “I Must be a lover”, com um dos melhores refrões, entre os muitos criados com inspiração para este álbum. Esta última canção, pode até ser heresia minha, admito, assim como “Slow Train”, remetem ao rock bem produzido e popular cometido por um cara cheio de atitude, autor de pelo menos dois álbuns marcantes dos anos 90 do século passado, o britânico George Michael. Quem tem medo dele? E para terminar essa resenha tão cheia de adjetivos e elogios descarados, que me perdoem os que a lêem agora, chamo atenção para uma canção lenta, a atmosférica “Dancing in the Devil’s Shoes”, de rara beleza e na qual me deixo sempre navegar. Ainda quero compreender esse sentimento e esse fogo que ela acende em mim. O tempo há de abrir, espero, clareiras para esse entendimento. Talvez você até desconfie de mim nesse momento atravessado, afinal esse gostar disparatado tende a empanar a razão, que sempre se mete à cartesiana. Mas, do alto desse meu coração aberto em demasia, arrisco a dizer, e sem medo de errar, que “Walk the River” é obra pra ficar, um grande álbum da mais completa redenção dos Guillemots.

Cotação: 5

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Mulher Alfa

2011-05-23T22:30:00.006-03:00

As mulheres são seres sobrenaturais, provavelmente o que de melhor temos circulando hoje na face da terra, ao lado do último disco do Arctic Monkeys e de Árvore da Vida, filme redentor do sempre surpreendente Terrence Malick. Nós homens, tão crucrinhos, temos perdido a noção da evolução. O início de tudo, aquele macaco darwiniano que descambou no pitercantropus erectus, deu uma arrancada, mas foi perdendo força com o andar estertorante dos séculos graças a uma certa pretensão dominadora. Meio que estagnamos numa espécie de lama narcísica. Já a mulher, bem mais inteligente, foi comendo pelas beiradas, crescendo com os erros dos machos, apegada na doce sustentabilidade do gênero erroneamente visto como “sexo frágil”. Tá passando da hora das mulheres dominarem o mundo com sua fortaleza e malícia. E não vejam aqui nenhuma defesa implícita à nossa executiva Dilma, ainda que ela seja uma mostra da competência delas de ganharem espaço. Falo de todas aquelas que jogam luzes sobre sua potencia e talento. Falo especificamente daquelas que mostram soberanas suas armas, como é o caso da intrépida Adriana Calcanhoto e seu mais recente trabalho, o álbum O Micróbio do Samba(2011).

Assista ensaio de “Eu Vivo a Sorrir”:

Adriana é o típico exemplo de uma mulher que amadureceu com inteligência e bom gosto. Recordo bem de quando ela me ganhou com uma interpretação plácida de “Naquela Estação”, música de melodia fácil dos craques Caetano Veloso, João Donato e Ronaldo Bastos inscrita no seu primeiro álbum, Enguiço(1990). Vi o show daquela loura oxigenada, era o que parecia na época aquela cantora branquíssima em minha visão empobrecida de um cara ainda casto, no saudoso Projeto Pixinguinha, em Brasília. Sala pequena e aquela mulher sozinha com o violão descansado sobre as pernas, divertindo o público com uma versão moleque de “Caminhoneiro”, de Roberto Carlos. Dava pra perceber que aquela gaúcha tinha algo a mais a oferecer do que interpretações lúdicas das composições de outros.

Escute a deliciosa “Mais Perfumado”:

Dela mesma, de punho próprio, viriam depois pérolas disseminadas ao longo de uma agora já longa carreira, a exemplo das bem engendradas “Esquadros”, “Aconteceu” e “Parangolé Pamplona”, para ficar em apenas três.Meio tempo em que ela angariou desafetos e um burro desprezo da crítica ranzinza que não a via mais como novidade, mas como uma cantora acomodada pelo peso e saturação das curtidas horas. Apesar dos altos e baixos, sempre guardei carinho por ela, até nos momentos menos inspirados de sua discografia. Sei lá porque, talvez por um crédito emotivo pela trilha sonora composta por ela e emprestada para instantes solares de minha vida.

Desde Maré(2008), um disco robusto e subestimado de Calcanhoto, reatei minha estima, adormecida até então, pela artista que sempre buscou, a seu jeito manso, se reinventar sem querer revolucionar. Com O Micróbio do Samba, ela continua essa procura, se concentrando nos sambinhas, gênero que sempre esteve aqui e ali em sua carreira. Dessa vez, deixa-se tomar pelo vírus do batuque sem necessariamente cair na bagaça, no frenesi do sambão sensual e hipnótico de terreiro. Faz sambinhas quase bossanovísticos, alguns carregados de uma disfarçada melancolia, caso do cadenciado “Eu Vivo a Sorrir”, a música que mais parece com a Adriana que a maioria conhece, com sua letra de marcante medula poética. “Eu vivo a sorrir pro caso de o acaso estar num bom dia/pro caso do destino me haver reservado a alegria/E o meu fado estar fadado a ser a sua sina”. Outros deles têm harmonia estranha ao gênero como a tensa “Aquele Plano para me Esquecer” e “Pode se remoer”, esta que nem samba se parece.

Mais fiel ao ritmo, sem perder a cadência do samba marcha lento, são as boas “Mais Perfumado”, dedicada a nova cantora Thaís Gulin, “Beijo Sem”, que lembra o estilo elegante e a rubrica do grande Paulinho da Viola, e a carnavalesca “Deixa, Gueixa”, com ares e espírito de bloco de Rua. Todas assinadas exclusivamente por Calcanhoto, à exceção de “Vem Ver”, em parceria com Dadi, as composições são uma homenagem personalíssima e pouco ortodoxa da artista a esse gênero musical que vive subvertendo nossa cultura, imorredouro que é e sempre trazendo novas propostas e roupagens. O samba tem que dar ainda e Adriana, simpatizante declarada já fez a sua parte. Contando aqui com o auxílio mais do que luxuoso de gente como Davi Moraes, Domenico e Rodrigo Amarante, que participam com dedicação dessa obra.

E se O Micróbio do Samba não é o melhor de Calcanhoto, que nunca será uma sambista de carteirinha, o álbum se sobrepuja nas letras, ora marcadas pela irreverência ora pela poesia com marcante conteúdo, como nesse último caso na já citada “Eu vivo a Sorrir”. E essa tem sido provavelmente a característica mais realçada do disco pela crítica de plantão. E fica mesmo difícil não ressaltar esse ponto forte diante da malícia e ironia de composições que trazem uma malandragem poética, como fizeram alguns bambas do início do século passado, tipo Assis Valente, Ataulfo Alves e Wilson Batista, entre outros, mas com um discurso inverso. Sai o machismo e entra o feminismo. A nova mulher que dá a cara a tapa, no sentido de enfrentar o mundo, é claro, aparece inteira, independente. Em “Beijo Sem”, Adriana decreta, em nome de todas elas: “Eu não sou mais quem você deixou, amor/ Vou a Lapa decotada, viro todas, beijo bem”. O homem aqui é um rendido a essa mulher que sabe o que quer, como em “Vem Ver”: “Por você tomava rumo, arrumava o que fazer/eu levantaria cedo, eu cuidava do bebê”. Vale viajar nas letras, nesse admirável mundo novo das mulheres prontinhas para conquistar a terra, como seres sobrenaturais que são. Permita-se esse passeio no disco, permita-se ser dominado por elas.

Cotação: 3

Download do micróbio:

http://www.fileserve.com/file/GSAzX4J

Aquele céu de Brasília

2011-05-18T15:51:00.006-03:00

Foi assim naquela semana. Dava umas cinco horas da tardinha e aquele amarelo estapafúrdio cobria as ruas, os arranha-céus, as árvores retorcidas, amansando o dia feroz. Os carros, alheios ao esplendor daquilo que os rodeava, zuniam medonhos ao meu lado, tão insensíveis, espalhando a fuligem que se perdia pra nunca mais no meio da grandeza do céu resoluto, absoluto. E as pessoas também corriam afobadas nem sei atrás de quê, talvez fugindo do fuzuê, procurando algum remanso, a paz esquecida entre papéis de arquivo e contas a serem pagas. Escapando da tranqueira do cotidiano tão sem eira nem beira da cidade grande e confusa. Uma e outra olhavam pra cima, poucas se viam refletidas na mornidão acolhedora das horas moribundas do dia. Eu, estrangeiro, reverenciava mudo e abestalhado aquela santa tarde. O amarelo e o azul conectados como unha e carne, tão casados, desafiando a desembestada marcha dos trabalhadores no asfalto cru. Senti os dois atrevidos na pele, nos poros, aliviando meu cansaço, dançando alegremente em mim.

Estava em Brasília. Às 17. O céu da capital ao entardecer, seu pôr de sol vivificante chacoalhando imperioso com os meus sentidos. Tanto já falaram desse céu brasiliense que se movimenta impávido sobre nossas cabeças, como uma mágica que se repete generosa diante de nossos enfadados olhos. Os anos que vivi lá entre os prédios tímidos do Plano Piloto e as raquíticas árvores do cerrado, tão emprenhado de afazeres, deixaram-me a memória avermelhada e incandescente dos fins das tardes. Ruinzinho de memória que sou, essas, agradeço aos deuses das justas medidas, eu não as perdi, guardadas em um canto encouraçado do meu esgarçado cérebro. O reencontro nesse mês de maio com o céu às 17 da cidade revestiu-se do sagrado. Lembro bem em meu primeiro dia dessa volta, tão castigado pelo vôo insano de Boa Vista pra Brasília madrugada adentro até o romper das primeiras horas, crucificado depois pelo mecanismo cruel dos bancos e suas odiosas filas, ainda assim, tive a benção de uma tarde tão cheia de amarelo e azul que a minha alma descansou na paisagem, untada por aquele pacífico pôr do sol.

Naquele pôr do sol teve o diálogo silencioso do homem louco com o céu, descendo com sua particular elegância e roupas em farrapos o gramado do eixo monumental em direção ao nada. Olhando pra cima, apontando inexistentes nuvens, conversando com seu deus desgovernado. Talvez aquele homem, pensei, visse melhor o céu do que nós, pobres sãos.

Naquela hora, às 17 em Brasília, me dava então uma louca vontade de sair por aí fotografando tudo. Com meu celular se fazendo de câmera. Na Esplanada dos Ministérios, com seus executivos emaranhados nas cordas do futuro, a lente da máquina espelha os vidros tingidos de laranja, como um delicado papel de parede quadriculado, colado naquele azul de cor uniforme e sem nuvens. O concreto pintado de branco dos monumentos arredondados de Niemeyer se oferecia despudorado para os raios insidiosos que pareciam moldar nas construções modernas novas formas e insuspeitados ângulos. A rodoviária apinhada de gente banhada docemente pelo sol ganhava também novos contornos, enriquecida pela fusão do amarelo intenso com as roupas coloridas dos transeuntes. E se você pára pra reparar o que pode aquele céu arrisca até ser surpreendido por instantâneos de beleza. Como a visão da torre de televisão, ilhada pelo gramado, pelo sol e azul, com aquele risco branco, diáfano, deixado pelo jato que come milhas com a voracidade dos amantes matando saudade. Uma reta branca cortando o céu e sublinhando a armação triangular de metal que fura o céu azul. Parêntese na paisagem. É assim o céu de Brasília nessas tardes de maio, um convite irrecusável para nele se perder. Nele me perdi e me achei por alguns minutos. Abençoado, céu.

Outras palavras

2011-05-08T18:23:00.010-03:00

Filhos de Itamar Assumpção e da poesia uni-vos para salvaguardar a beleza e ousadia da música brasileira. Esse desejo vive em ebulição em mim. Explico, saudosista: houve um tempo na década passada em que experimentar, reinventar a MPB era uma prática saudável e radicalmente instigante. De cabeças inconformadas surgiram provocações tão intensas e incompreendidas quanto os desvarios poéticos do negro Dito Itamar, o atonalismo canibal de Arrigo “Clara Crocodilo” Barnabé ou o caudaloso canto falado do Grupo Rumo. Os filhos dessa geração de 80, mesmo que mais comedidos, tentam hoje colocar suas garras pra fora. Aqui e ali, onde os cérebros foram irrigados pela inquietação. Privilegiados filhos, como Téo Ruiz e Estrela Ruiz Leminski, que beberam de rica fonte para fazer de sua arte um hiato em meio à indigência e trambicagem que marcam hoje nossa produção musical mais comercial. São Sons(2011) chega assim coberto de angústia criativa, honestidade e solta verbalidade. São sons e palavras a serviço de uma curtida sensibilidade.

Veja o vídeo da música "Ímpar ou Ímpar", do disco anterior da dupla:

Téo e Estrela não são parentes. Têm, coincidentemente, o mesmo Ruiz no sobrenome. São namorados de amiúde convivência, de levar a vida a dois colados no cotidiano das horas inteiras. Parceiros no trabalho e no amor, os dois têm berço e influências musicais invejáveis. Estrela, por exemplo, é, além de cantora, escritora e filha dos poetas consagrados Alice Ruiz, que tem participação no disco, e Paulo Leminski. Não é pouco. Téo é músico de carteirinha, desses talentosos que só conseguem viver à sombra das melodias. Arte aqui é oxigênio. O passado deu a ambos uma educação musical refinada. E, mais do que isso, entregaram-se ao micróbio da invenção. Em São Sons, o segundo e melhor distribuído álbum do projeto Música de Ruiz, é possível vislumbrar aquela busca pelo novo, presente nos grupos e artistas citados no primeiro parágrafo. Sem esconder uma certa angústia em acertar o alvo, o casal, com voz infelizmente pouco marcante, passeia por diversos gêneros musicais, procurando talvez encontrar a sua praia. Não encontram uma para ancorar o barco, mas mostram um inconformismo que enche o ouvinte da esperança de renovação.

Ouça "Chose":

Senão vejamos, o baião nervoso “Quirera”, com seu discurso raivoso sobre a indústria musical do jabá, aquela que paga os meios de comunicação para fazer “decolar” seus maquiados produtos, lembra o genial paulistano Itamar Assumpção, que marcou sua carreira pela verborragia e estrutura melódica singular. Percussão e sanfonas dão um falso ar nordestino a essa deliciosa música feita pelos curitibanos. “São Sons” tem musicalidade incômoda, com todos seus contrapontos e atonalidade. Os meninos usam bem sua metralhadora giratória e incansável. O jovem casal brinca com o samba em “Chapéu de Sobra”, entortando o ritmo, enriquecendo-o ainda com um trombone louco e experimental e com a fantástica voz de Ná Ozzetti, que integrou o grupo Rumo. Téo e Estrela vão de rock acelerado na muito boa “Chose”, que mistura violão, sanfona e guitarra pesada de forma magistral. Meu amigo de trabalho, Odeli Sampaio, que tem um super ouvido e é produtor de áudio, disse que a música foi mal mixada. Independentemente dos pecados técnicos, é uma composição impactante. Tem também melodia com jeitão de tango, envolvido pelo brega e pela brejeirice, na voz única de Kleber Albuquerque, na ótima “Verossímil”.

Tantos sonoridades diferentes são sons que os Ruiz oferecem como se quisessem expurgar as múltiplas influências. Como se tentassem decupar, ainda que de forma desordenada, toda aquela invenção musical que viveram em sua formação e que fez a cabeça dos dois. Só para contextualizar essa conexão criativa e mais experimental: Arrigo Barnabé é paranaense e sua música moderna tem raiz em Londrina. Itamar Assumpção foi parceiro de Alice Ruiz em composições maravilhosas. Ou seja, todos encontraram-se de alguma forma numa rica intersecção cultural. No caso de Téo e Estrela, é bom que se diga, contudo: não há intenção explícita de se fazer experimentalismo. O disco cede também espaço para canções com estruturas harmônicas simples, que podem tocar facilmente em rádios com programação dedicada à MPB, a exemplo das lentas e bonitas “Estilhaço” e “Reivento”. E se eles não provocam nenhuma revolução ou arroubos formais, mostram-se generosos na invenção das letras, destoando da pobreza poética das novas estrelas da música, tipo os jabazeiros Luan Santana, Cláudia Leite e outras bobagens congêneres que assolam as rádios e tevês brasileiras.

Se a juventude topasse ouvir canções bem estruturadas poeticamente como, só como exemplos rápidos, o rock “Chose” ou o lindo samba cadenciado “Parece”, sentiria que a palavra é um instrumento precioso para se fazer pensar e encantar. Na primeira música, Téo filosofa com propriedade e alguma raiva: “Se cada passo tem um tropeço, meu passado pelo avesso/Cada tempo seu invento, cada passo o seu intento/Eu faço desse passo o meu próprio alimento”. Na segunda, a letra com ecos políticos, ensina como criar rimas bacanas sem dificultar a leitura para os de vocabulário diminuto: “Parece muito fácil mudar a mente alheia, fazer reforma agrária, uivar para a lua cheia/ Parece fácil a beça distribuir a renda, curtir a natureza, mas a guerra tem pressa/Se é fácil, me diz, mudar para outro país, ver teu show sem pedir bis, entender o que fiz”. As letras são o que de melhor traz o disco, que têm sim melodias bem sacadas como “Ávida” e a já comentada “Chapéu de Sobra”, só para citar as que vieram mais ligeiro à minha memória. Mesmo que irregular, São Sons é um álbum que enxágua nossa alma, porque é irrequieto e tem conteúdo. Um trabalho que chama atenção pela energia criativa e as melhores intenções. Vale à pena acompanhar a trajetória promissora de Estrela e Téo. Acredito, cheio de fé: deve vir mais um punhado de boas composições por aí.

Cotação: 3

Tente baixar o disco por aqui, no controlCcontrolV:

http://www.mediafire.com/?krvsetk4x1t9ndy

A foto do morto

2011-05-05T20:02:00.005-03:00

O homem morto, ilhado por estilhaços e o sangue tingindo infame a parede, a cama, o lençol branco, testemunhas passivas de uma cinematográfica ação militar. Talvez isso. Talvez nada. Antes havia um fantasma de um homem vivo. Hoje paira o fantasma do homem morto maior do que era antes, fazendo sombra sobre nós. E surge imperioso o fantasma da dúvida se esse homem, com sua barba longa e passado entrincheirado, repousa mesmo debaixo de alguma terra em algum lugar desse mundo. Todos querem ver a foto do homem morto num mórbido e inquietante desejo de enterrar finalmente um capítulo sombrio da história da humanidade. Essa vontade coletiva, raivosa e tão loucamente humana de ver o terror selado dentro de um caixão imaginário, construído por milhões de pessoas que tremeram incrédulas diante de aviões suicidas jogados contra arranha-céus naquele fatídico dia em que o mundo também ruiu um pouco.

O homem sem o registro da morte estampado nas TVs, foi noticiado, teria sido jogado ao mar, desaparecido de vez de nossas vistas. Uma cerimônia fúnebre também sem registro, sem olhares curiosos. Sem choro nem vela à luz de holofotes. Insatisfação geral. Num planeta rendido à força intransigente das imagens, não bastava o anúncio verbalizado do assassinato por um presidente negro e poderoso, era necessária a visão ensangüentada da vítima perseguida por longos nove anos. Porque o mesmo mundo das imagens é o mundo do simulacro. A foto, o filme passou a ser cobrado aos brados, a parte perdida de um quebra-cabeças. A fotografia reclusa virou personagem, a estrela do noticiário depois da morte. Talvez guardada a sete chaves em um cofre. Talvez apenas arquivada na cabeça do estrategista que montou uma possível trama de grosso calibre. Estranha ironia. O homem barbudo e de turbante, até então coberto pela poeira do tempo, redivivo pela morte.

A morte sem foto e sem vela agora é também fantasma. Mais um fantasma do homem morto que assombrava os sonhos dos homens de bem. É o terror anguloso, cheio de surpresas, pregando, podem pensar alguns, uma piada de mau gosto em todos os que queriam cuspir em sua cara. Quem quer ver o rosto do homem morto? Prefiro pensá-lo longe de nosso mundo sofrido pelas guerras e atitudes insanas. Não quero ver a foto do homem morto e nem saber da notícia dela. Não quero me apegar a um papel com um rosto hirto estampado nele, uma face pálida endurecida pelo pó e enegrecida pelo sangue coagulado. Só quero um planeta melhor, sem violência e pânico, sem o preconceito que embrutece a alma, sem o terror que provoca choro em nome de ideais, quaisquer que sejam esses ideais. Sem nacionalismos extremados que produzem festas em cima de corpos sem vida no chão. Quero que a foto do homem morto permaneça enterrada junto com toda a tenebrosa história que se esconde por trás dela. Meu álbum de fotografias só admite fotos cheias de esperança de vida, de cliques de amizade ou de alguém que, mesmo que tenha partido definitivamente, só me faça lembrar a vida. Inteira e intensa como ela deve ser.

Barroco renovado

2011-04-27T19:59:00.004-03:00

Foi incondicional como paixão que chega destemperada, deixando luminoso rastilho de fogo. Assim mesmo. Me tornei fã de imediato, presa do encantamento, quando ouvi o disco de estréia do Fleet Foxes, em 2008. Uma apresentação de gala desses músicos de Seattle, Estados Unidos. Um trabalho que parecia ter rompido a barreira do tempo, trazendo ecos de um mundo esquecido, de cores medievais, e sem cheirar, o que era melhor, a mofo ou ervas seculares. Mas, embriagante e mágico do mesmo jeito. Folk com referências de música barroca, apreendido sabe-se lá como por uma turma que ousava em investir no passado em meio a um planeta tão mergulhado na internet, redes sociais e cada vez mais entregue às batidas eletrônicas. Um som na contramão. Ainda assim, ganharam aplausos da crítica especializada, que listou o CD como um dos grandes lançamentos do ano. Voltam agora com Helplessness Blues(2011), obra de fôlego que não deixa nada a dever ao elogiado debut.

Assista ao vídeo de “Grown Ocean”:

São seis, os caras. Em comum, além desse gosto voluntário e desconcertante por uma musicalidade fora de moda, Robin Pecknold, Casey Wescott, J. Tilman, Skyler Skjelset, Morgan Henderson e Cristian Wargo gostam de melodias sinuosas, amparadas por uma instrumentação complexa, rica em detalhes, e vocalizações abundantes. São assim um tanto barrocos mesmo. Meninos malinos e incendiários. O folk do grupo ressurge com características semelhantes às já apresentadas no primeiro álbum. Contudo, soam mais grandiosos e deliciosamente pretensiosos. Há elementos novos, mas não surpreendentes em Helplessness Blues, como uma certa sonoridade árabe presentes na saltitante “Montezuma” e na cinematográfica “Bedouin Dress”. Surgem como uma cortina de fumaça, um pequeno e singelo aperitivo para o que de melhor a banda sabe fazer. E o melhor vem a partir da quarta música, “Battery Kinzie”.

“Battery Kinzie” remonta ao disco anterior, realinha o som do Fleet Foxes ao folk intenso e diferenciado, marcado pelo tom medieval e batidas fortes da percussão. Mas, com um peso maior dos instrumentos, pandeiros, violões acústicos e piano, entre outros, que elevam a potência da bela canção. Como essa composição, parte significativa das músicas do disco revela que os norte-americanos mostram-se menos sorumbáticos, mais próximos do calor do sol e seus raios animadores. E usam também, com o mesmo prazer e talento, uma das grandes virtudes da banda, coros afinados que servem de excelente companhia para o vozeirão privilegiado de Robin Pecknold. Esse coro, em arranjos espertíssimos, impressiona na excelente “The Plains/Bitter Dance”. As vozes soam como instrumentos, têm a tessitura etérea dos sonhos e casam com perfeição com violões, pandeiros e flautas que lembram, na raiz, um pouco o movimento armorial. A sobreposição dos vocais num crescendo ressalta ainda mais o lirismo dessa grande melodia, uma das melhores de Helplessness Blues.

Escute "The Shrine/An Argument":

The “Plain/Bitter Dancer” tem o mesmo vigor criativo da épica “The Shrine/An Argument”, com seus sete minutos e andamentos diferenciados. Pecknold acompanhado apenas de um violão acústico começa a canção de forma serena e depois abre as portas para que entrem, avolumados, a penca de instrumentos com sua sonoridade medieval. E ainda sobra espaço para esquisitices no final de tudo, guinchos atonais que parecem saídos da garganta de baleias. Essas duas canções, tão complexas e cheias de infinitos detalhes, dão a dimensão exata do exercício musical rebuscado do grupo. Essa arquitetura refinada exige paciência do ouvinte, que, em alguns momentos é poupado estrategicamente da robustez e preciosidade dos arranjos. Em pelo menos dois deles, na instrumental “The Cascades” e na plácida “Blue Spotted Tail”, um folk que lembra os emblemáticos Paul Simon e Art Garfunkel em seus momentos mais poéticos, os Fleet Foxes deixam que tudo flua mansamente, com estapafúrdia singeleza.

Helplessness Blues é enfim um desses álbuuns de cabeceira. Um Fleet Foxes fiel ao plano de se entregar ao barroquismo, aproximando-o da cultura pop. É um trabalho que não traz o elemento surpresa tão evidente e bem vindo no primeiro disco, mas que seduz pelo vigor das composições e cujos artífices mantêm, impressionantemente, uma até então inesgotável inspiração. Tem um cantinho do meu cérebro que se identifica com esse hibridismo passado/modernidade exercitado por algumas bandas e que, quando bem dosado, rende música de qualidade. É uma mistura que requer, contudo, equilíbrio de quem a experimenta. Esses caras de Seattle mostraram-se centrados nessa busca. Esse último álbum é uma elegia ao bom gosto, uma prova inconteste de que esses meninos ousam na medida certa. Uma obra de peso prontinha para se instalar no coração daqueles que estão predispostos s viver novas experiências e sensações. Viva, sem contra-indicações, o Fleet Foxes.

Cotação: 5

Viaje com os caras:

http://www.multiupload.com/RS_8S4JXP36D6

ou

http://www.mediafire.com/?t5469157pzayf88#1

Bons de melodia

2011-04-22T18:11:00.006-03:00

O country é quase sempre visto como um estilo musical popular, alegre, dançante, apesar das baladas melosas dedicadas a amores frustrados e às belas mulheres que pontuam a história desse gênero genuinamente norte-americano. Mas, como tudo no mundo evolui, excluindo a cabeça do bronco e preconceituoso deputado federal Jair Bolsonaro, aquela música recebeu injeções de modernidade que impuseram a ela novos tons e texturas. Bandas como Uncle Tupelo, Wilco, The Jayhawks e Drive By Truckers tiraram-na do circuito caipirão, agregando ao som um instrumental mais clássico, ritmo mais lento e poesias mais substanciais. Ajudaram a criar um subgênero que denominaram alternative country, ou alt country, como é mais conhecido. O grupo The Mountain Goats, ouso dizer numa análise bem pessoal, parece ter bebido claramente dessa fonte. E é deles um dos bons discos estrangeiros lançados no primeiro trimestre deste ano, o melodioso All Eternals Deck(2011).

Veja participação do Mountain Goats cantando no David Letterman:

http://youtu.be/CmBKKDxWJsk

Antes de ouvir o disco encare bem a capa do danado na foto do primeiro parágrafo desta resenha. As letras brancas sobre o fundo preto. Simplesmente. Nada de novo no design, é claro, mas quem conhece um pouco a banda imagina logo que a proposta impressa ali anteciparia mais um trabalho lento, introspectivo, estilo lo fi que marcou a carreira da banda, como em Get Lonely(2006) e The Life of te World to Come(2009). O que se ouve, contudo, é um John Darnielle, o cabeça do grupo, menos soturno, mais virado para o sol. Como se toda aquela melancolia anterior, feito cobra que muda de pele, tivesse se descarnado e se mostrado com novo brilho e cor. Essa pujança está inclusive naqueles momentos em que Darnielle, autor de todas as músicas, e seus amigos revivem a angústia curtida e explorada antes de forma admirável, a exemplo da envolvente “Outer Scorpion Squadron”, com seu piano leve contrapondo-se a violinos tensos, e de “Liza Forever Minelli”, homenagem em tom menor à, ironicamente, esfuziante e midiática atriz de tantos musicais hollywoodianos.

Naquelas duas músicas citadas antes, apesar do andamento mais lento, percebe-se um peso maior na instrumentação. Um amparo pra lá de providencial. Benza deus. Se antes, os norte-americanos do Mountain Goats eram conhecidos pelo minimalismo no trato dos instrumentos, agora se vê uma banda que parece ter se entregue de vez a texturas mais cabulosas, expansivas. Violinos, teclados, juntaram-se a pianos e violões para comporem sinfonias encorpadas que, longe de afastar o ouvinte das letras darks e ácidas de Darnielle, só contribuíram, a meu ver, para reforçá-las. Um exemplo clássico é a linda “Age of Kings”, uma de minhas preferidas, que começa acústica para tomar ares épicos mais adiante com a inclusão de violinos dramáticos. Grande arranjo de cordas para uma melodia arrepiante. Bela também é “Damn These Vampires”, puro alt country valorizado por uma poesia rascante, fragmentária e raivosa. “Deus amaldiçoe esses vampiros pelo que eles fizeram comigo”, canta o líder da banda.

Ouça a bela "Age of Kings":

A boa voz de Darnielle, grave e cheia de personalidade, é instrumento para outras canções de forte apelo musical. E leia-se aqui melodias inspiradas. Até naquelas composições com arranjos mais tradicionais, que lembram, mesmo que de longe, o estilo indie-country, como “The Autopsy Garland”, marcada por uma bateria pesada, quase tribal, e a mais alegrinha, apesar do título doentio, “Beautiful Gas Mask”, animada por um violão tão cheio de energia, é possível sentir a inteireza e modernidade de canções buriladas por músicos talentosos. E que mantêm a coerência, percebida em toda a carreira, ao insistir em letras carregadas de fantasmagorias e imagens cortantes, sem concessões aos mais fracos de coração e estômago. Temos, contudo, que nos desligar do universo tão próprio e denso de Darnielle e viajar em suas construções melódicas, que encantam a alma, como a lenta “Never Quite Free” e a mais hardcore “Estate Sale Sign”, que, pode ter certeza, caro amigo, não vai fazer feio em sua descolada festinha.

E por falar em peso, a nota curiosa sobre este All Eternals Deck é que quatro das músicas do disco, segundo noticiou a imprensa, foram produzidas por Erik Rutan, guitarrista de uma banda de metal chamada Morbid Angels. Dizem até que Darnielle é fã desse rock mais enfurecido. Curiosa porque em nenhum momento percebi uma mão mais pesada na produção levando o grupo a canções mais desarvoradas ou habitadas por gritos roucos e guitarras no talo. O décimo álbum de carreira dessa galera é, ao contrário disso, um trabalho cuja intensidade está centrada unicamente, e me perdoem se estou enganado, já que não sou fã do heavy metal e seus congêneres, naquilo que The Mountain Goats sempre soube fazer com maestria: peças para embalar ouvidos maturados pela qualidade musical. E, com esse último CD, pode-se dizer sem pestanejar: os caras não perderam a mão.

Cotação: 4

Daunloude-se:

www.mediafire.com/?c3430ul0zbskywl

Tem um roberto dentro de todo brasileiro

2011-04-19T19:41:00.010-03:00

O que falar do rei Roberto Carlos que já não tenha sido dito? Mas, também, como não comentar uma data tão significativa quanto os 70 anos desse artista que espelha com tanta profundidade a alma romântica brasileira? Quando me entendi gente que gostava de música e precisava me posicionar diante de todos os gêneros musicais e seus múltiplos artistas que enriqueceram nossas mentes e aqueceram nossos corações nas últimas décadas do século passado. Quando precisei me instalar em uma tribo, atrás de juvenil identidade, logo me coloquei ao lado de gênios da MPB então em franca produção criativa. Eram fins dos 70 e início dos 80 do século passado. Fiquei do lado da intelligentsia, numa época em que gostar de Roberto Carlos era meio demodê. Me aquartelei entre as estrofes preciosistas de Chico Buarque, os rompantes tropicalistas de Caetano Veloso, os mergulhos tribais de Gilberto Gil e os sentimentos telúricos de Milton Nascimento. Roberto era vaga lembrança do passado, no máximo um símbolo do capitalismo e de um populismo viciante que arrastava milhões de brasileiros.

Ouça “Sua Estupidez”, com Ná Ozzetti:

Cego por um sectarismo típico do adolescente anti-norte-americano, cheio de ideais na cabeça, não enxergava que todas aquelas milhões de pessoas que se debulhavam em choro ouvindo “Detalhes” e cantavam a pleno pulmões “Amada Amante” estavam certas. E foram ironicamente meus velhos ídolos que me ensinaram a tornar o Rei um novo ídolo para mim. Gal Costa cantando lindamente o sucesso “Como dois e dois”, Caetano cercando-se de um coro arrepiante para construir uma versão fenomenal de “Muito Romântico”. E, no futuro, ouvindo ídolos ainda mais recentes, a certeza de que havia cometido uma imensa burrice, quando imberbe, desprezando o poder daquele cara. Ná Ozzetti intensa desfragmentando “Sua Estupidez”, Chico Science criando novo suingue para “Eles estão Surdos” e até Adriana Calcanhoto revelando uma insuspeitável leveza na canhestra “Caminhoneiro”. Roberto Carlos é sim, e não aventureiros como Romário, o “Cara”. Além do que, um homem que torce pelo intrépido Vasco da Gama tem, no mínimo, bom gosto.

Ouça “Como 2 e 2”, com Gal Costa:

O que o tempo foi me revelando, ao passar dos anos, a cada ponto que o Rei ganhava comigo é que em toda a minha vida houve a presença dele, como uma trilha sonora que continua rodando ininterruptamente até hoje. A memória obscurecida na adolescência foi clareando em minha maturidade. Lá estava eu, garoto, no cinema, ao lado de colegas ruidosos da escola Marista, vibrando com as aventuras de um Roberto Carlos indômito, a la Indiana Jones, esmurrando bandidos mal-encarados e vencendo a luta contra o mal, personificado pelo grande ator José Lewgoy. O Rei estava lá embalando suavemente, nas ondas de um radinho de pilha roufenho, os namoros de pé de muro, protegidos pela penumbra amiga, de minhas irmãs mais velhas. Estava na voz afinada de minha mãe, me ninando e amaciando o trabalho na máquina de costura no cantarolar de “Jesus Cristo”. Estava na voz da lavadeira, do peão de obra, na moça desiludida de olhos tristes, no violão do rapaz que trocava a tímida cantada pelo melodia sedutora de “Como é grande o meu amor por você” tocada, cheia de dedos, no violão. Tanta gente rendida ao seu gênio, às suas canções tão diretas e tocantes quanto pode ser um amor infinito.

Escute “Detalhes”, com Roberto Carlos:

Lembro depois, mais tarde, quando já havia absorvido sem chancelas a importância do Rei, do show dele que assisti fervorosamente ao lado de minha extasiada mãe. Lá pelos meios dos 90. Roberto estava numa entressafra criativa, que, aliás, se arrasta até hoje. Mas, isso não importava muito. Era um momento que cultivava e ansiava desde muito, como um encontro afetivo com o passado musical que negara por tanto tempo. Como uma declaração definitiva de amor a minha mãe. Nós dois ali num ginásio lotado. Na maioria por mulheres, pessoas com mais de 30 anos. Ele todo de branco. Elas todas perfumadas em seus vestidos de gala. E a orquestra de Roberto agigantando o romantismo das canções. O tremendão ainda não voltara, por um pudor besta, a cantar seus agitados rocks de jovem guarda. Naquele instante para mim, tudo o mais poderia ir pro inferno. E tudo me parecia tão mágico naquela noite que tive vontade de sair, qual louco, dançando com minha mãe nos braços. Ali fiz as pazes de vez com Roberto. Hoje, ele completa 70 anos e toda essa memória veio à tona volumosa, emocionada, me arrastando para perto do eterno Roberto. Posso quase tocá-lo agora, quem sabe roubar uma daquelas rosas vermelhas que ele arremessa para as fãs. Posso, sim. Saúdo o Rei. Longa vida ao rei.

Cotação: 10

Ouça "Todos estão Surdos", com Chico Science e Nação Zumbi:

Amor, meu grande amor

2011-04-12T19:05:00.005-03:00

Marcelo Camelo está apaixonado. E quem gosta da música do cara, ou acompanha o bestiário de fofocas que invadiu feito larva o dia a dia do brasileiro comum, sabe que a eleita é Mallu Magalhães, uma fofinha que canta músicas indie folks... fofinhas. E a moça parece ter feito muito bem ao barbudo que marcou o rock nacional dando inteiramente o sangue e a alma ao grande Los Hermanos. Mallu (Na foto em cena romântica com o amado) acendeu nele aquela chama exata, transformadora, que leva o nome de amor. Estar sendo devorado por esse fogo mágico que tudo molda gerou uma mudança na música de Camelo, afinou sua poética, afastou-o da imensa e sufocante melancolia que fez do seu álbum anterior, Sou(2008) um instransponível muro de pura e frio ensimesmamento. O amor esquentou o coração do artista que oferece ao público um álbum intimista, confessional, com uma carga de uma até então insuspeitada alegria e de instrumentação densa. Toque Dela(2011) tem o toque dela e toda uma consubstanciada paixão que ele carrega.

Ouça "Ôô":

O segundo álbum solo de Marcelo Camelo é todo esse seu momento de plenitude. Amor é um sentimento que não se basta e não se contem dentro do peito. Tomado por ele, o carioca, sensível como ele só, parece ter a necessidade de expô-lo, de compartilhá-lo. Tenta explorá-lo, decifrá-lo em canções intensas e repletas de achados poéticos. Amor é o tema comum a boa parte delas. Letras e melodias trilham caminhos de absoluta interação. Enamoradas, complementam-se harmônicas como se feitas uma para a outra. Como um casamento feliz, com o cheiro e a costura da eternidade. Inspirado, Camelo é capaz de construir espécies de hai-kais ultra-românticos, exemplo de trecho da lenta “Meu Amor é Teu”, na qual declara, como um Werther redivivo, “Meu amor é teu, mas dou-te mais uma vez”. Ou também de elaborar versos tão singelos, quanto criativos, exercitados na fantástica “Três Dias”, que já nasce clássica: “Se falta carinho, ninho/ Se tiver vontade, chama/Mas, se faltar a paz, Minas Gerais”. Ricas imagens poéticas a serviço de uma melodia pra lá de tocante.

Ouça a magnífica "Três Dias":

Muitos hão de achar que Toque Dela tem estrutura harmônica parecida. Impressão dos afobados. Diferentemente de Sou, que traz um minimalismo reforçado pela parca instrumentação e pela já comentada levada melancólica, o novo álbum impõe variações rítmicas que repetidas audições irão prazeirosamente revelar. É disco pra se degustar sorvido lentamente, como velhos e encorpados vinhos tintos. Daqueles esquecidos sabiamente em adegas seculares. Se composições como “Três Dias” e a também calminha “Tudo o que Você Quiser” remetem ao Camelo dos dias cinzentos, o restante revela um compositor que fez as pazes com a alegria e a serenidade. A sincopada “Acostumar”, por exemplo, tem uma leveza que nem a farta instrumentação usada consegue esconder. É melodia singela, frutada, uma das melhores do trabalho. “A Noite”, música de abertura, é outra que merece destaque. E aqui, Camelo já demonstra, de cara, que pretendeu vestir de gala suas ricas melodias. Intento conseguido por arranjos espertos e uma gama substancial de instrumentos.

Para dourar sua música, o ex Los Hermanos chamou a Hurtmold, banda paulista integrada por músicos talentosos e extremamente cultuados no underground. Vale dar uma passada pela discografia surpreendente e refinada desses caras. Eles são os responsáveis pelos metais e cordas que contribuíram para dar forma, ângulos inéditos ao espírito essencialmente solar e vivo de Toque Dela. Sax, trombones, guitarra, baixo “falam” alto, são atores ativo em arranjos que privilegiam a instrumentação. O instrumental chega mesmo a ser exagerado em alguns momentos, como na mais agitada de todas, a rocker, ou algo que se aproxime disso, “Pretinha”. Esta, uma canção ligeira com aura experimental, provocada por uma dissonância esquisita de guitarras e baterias, descompromissadas, intrigadas com a voz frágil de Camelo. Mas, no geral, a moçada do Hurtmold está a serviço do equilíbrio, baixando até o tom, quando necessário, como, por exemplo, no batuque e na simplicidade que fazem de “A Despedida”, composição que o público já conhecia na voz de Maria Rita, uma das mais diretas e saborosas faixas do álbum.

Toque Dela é desses álbuns de indiscutível coerência melódica, alcançada somente por quem entende do riscado. Marcelo Camelo resolveu ser mais assertivo e transparente. Canta o amor como raros, espanta soberano a solidão e entrega para os ouvintes um disco elegante, talvez até chato para alguns, principalmente para aqueles que não têm paciência de refinar a poética caudalosa proposta pelo músico carioca. Talvez você até encontre aqui e ali, em lampejos fugidios, ecos da banda que entronou camelo na história do rock nacional. Melhor mesmo é, fãs dos Hermanos, relaxar e absorver a entrega amorosa e cheia de significados que este trabalho traz. Tem que ter coração grande, aberto, para acompanhar essa obra. Ouça com cuidado. E mais uma vez ouça. É só sentir e se deixar levar. A recompensa vai vir no final.

Cotação: 5

Entenda todo o amor de Camelo:

http://rapidshare.com/#!download|578cg|456195501|MarceloCamelo-ToqueDela2011.rar|40562

Voando alto

2011-04-10T16:39:00.008-03:00

Aquilo que antes era apenas uma penugem transmudou-se em penas fortes, lustrosas. Cada vez mais longe do ninho e afoita, aventureira em busca de novos horizontes, ela sabe que existe um grande e inescrutável espaço a conquistar. Mundo vasto mundo, se ela se chamasse Maria, que rima o poeta faria? Mais segura, Tiê, a cantora paulistana com nome de pássaro, alça agora vôos mais longos, definitivos. O segundo álbum está aí para provar que a promessa de uma artista de personalidade forte se confirma concretamente. Ponto para essa moça talentosa que chegou assim pianinho, passarinhando suavemente, e, sem mais avisar, como uma fera sorrateira, se agiganta diante da gente. A Coruja e o Coração(2011) é trabalho cuidadoso, pequena jóia barroca, feito para firmar Tiê nesse universo restrito de artistas brasileiros com assinatura e brilho próprios.

Veja o clipe de "Na Varanda da Liz”:

Há dois anos, Tiê entregou de forma independente um CD tão confessional e cheio de lirismo que logo chamou a atenção da crítica especializada. Poucos acompanharam os primeiros passos da artista que exibia uma sonoridade que logo tacharam de neo folk, ou algo parecido. Porque íntimo, acústico, econômico, feito daquelas palpáveis tristeza e doçura que caracterizam o gênero. Sweet Jardim(2009), que me inspirou uma resenha aqui mesmo no meu insensato blog, era diferente, não seguia as tendências da música brasileira. Meio assim deslocado com sua abusada simplicidade e sinceridade. Tanto que, por ser rara, a artista logo foi colocada no balaio do que recentemente denominaram de “Novos Paulistas”. Mania essa da imprensa de criar grupelhos, imaginários movimentos musicais, levada pelo surgimento de talentos contemporâneos, a exemplo dos conterrâneos Tulipa Ruiz,Thiago Pethit e Marcelo Jeneci, autores de discos incandescentes e marcantes em 2010.

Faça o download e ouça “Só Sei Dançar com Você”:

http://www.divshare.com/download/14536235-57b

No mesmo ano do lançamento de Sweet Jardim fui assistir a um show de Tiê num pequeno e abafado pub em Brasília. A primeira apresentação dela na capital. Bem no gargarejo, premiado pelo desconhecimento do brasiliense daquela moça postada ali, cheia de dedos, num diminuto e improvisado palco. Só ela e violão. Confirmei ali minha impressão de que aquela dona tinha algo de especial, encantatório. A mesma vozinha miúda que ouvia no headphone embalando aquelas canções tão delicadas. Fiz questão, numa desavergonhada ti(ê)tagem, algo que quase nunca faço, de comprar o CD e pedir que a baixinha autografasse. A Coruja e o Coração só reforça o encantamento. Gosto dos passos dados adiante sem que se perca o DNA, de quem não se acomoda e mapeia novos territórios com aquela típica sede do conquistador. Esse álbum tem um pouco disso, amparado pelo contrato da artista com a blockbuster Warner.

A ligação com a Warner, e muitas vezes isso acontece, não desfigurou o som e o canto de Tiê. Parece apenas ter lhe dado mais munição para produzir um trabalho mais encorpado, com recursos técnicos e instrumentais que a falta de verba não lhe proporcionara antes. A compositora e o aclamado produtor Plínio Profeta, que a acompanha desde Sweet Jardim, puderam contar com o auxílio de afinados músicos e a presença de um bom punhado de convidados. E esse é um dos diferenciais mais notados em relação ao primeiro álbum. Percussão, cordas, metais surgem inteiros nos belos arranjos da nova investida da paulista. E isso é percebido fortemente na música de abertura, “Na Varanda da Liz”, composta para a filha, embalada por muitos e intensos instrumentos que quase fazem a voz da cantora sumir. Aquela levada acústica que ganhou mentes e corações só aparecem nas lindas e mais cools, “Piscar o Olho” e “Te Mereço" e seu piano ensimesmado, que poderiam fazer parte naturalmente do primeiro CD.

Mas, o uso farto dos instrumentos serve apenas para amplificar a poética de Tiê. Tudo continua intimista e confessional como antes. A balada “Perto e Distante”, com a participação do uruguaio Jorge Drexler e um sax cortante, traz letra de diário que sensibiliza até os mais brucutus. “Quem garante que o que você é é o que o outro enxerga?”, filosofa a cantora nessa composição densa. Os ricos arranjos e todos os músicos contribuem ainda para adicionar a A Coruja e o Coração um elemento invisível no trabalho anterior, o pop. A já citada e radiofônica “Na Varanda da Liz”, talvez a mais radiofônica de todas, e as ótimas “Pra Alegrar o meu Dia” e “Hide and Seek”, essas com levada country, graças ao bandolim de Profeta, são assim: alegres, solares e prontinhas para seduzir um público, diríamos, menos exigente. Tem até uma versão flamenca e alienígena do forró “Você não Vale Nada”, que foi tema de novela das oito na Globo.

E tem ainda, em contraponto ao visceral e divertido forró de Dorgival Dantas, as versões das matadoras “Só sei dançar com Você”, de Tulipa Ruiz, e “Mapa Mundi”, de Thiago Pethit, que, se não acrescentam muito às originais, são conduzidas com brio e leveza. As duas contando com a participação daqueles “novos paulistas”, autores incensados e criadores iluminados. Para fechar essa alongada resenha, diria que, no frigir dos ovos, A Coruja e o Coração é um disco generoso, convincente, de vivo aconchego. Obra madura de uma artista veio para ficar. Avoé, Tié.

Cotação: 5

Voe com Tiê:

http://www.mediafire.com/?e4eq7nc746a02a5

Onze brasileirinhos

2011-04-07T15:06:00.004-03:00

Os Estados Unidos são aqui? A morte e a tragédia se manifestam sempre vis e eloqüentes. Calam o cidadão, calam a gente. Calam um país. De que matéria é feita esses fatos que acordam nossa indignação e nos deixam tartamudos e nos fazem pensar, espantados, de que matéria somos feitos? O que leva alguém a entrar numa escola repleta de crianças, “brasileirinhos”, como os chamou a presidente Dilma, cheios de vida e planos e atirar contra eles? A tragédia no Rio, numa escola do Realengo, que aconteceu nesta quinta estranha é um soco no estômago. Uma lição de como estamos expostos a nossa loucura, a uma realidade cada vez mais parecida com uma fita de cinema. E, pessoas comuns, atores desavisados dessa doído filme cotidiano, viram manchetes incômodas, espelhos do que pode acontecer a todos.

Somos os Estados Unidos que testemunharam tragédias parecidas? Parecíamos tão longe disso tudo. Já não estamos agora. Podemos até ser mais afáveis que os norte-americanos, traço sempre realçado de nossa alegre personalidade, mas somos loucos do mesmo jeito. Morreram onze brasileirinhos. Com nomes, famílias, carrinhos coloridos, bonecas despenteadas, amigos, com pouca idade e tanta coisa pra fazer. Tanta coisa. Morremos um pouco todos nós, brasileiros e brasileirinhos, e também morre um pouco nossa santa ingenuidade. As tragédias não medem choro e perplexidade. São tsunamis em nossas entranhas que devastam um pouco de nossa já combalida humanidade. E toda essa inquietante tristeza que ela causa faz com que reflitamos sobre o que o tempo e uma moral sempre em cheque faz com nossa alma.

Perdemos onze brasileirinhos. Com dentes esbaldando sorrisos, com línguas aprendendo o vocabulário, com olhos abraçando o mundo, com pés miúdos aprendendo a dar passos largos. Perdemos tudo isso. Só não podemos perder a capacidade de transformar essa tragédia na promessa de que nunca vamos nos conformar com isso, nunca vamos deixar que isso pareça banal. Porque para cada louco que atira contra a humanidade, contra ser humano, tem que haver um milhão de pessoas prontas para defendê-la. Choremos e sejamos humanos. E vamos rezar também para que esta quinta-feira estranha tenha sido apenas um tropeço estúpido na história de nosso país rumo a uma arquitetura da paz. Aqueles brasileirinhos que, injustamente, não vivem mais entre nós merecem.

Além da naftalina

2011-04-05T21:10:00.006-03:00

Os fãs costumam ser superlativos quando falam do barba grande Sam Beam. A superlatividade é um pecado daqueles cegos pela paixão. Pecado substantivo. Esses cometem excessos que o desconfiado, franzindo o cenho, sempre passa pelo pente fino da razão. E é bom que a humanidade seja sim, feita de apaixonados intensos e devotados cartesianos. Nesse caso específico, melhor mesmo é abrir bem os ouvidos para tirar a prova dos nove. Exageros a parte, temos um artista sensível que criou culto, sua igreja própria povoada por um tanto de pessoas que amam a poesia, a melancolia e melodias bem acabadas. Sam Beam e seu Iron & Wine são assim, amados radicalmente. Espécies de franciscanos, doutores em ética que conquistaram discípulos por uma certa ingenuidade musical, típica da folk music, e um ranço podiscrê, reforçado pelo visual barbudo, que caracterizaram seus três primeiros discos. Agora, o cara quer mudar um pouco essa história com Kiss Each Other Clean(2011).

Antes, o Iron & Wine era Beam e toda sua tristeza infinita em dois discos, The Creek Drank The Cradle (2002) e Our Endless Numbered Days (2004), com essência folk que cativou os de corações generosos. Tanta poesia e dor foram arrefecidas um pouco no elogiadíssimo e melhor dos três, The Shepherd's Dog(2007), o meu preferido. Aqui, a alegria deu o ar da graça. Sim, havia réstias de sol no mundinho intimista da banda. Em Kiss Each Other Clean, Mr. Beam se aproxima do universo pop de quem, além de se sensibilizar com harmonias barrocas, gosta também de bater o pezinho, de sentir a pulsação dos instrumentos que inspiram a dança. Calma, o disco não foi feito para as pistas, mas tem uma levada até então estranha ao grupo, harmonias mais dançantes e que revelam o interesse de seu mentor de alcançar um público menos cult. E talvez por trás disso há o fato de que agora o barbudo trocou o cool Sub Pop por um selo, digamos assim, mais capitalista, a Warner.

Tudo bem que o novo disco traga, cerzidos com linha forte, os elementos mais caros ao folk, as melodias com ricas harmonias, percussão cuidadosa e os corinhos casados com a voz principal. Tem um pouco do velho Beam do início de carreira em baladas trabalhadas com esmero para reconfortar espíritos carentes. São os casos da linda “Godless Brother in Love”, canção curtida na simplicidade do arranjo, com belos piano e violão servindo deliciosamente de base para uma delicada melodia, e a quase country “Half Moon”, com sua letra invernal e um coro feminino fazendo contraponto preciso à voz bonita e segura de Sam Beam. Mas, esses dois bons momentos de Kiss Each Other Clean não representam o que o trabalho tem realmente de mais emblemático e marcante, além dos já citados coros, presentes na maior parte das composições: a farta instrumentação, realçada por arranjos refinados e elaboradíssimos, e uma explícita pendência para o pop.

O pop de Iron & Wine não é da mesma matéria daquele fabricado a granel por gente como Michael Jackson e Steve Wonder. Desses dois, aliás, herda um certo suingue negro, vindo do soul e do funk, que tem similitude em outro branquelo, o bacana Dave Mathews. É mais cabeça, mais intelectualizado, som cheio de filigranas que demonstram que o grupo é amante da sofisticação. O ataque de metais vibrante é, por exemplo, um dos grandes baratos de “Big Burned Hand”, com seus momentos jazzy, acentuado principalmente pelo sax sensual e improvisos instrumentais. O diálogo de metais e corda também faz a diferença na soberba “Your Fake Name Is Good Enough for Me”, com uma melodia, no início mais acelerada, que se revela inteira e sedutora quando a música diminui o ritmo e se desnuda para o ouvinte. São sete minutos de sonzeira nos quais fica evidenciado ainda o arranjo preciosista da composição e a voz de Bean que, dobrada, nos faz viajar aos tempos áureas do folk de Simon e Garfunkel. Quem lembra?

Ouça "Your Fake Name is Goof Enough for Me":

http://www.divshare.com/download/14498928-9dc

Nos dois exemplos do parágrafo anterior divisamos uma banda mais aberta para a possibilidade dos instrumentos. Flautas, percussão, metais, cordas, gaitas, eles estão em Iron & Wine muito mais vivos agora. E nas maos de uma trupe eficiente. Todos à disposição de uma farra elegante, da alma mais leve de uma galera e de um grande autor que encontraram sentido em satisfazer o lado mais leviano, desapegado, dos que gostam de música sem preconceito. Ouça “Tree by The River” e me diga depois se a concessão, mínima, tudo bem, à eletrônica é ou não um sinal de que os caras querem extrapolar fronteiras. Francamente desenvoltos, eles querem mais fãs. E isso não faz a música deles pior. Dez anos de carreira mudaram o modo do Iron & Wine encarar o mundo. E Kiss Each Other Clean, um disco acima da média e de capa deslumbrante, é bem a medida dessa pretensão.

Cotação: 3

Conte com a sorte, que o xerif web está mal humorado.Download aqui:

http://www.mediafire.com/?yw4435qab6cadco

Ouça sessão livre com “Walking from Home”:

Jeitão de esboço

2011-04-02T22:01:00.006-03:00

Eles têm uma musicalidade levemente esquisita, temperada com o ecletismo comum daqueles que mantêm os ouvidos escancarados para a viva produção global. Um biscoito fino com recheio insuspeitado. Prontinho para ser mordido e saboreado. Uma francesa, Olivia Merilahti, e um finlandês, Dan Levy, juntos numa banda chamada The Dø. Parêntese: Esse ø estrambøtico formata a pronúncia da palavra, que vira, assim, The “Dou”. Fecha parêntese. O duo binacional afina sua sensibilidade para botar na prateleira de música alternativa o interessante Both Ways Open Jaws(2011), o segundinho da carreira. Escrevendo isso, rio internamente porque sempre que a gente define algo como “interessante” é porque não encontramos um adjetivo que qualifique mais virilmente a coisa. Dessas expressões bambas e imprecisas que cobram explicações.

Veja o vídeo de “Slippery Sloope”:

A imprecisão do “interessante” é provocada e aí, meu caríssimo leitor, vem minha única explicação, pela salada sonora que The Dø nos oferece. Estamos aqui no terreno do inclassificável, exercício ao qual a tribo indie norte-americanos e a européia, mais culta e melhor informada, está bem acostumada. Não consigo rotular que tipo de som o duo pratica. É possível sacar de Both Ways Open Jaws essa mistura rítmica que faz o álbum parecer a uma colcha colorida de fuxico, esse artesanato tão comum a nós brasileiros. Tem eletrônica, world music, experimentações, country music, roquenrou em doses esparsas, estilos que fazem com que possamos ler o disco como um livro de contos. É como se cada faixa fosse uma história diferente. E isso faz a delícia e traz os maiores riscos à obra. Porque nem todas as “histórias” desse “livro” são bem resolvidas. Nem todas têm, infelizmente, final feliz.

Escute “Gonna be Sick!”:

Se, por exemplo, me concentrando mais nas faixas do álbum, o lado indie folk, em sua vertente mais onírica, tem ótimos resultados, como na envolvente “Dust it Off”, na qual a voz aguda e correta de Olivia defende bravamente a doce e bem construída melodia, bobagem, na mesma linha musical, como “Leo Leo” vai em direção contrária. É sedativo forte de efeito imediato. Melhor pular para a próxima música. Se, a melhor do CD, “Gonna Be Sick!”, composição com levada mais rocker e vibrante, engata bem, e muito bem, em nossos neurônios, “b.w.o.j” , letras iniciais do título do disco, fica entalada na garganta com sua mistura insossa de eletrônica, experimentalismo oco e batidas que remetem a tambores tribais. Quis o deus da música, em sua infinita sabedoria, que essa música transcorresse em pouco mais de um minuto, salvando nossos tímpanos dessa derrapada.

Temos mais algumas histórias de acertos nessa variada obra do Dou. “Slippey Slope” é descaradamente um decalque da batida forte, roots de M.I.A, a rapper londrina que conquistou a crítica do mundo inteiro com sua música engajada e provocativa. Boa música, ainda assim. Mexe com o corpo, inspira os músculos das pernas. Olivia e Levy aprenderam bem a lição de veia africana vinda daquela moça. A objetiva e transparente “Too Insistent” lembra, com sua guitarra displicente, o rock descolado das bandas independentes que fizeram a alegria da galera nos anos 90 do século passado, como “Pavement” e “Guided by Voices”. A baladinha pouco inspirada, ainda que suavizada pela voz de Olivia, “Was it a Dream” e “The Calendar”, uma espécie de country baleado de morte por uma bateria minimalista, depõem contra e provam que, apesar das boas intenções, o álbum dá sérias engasgadas.

Imagina você com um belo e cobiçado carro que, saído de fábrica, apresenta alguns probleminhas irritantes. Sinto que Both Ways Open Jaws vai por aí. A crítica argumenta que houve um salto significativo desse para a estréia, A Mouthful(2008), trabalho que, admito, falha minha, ainda não escutei. Fica claro que The Dø tem um potencial incrível para fazer canções memoráveis. Dan Levy, também ficou provado, é um arranjador e instrumentista valoroso. E Olívia Merilahti é uma cantora de voz marcante, característica realçada num trabalho que abre generosamente espaço para que ela brilhe. Mas, fica a sensação de que faltou explosão no disco, como se os dois tivessem represado sua força. Como um esboço para uma obra mais contundente que virá no futuro. E, acredito, virá.

Cotação: 3

Vai que dá:

http://www.filesonic.com/file/179281851/TD_BWOJ.zip

ou

http://www.mediafire.com/?qmffy134bbj0b4c

Pra sempre, Edward

2011-03-31T21:41:00.020-03:00

Para ler ouvindo "Deus e o Diabo no Liquidificador", da banda Cérebro Eletrônico:

Tudo muito cinza, escuro. O ar sempre enevoado embaçando a minha vista, turvando os objetos e uma noite, longa noite, que parecia não ter fim, absurdamente ao meu redor. O mundo lá fora seria uma noite sem fim? Saudade de meu pai, de seu riso aberto, de meu pai com sua roupa branca no meio de sua casa negra. Seu castelo, nosso castelo de coisas enevoadas, vestido de teias e musgos, decorado de tubo de ensaios ensebados, esquecidos nos cantos. Homem engraçado meu pai. Ele me deu longas e afiadas tesouras ao invés de mãos. Não esqueço, ele me admoestava sempre: "seus dedos cortantes quando se mexem cortam". E me deixou a dor, o peito dilacerado quando, caído no chão, me fitou com olhos duros, secos, sem o reflexo de mim. Nunca mais meu rosto pálido nele, nos olhos dele. Depois disso meu pai nunca mais falou comigo, nunca mais ensinou palavras cheias de letras e sons. Depois disso, nunca mais ele. Mas, vejo meu pai todas as vezes que abro os olhos.

Meu nome é Edward. Pelo menos era assim que ele me chamava com uma voz mansa, como se ao chamar meu nome, grudasse à palavra algo a mais. Algo que não podia mensurar. Algo que me fazia bem. Um calor no peito na hora, como se meu nome dito por ele fosse um manto cálido a me cobrir, a me proteger do tempo sibilante que deixava tudo branco lá fora. A me proteger de algo que ele nunca ousou descrever pra mim. E esse algo era gigante e morava além do castelo negro que me encobria. Seria o mundo todo um grande castelo negro? Passava manhãs, tardes e noites usando minhas mãos para lembrar meu pai. Scissorhands. Eu sozinho no assoalho frio achando que tudo o mais não passava de mim sozinho. Meu presente era eu só. Meu futuro era eu só. Quem era eu nesse mundo sozinho? Até que um dia ouvi uma outra voz, diferente a de meu pai, fina e melodiosa. E eu nem imaginava, na minha sã inocência, que aquela voz mudaria toda a minha vida.

Corte. Segue o filme.

Aquela cena descrita lá atrás, antes do corte abrupto, é uma leitura livre de uma das cenas iniciais de um longa-metragem inesquecível. Tim Burton nunca mais faria algo parecido. Vinte anos depois, a fábula do jovem frankenstein amado e depois açoitado por uma sociedade cruel mantém seu frescor e magia. É assim com os clássicos. Eles vencem os dias, as décadas, incólumes às erosões e ferrugem que o tempo costuma provocar. Sem perder sua modernidade e vigor. O filme, que marcou a vida de muita gente nos anos 90, está sendo homenageado em uma bela exposição nos Estados Unidos. De 40 ilustradores, aqueles mesmos que, como eu, se encantaram com uma equilibrada mistura de poesia e horror. Edward Mãos de Tesoura(1990), a fita, é uma obra prima deliciosa, dessas que grudam na parede da memória.

Pra quem não viu, ta aí o trailer do filme:

Edward foi criado em laboratório por um cientista solitário, vivido por um fantástico Vincent Price em fim de carreira, humanizado e cativante. Surpreendente. Diferente de todos os monstros e personagens tenebrosos que marcaram sua cinegrafia. O cientista queria um filho para compartilhar sua solidão, alguém para conversar. Não conseguiu viver para ver a obra cumprir seu fim. Orfão e assustado, Edward é encontrado por uma vendedora da Avon, dessas que se multiplicaram pelo mundo afora, cheias de simpatia, em meados do século XX. A partir daqui entra em contato com um outro mundo, o dos seres humanos inconstantes e desconfiados, nosso louco mundo. Aí vem a perda da inocência junto com a paixão e a incompreensão. E aí vem o resto do filme, que prefiro deixar em aberto, para que você que está lendo essa resenha se interesse, talvez, em assistí-lo.

Garanto, do alto de minha mais inteira humildade: ver ou rever Edward Scissorhands é sempre um prazer. Tá lá o cineasta das esquisitices, Tim Burton, fazendo sua obra mais pop e intensa. Tá lá Johnny Deep mostrando todo o talento que o faria um dos atores mais cools e bacanas de holywood. Tá lá Winona Ryder linda, radiante, como o par romântico de Edward, despertando fantasias nos homens. E a palpável química dos dois envolvendo todos os 24 quadros por segundo do filme. Tem a cenografia dark, o humor negro, o figurino punk do personagem principal e o colorido contrastante de uma provinciana cidade norte-americana com todos seus habitantes provincianos e tão frivolamente norte-americanos. Enfim, todos os elementos que fizeram com que esse bacanéssimo filme ganhasse, 20 anos depois, a homenagem de talentosos ilustradores que colorem as paredes da Gallery Nucleus, na Califórnia. Eu não fui a Nucleus, mas pesquei na internet algumas das obras, que trato, com muito carinho, de reproduzir aqui. Para ver mais, vá em: http://scissorhands20th.blogspot.com/

Cotação: 5

Herói de todos nós

2011-03-29T15:20:00.007-03:00

Tinha 79 anos. Parecia menos. Com a cara boa daquele avô de fábula de cinema que todos nós gostaríamos de ter. De riso fácil quase sempre e, aqui e ali, imbuído de austeridade. Só quando a situação obrigava. Pelo menos parecia assim nos momentos em que as câmeras de TV pescavam-no em movimentos eternamente serenos, quase em câmera lenta. Acho que idade e um tanto de sabedoria. Talvez isso explicasse. Mas, quem tinha assim tantas décadas nas costas, devia mesmo ser amigo, até mesmo íntimo, da sabedoria. Gostava dele, assim, acredito, como a maioria dos brasileiros tinha simpatia por aquele velhinho, mineirinho que só, que teve participação discreta no governo brasileiro. Companheiro do companheiro Lula, ex-presidente que bem poderia envelhecer do jeito companheiro daquele homem que foi-se que nem passarinho,rememorando Mário Quintana, passarinhando.

Faço nesse momento, comovido pela notícia que chegou a alguns instantes, um esforço de memória, um exercício carinhoso a respeito desse homem a partir da questão fria e crua: como é que eu gostaria de lembrar dele? Acho que não lembraria como o empresário, homem de sucesso nos negócios, condição que o levou ao alto cargo público assumido sem estardalhaço. E esses são tantos. Não lembraria como o homem que desconheço, aquele que a minha ignorância sobre seu passado esconde sob muitos e muitos véus. Que fique no mistério e esquecimento. Não lembraria como o cavaleiro solitário lutando quixotescamente, nos hiatos que o poder lhe dava, a favor da redução dos juros que imobilizava nossa economia. Era dever da ingrata função. Não lembraria do velho já meio esqualido, castigado pelo câncer, tantas e incontáveis vezes levado aos panos frios de uma maca de hospitais,dissecado pelas máquinas, ruminado por medicamentos. Memórias melhores hão sobre ele.

Acho que lembraria daquele velho de cara boa nos seu momentos de bom humor. Imenso bom humor congelado agora em minha memória. "O bom escoteiro ri até nas adversidades", disse ele cheio de dentes num programa de TV, um pouco depois de uma daquelas vezes que passou dias no hospital enganando o câncer e a morte. Velho e bom escoteiro. Lembraria dele demonstrando uma positividade e uma alegria inacreditável, imensurável, diante de sua frágil condição de saúde. Lembro dele herói de todos nós nessa mesma guerra santa contra o câncer. Vontade imperturbável e exemplar de seguir em frente, se desviando dos males como se levitando estivesse. Nosso velho ninja. Lembraria dele cantando o hino de seu clube de futebol naquela mesma entrevista na TV citada nesse parágrafo, o desconhecido Nacional de Muriaé, e socando o ar com sua mão ao final da música como um torcedor cheio de vitalidade. Como um menino. Lembraria dele como um menino.

José Alencar morreu, menino, nessa tarde do dia 29 de março de 2011. O drible na morte dessa vez não deu certo. Almas boas deixam saudade. Com saudades já estou.

Viciados em alegria

2011-03-29T13:04:00.006-03:00

“Mulher, dance comigo esta noite”. O convite feito nos primeiros segundos da faixa que abre Olindance(2011), segundo CD do coletivo pernambucano Academia da Berlinda, é um ultimato. Mesmo aqueles que não têm samba no pé dificilmente vão resistir a metralhadora irresistível de ritmos que vem na seqüência. Sete malucos de Olinda investem pesado, sem dó nem piedade, na mistura de sons afro-latinos, como a cumbia, a guitarrada paraense, o bugaloo colombiano, o côco, o frevo, a rumba, e dão algumas bebericadas no rock, para produzir um álbum buliçoso, que cativa pela luxúria e pluralidade. É musica para bailinhos, bailes e bailões. Para quem nitidamente assume essa nossa apaixonada alma latina, irremediavelmente viciada em alegria.

Ouça Praia do L:

Olindance é fruto de um apanhado musical centrado na América abaixo da linha do equador. São ritmos que naturalmente provocam calor e que, devidamente misturados por artistas antenados e contemporâneos, ganham novo espectro, nova pulsação. Esses caras fazem parte de bandas que extrapolaram as fronteiras de Pernambuco, a terra natal, como Eddie, Orquestra Contemporânea de Olinda e Mundo Livre S.A. O combo só tem figuras de respeito e responsa. Sente só: Alexandre Urêa(voz, timbales), Tiné(voz,pandeiro, maraca), Yuri Rabid(baixo e voz), Gabriel Melo(guitarra), Hugo Gila(microKorg), Irandê César(bateria e percussão) e Tom Rocha(percussão e pateria) E o que se sente é uma entrega natural dessa galerada às sonoridades latinas, sem qualquer pecha acadêmica, longe de didatismo, do resgate cru e tradicional daquelas ricas musicalidades.

E é essa veia popular, essência de todos os ritmos latinos colocados na roda e mantida aqui com toda sua soberania, o que mais contagia no segundo álbum do Academia da Berlinda. A começar pela adrenalinada “Bem Melhor”, com suas congas, guitarra fervilhante e teclado minimalista escancarando com urgência as portas da pista de dança. E elas não se fecham em momento algum do CD. Pronto, salão cheio, pés teimosos e insubmissos, melhor mesmo é se render rogado à turbulência de canções como a manhosa “Lua”, essa cumbia casada fervorosamente com o carimbó, mas que se permite uma escapadela com um rock santaniano, e as deliciosas “Lágrimas”, uma das mais radiofônicas do disco, e “Filhinho”, toda provocante e lúdica.

Mesmo as composições com voltagem um pouco mais baixa levam você ao remelexo. Exemplo de “Gringa”, canção com forte influência do côco, ritmo nordestino muito bem defendido no CD, e que conta com a participação especial do impagável Peida das Olinda, folclórico guia turístico das bandas de lá. E também da cadenciada “E Então”, assim meio bolerega(um tanto de bolero um tanto de Alípio Martins), uma bela canção romântica. Essa ainda pra dançar agarradinho. De preferência bem agarradinho. E de “O Gole”, exemplar clássico dessa nova música pernambucana influenciada pelo romantismo e pelo brega. Nessas duas vemos o lustre moderno das composições, melhor notado nas instrumentais "Berliman"(repare no teclado tecno e pesado no início da música), com toques de surf music, na encantada “Praia do L”, uma das melhores do CD, e no sambinha de branco “Primeiro Plano”.

E tem ainda, para finalizar essa encardida resenha, as letras. “Cumbia da Praia” e seu ritmo caliente (perdão, não consegui fugir do lugar comum) revela outra característica popular do disco, a poesia enraizada no dia a dia daquele que se apaixona, que pega ônibus lotado, que tem tesão e não excitamento. O cara escancara: “Quando ela chega lá na areia/Bota logo a canga pra deitar/Pede pr’eu passar bronzeador/eu fico sem poder me levantar”. Vai me dizer que você não passou por isso um dia? Esse descaramento, ou, melhor traduziria, discurso direto, está presente também em outras músicas, como na irônica “Você me Humilhou”, que, em tom de desabafo, critica os interesseiros: “Desde pequeno fui humilhado/quando eu chegava nas gatinhas/não era considerado/só porque eu era magrinho, cara de marginal /agora que eu estou na mídia, sou um cara legal”. Papo reto de um disco direto e incisivamente dançante. Essa é a proposta de Olindance, do Academia da Berlinda. Seja pop. Entregue-se.

Cotação: 4

Bote pra ferver:

http://www.mediafire.com/?8qjg5cin13tehv1

Veja "Fui Humilhado", gravado diretor de um show da banda:

Declaração de independência

2011-03-26T21:38:00.011-03:00

Coitado de quem carrega nas costas a pressão de ser obrigado a apresentar algo sempre bom e demolidor. Para esses convergem todas as expectativas, os olhares inquisidores e as impiedosas cobranças. Na penúltima semana do mês de março de 2011, o mundo da música concentrou-se ferozmente no lançamento do último trabalho da banda novaiorquina The Strokes. O alvo, o álbum chamado Angles(2011). Depois de quase cinco anos sem gravar CD de estúdio, o grupo que “salvou” o rock no início dos anos 2000, com o impecável This is It(2000), jogava os dados na arena repleta de leões, diante da crítica e dos fãs famintos. O resultado foi um misto de estupor, incompreensão e aplausos comedidos.

Assista ao vídeo de “Under Cover of Darkness”:

Como deglutir uma obra tão diversa e atípica, se tratando de Strokes, quanto Angles? Sob que ângulo apreciá-la? O álbum é cheio de arestas que parecem traduzir o momento musical e pessoal dos cinco músicos que o produziu. Por trás dele, como elemento invisível, há o fato dos integrantes dessa incensada banda viverem um longo e tenebroso inferno astral. A imprensa repercute há algum tempo a relação corroída de Julian Casablancas, o elegante e blasé vocalista, Nick Valensi(guitarra), Fabrizio Moretti(bateria), Nikolai Frature(baixo) e Albert Hammond Jr.(guitarra). Comenta-se que eles mal se vêem e que o último trabalho foi gerado de forma estanque, com voz e instrumentos sendo gravados em sessões separadas. Esquisito, né?

E tem ainda o ângulo da idade e interesses musicais dos caras. Se Angles pretendeu mostrar a individualidade e maturidade de cada um deles ao distribuir de forma mais democrática a composição das faixas(foi-se o tempo em que Casablanca dominava a criação), o produto tinha que ser necessariamente multifacetado. E é isso que é, para mim, o último do Strokes, uma colcha de retalhos, um trabalho desigual que talvez busque a desconstrução do mito e das expectativas criadas sempre que o grupo dá a cara à tapa. Talvez eles queiram dizer que não pretendem mais ser vistos como os salvadores do rock, condição que, aliás, na minha concepção, é mera estratégia da indústria fonográfica que adora criar carências e ícones, já que o gênero, a meu ver, nunca precisou ser salvo.

Angles chega assim desnudado, dissecado e visto, pela maioria da crítica, como uma obra “estranha” ao mundo fervilhante e quase juvenil da banda novaiorquina pré First Impressions of Earth(2006). Tem alguns momentos realmente em que o disco soa como o velho e bom Strokes, aquele de guitarras nervosas e riffs marcantes, os que mais gosto inclusive. O rock urgente está presente, sem véus nem mágoas, nas muito boas “Under Cover of Darkness”, com suas cordas pulsantes e cozinha azeitada, e na ótima e também dançante “Taken for a Fool”, com sua linha matadora de baixo e guitarra, composição que poderia fazer parte de Is This It sem fazer feio. Nas duas, o grupo faz uma música direta, pop, sem firulas ou sem o “cabecismo” oco, típico de quem quer agradar os ouvintes mais intelectualizados.

A desconstrução e as novidades sonoras vêm com as outras oito canções desse curtíssimo álbum. Em poucos mais de 23 minutos de música, o Strokes é franco atirador. Mostra-se mais experimental, rendido a influências do passado, plural como a cabeça de seus integrantes. O grupo é sinthy-pop na simpática e melodiosa “Machu Picchu”, que abre o disco já chocando antigos fãs e na fraquinha “Two Kind of Happiness”. É grandiloqüente, sem dispensar a carga dramática, lembrando um pouco a emblemática Muse, na interessante e soturna “Metabolism”. E até soam um pouco bossanovístico, à moda da oitentista Style Council, na elegante pero sem graça e fora do tom “Call me Back”.

Ouça "Taken for a Fool":

Acho que toda essa pluralidade se deva a tal maturidade chegando sem apelo. E leia-se aqui honestidade e coragem de fazer aquilo que a partida banda quer na atual fase, sem muita preocupação em agradar gregos e troianos, goianos e baianos, sem concessões. Tem um pouco de cada um dos Strokes em Angles. Tem também um muito de uma banda que parece querer se reiventar, mesmo estando assim em pedaços. É um álbum franco e desigual. No que vai se transformar o Strokes depois disso? Aliás, será se vamos ter Strokes depois dessa declaração de independência chamada Angles? Como todo produto típico de uma transição, falta-lhe uma identidade, seu grande ponto fraco. Mesmo sem ser marcante, sem ser de cabeceira, é um disco respeitável. Deixemos, assim, os caras procurarem seu caminho. Sem crucificação. Devemos isso a banda.

Cotação: 3

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Os velhos:

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Não é uma Brastemp

2011-03-21T21:44:00.007-03:00

Aguardava com expectativa, assim como a maioria daqueles que assistiram a novela criada em torno do The Vaccines, o lançamento do primeiro álbum dessa banda que virou hype no meio da galera. A exemplo do Arctic Monkeys, o quarteto londrino se utilizou da internet para conquistar milhares de fãs espalhados pelo globo. Essa turma foi despejando, numa seqüência curta, quatro músicas com forte apelo pop, roquezinhos crus e diretos que pegaram na veia da molecada ligada na rede. Em cinco meses a banda virou notícia nas principais revistas especializadas em música e teve aquelas quatro canções reproduzidas nas rádios rock mais influentes da gringolândia. Até que lançou, depois do estardalhaço, o disco com título esperto, que brincava com o sentimento de espera que produziram afoitamente: What Did you Expect From the Vaccines?(2011), na tradução, o que você esperava do Vaccines?

1 minuto e 20 segundos de punk music. Ouça "Wreckin'bar(Ra Ra Ra)":

O que esperar de uma banda com menos de um ano de vida e que provocou alguma embriaguez e elogios desmedidos antes mesmo de lançar um trabalho concreto, um disco cheio? É preciso muito cuidado nessa hora. O melhor mesmo é se despir daquela expectativa, esquecer os aplausos antecipados e ver What Did you Expect From the Vaccines? como o debut de um grupo que não tem a pretensão, pelo menos no trabalho agora exposto a todos, de revolucionar o rock. Vamos deixar de lado também as comparações com Strokes, Libertines, Interpol e o diabo contemporâneo a quatro. Afinal, se fazem um som que lembra em alguns momentos estas bandas citadas é porque todos os que querem conquistar o mercado precisam de referenciais. E é bom que, no caso do The Vaccines, as influências sejam aquelas.

Vídeo da bacana "If you Wanna":

Admito que na primeira, segunda e terceira audição não vi nada demais no som desses quatro garotos, que listo agora, pra conhecimento dos meus poucos, porém amigos e fiéis leitores: Arni Arnason(baixista), Freddie Cowan(guitarra/voz), Pete Robertson(bateria) e Justin Young(voz/guitarra), que, dizem as más línguas, é o mais marrento e falastrão deles. O problema é que lá pela décima audição continuei com a mesma impressão. Os caras começam o disco botando pra quebrar com a pegada punk de “Wreckin’Bar(Ra, Ra, Ra)”, rock urgente que chama pra pista. Assim como a bem bacana “If you Wanna”, garageira e trepidante, canção que reforça a vocação do álbum para a despretensão e provoca a comparação com Strokes. Boa de toda. Dá vontade de sair dançando pela sala, mesmo sem qualquer aditivo.

Esse gás adolescente e pegada dançante, o rock básico e direto, estão presentes ainda na honrosa “Blow It Up” e na irresistível “Post Break-Up Sex”, composição de qualidade que selou o interesse da crítica pela banda. Aí, fechamos o ciclo das canções que abriram na web as portas para a ascensão vertiginosa do The Vaccines. Todas as quatro músicas comentadas até agora tem lá suas virtudes. São legais, sim, mas não têm aquele diferencial que faça a gente realmente se arrepiar. Não sei se isso é coisa de quarentão exigente que já ouviu muita coisa boa e está sempre a espera do novo redentor(sem qualquer conotação religiosa, viu!) do rock. O fato é que a sonoridade febril do quarteto traz aquela sensação de algo já ouvido antes. As outras seis músicas, com exceção da classuda “All in White” e sua energia contagiante, despertam, pelo menos no cara desconfiado que escreveu essa resenha, interesse menor.

What did you Expect from the Vaccines? tem ligeiros 35 minutos. Tem o dinamismo da internet, a dinâmica do nosso cotidiano e indústria cultural que constrói e destrói coisas belas, lembrando o meu guru Caetano Veloso. E, pensando nesse rolo compressor capaz de induzir a sociedade a amar ídolos venais e biafras, temo pelo futuro dos meninos do The Vaccines. Que não sejam mais um simulacro, fogo de artifício que encanta em poucos segundos e depois desvanece sem deixar rastro. Acredito que, nessa minha, realçada mais uma vez, teimosa fé na humanidade, a banda possa, sem querer cobrar muito, evoluir e oferecer um trabalho mais consistente e perene da próxima vez. Que a história ratifique minha esperança para a felicidade de quem, como eu, ama pra danar o rock and roll. Afinal, tempo é o que não falta a esses garotos.

Cotação: 3

Tente o download, antes tarde do que arde:

http://www.mediafire.com/?tngt2advaswt1p8

Folk dos branquelos doidos

2011-03-19T18:46:00.005-03:00

Quando ouvi pela primeira vez o duo norte-americano The Dodos fiquei deverasmente bem impressionado. Tive a sorte de encarar, logo de prima, Visiter(2008) uma obra elogiada pela crítica, com idéias nítidas e uma boa dose de inspiração. Os caras de São Francisco pariram um disco melodioso com peças cheias de graça e personalidade, que trafegava tranqüilo e soberano entre baladas acústicas e canções um pouquinho mais carregadas de energia. É, registrei na memória, os meninos de São Francisco faziam parte daquele time de criadores que podemos classificar de acima da média. Aí veio um outro álbum, tão irregular quanto o anterior tinha de belo, Time to Die(2009). Depois de algumas escutadas, coloquei-o sem remorsos no baú das coisas esquecidas. Neste ano, eis que os rapazes fazem as pazes com a decência e lançam o respeitável No Colour(2011).

Veja exibição ao vivo do The Dodos cantando “Black Night”:

The Dodos é Meric Long, no vocal, violão, guitarra e Logan Kroeber, na bateria e percussão. Esses dois sujeitos são respeitáveis por uma sonoridade própria, complexa, na qual o duelo das baquetas e das cordas agiganta-se a cada audição. A bateria tem um toque marcante, tribal às vezes. O diálogo enérgico de sua batida com violão e guitarra com uma harmonia mais folk desperta os sentidos. Não se assuste, porém, com minha definição do som dos caras. A complexidade de que falei não é do tipo intransponível. Está mais para instigante. Do tipo “quero ouvir de novo”. É isso que incita o interessante No Colour. E se o trabalho não tem a fortaleza de Visiter, ele chega perto daquele insight.

O quarto álbum do Dodos começa nervoso. Ligaram a bateria de Kroeber no 220 volts e ela só se desliga no final, depois de 45 minutos de canções vivas, espertas. A batida marcada, quase marcial, desse instrumento abre e dá o tom de “Black Night”, uma admirável canção, clarividente cartão de visitas para o ouvinte. O que se escuta na sequência é uma série de canções com o mesmo poder inventivo que nos leva ao hipnótico universo acústico do duo americano. Em “Going Under”, guitarra e violão parecem bailar desencontrados diante das baquetas potentes. As mudanças de andamento, a voz firme e afinada de Long contribuem ainda para fazer dessa uma das melhores composições do CD. O baile descompassado das cordas pode ser percebido ainda em “Don’t Stop” e “Good”. Ouça o violão melodioso em guerra com a guitarra mais esganiçada. É o folk dos branquelos doidos.

Escute “Don’t Try and Hide It”:

Long e Kroeber estão decididamente mais barulhentos e sujos em seu último trabalho. A evidente garra e intempestividade das canções não é amenizada nem pela presença da doce ruivinha Neko Case, parceira do The New Pornographers. Case, em sua carreira solo, é autora de alguns dos trabalhos folks mais divinos que ouvi nos últimos anos, caso de grande Middle Cyclone(2009), que já resenhei neste meu humilde blog, e do bem amado e excepcional Fox Confessor Brings the Flood(2006). A artista é presença como backing vocal em várias músicas, a exemplo da bacana “Sleep” e da linda e mais calminha, com refrão mântrico, “Don’t Try and Hide it”, uma das que mais me agradou nesse equilibrado álbum.

No Colour é um trabalho que recoloca o The Dodos no trilho que construíram com solidez no início de carreira. Para isso o duo contou com o auxílio luxuoso de John Askew, que produziu e afinou o já citado Visiter e Beware of the Maniacs(2006), o primeirão da banda. Com isso, os dois de São Francisco voltaram para um terreno que conhecem bem, para a zona de tranqüilidade. E reaparecem também menos experimentais, mais maduros, e, benza-te Deus, com a mesma inquietude criativa, pena e instrumentos afiados. A gente só agradece.

Cotação: 4

Linke-se ao som dos caras:

http://www.mediafire.com/?uaco4dox39puoxg#1

Misto quente abaianado

2011-03-15T19:20:00.008-03:00

De quando em vez esse nosso imenso e desregrado país, em meio a corriqueiras notícias de corrupção e tragédias anunciadas, nos delicia com aquilo que o faz realmente grande e único: a mestiçagem. Não adianta fugir dessa doce condição: somos vários e plurais. Da pigmentação da pele ao gosto musical moldado pela irrequieta alma que tem uma inequívoca vocação para a festa. E, de vez em quando também, essa natural musicalidade provoca redescobertas que só reforçam admiravelmente nosso DNA. O álbum de estréia do projeto Baiana System é um exemplo cabal e luminoso disso. Uma bela experiência e homenagem que está trazendo de volta às ruas e palcos a estridente e brasileiríssima guitarra baiana, passeando agora por mares e timbres nunca dantes navegados.

Veja ensaio da música “Da Calçada pro Lobato”:

A guitarra baiana, ou guitarrinha, como apelidaram carinhosamente os soteropolitanos, é uma invenção do diabo. Foi criada lá pelos idos dos anos 50 do século passado pelos geniais foliões Dodô e Osmar, que deram ainda a ela um berço móvel para desfilar e que se tornaria para sempre um ícone do povo baiano, o trio elétrico. Um e outra são contemporâneos endiabrados, genuínas máquinas de produzir barulho e alegria. O disco do Baiana System, que leva o mesmo título do projeto, resgata essa farra musical, incrementada com outras sonoridades tão diversas quanto possível, sem perder a brasilidade jamais. Raízes nordestinos, levadas orientais, samplers e dub jamaicano(daí o system do projeto) são temperos comuns, mestiços, que, juntos ao miúdo instrumento baiano, fazem de Baiana System(2010) um irrecusável convite a festa.

Ouve aí “Oxe como era doce”:

Esse é um daqueles álbuns que eu deveria ter sido resenhado ano passado. Mas, nunca é tarde para se redimir, entrar em contato e se apaixonar por esse fervilhante trabalho. Até porque ele traz de volta a musicalidade e originalidade de um carnaval que, antes da ascensão da monstruosa e milionária indústria da axé music, conduzia milhares de pessoas ao êxtase numa democrática Praça Castro Alves, em Salvador. Sem abadás e sem cordas elitizantes. Atrás do projeto Baiana System, está sem mentor, o músico Robertinho Barreto(na foto aí do lado), que fez um bom trabalho a frente da banda Lampirônicos e, desde aquela época, sempre acreditou no poder da guitarra baiana e da mestiçagem. “Eu sou mestiço, acredito na mistura”, discursa o vocalista Russo Passapusso na ótima “Systema Fobica”, homenagem ao primeiro trio elétrico, uma fobica, que arrastou a multidão e também uma síntese da proposta plural do trabalho.

Se a guitarra baiana é a base do trabalho, como defende Robertinho Barreto, a magia se dá mesmo é pela generosidade com que ela se amalgama tão organicamente com outras referências musicais. O instrumento, tocado com agilidade, apimenta o som punk da guitarrada paraense na fantástica, e uma das melhores do disco, “Da Calçada pro Lobato”, música pra animar qualquer festa de responsa. A guitarra soteropolitana convida ainda uma cítara indiana para tocar um dueto com sotaque nordestino na boa “Amerikha Expressa”. E tem muito mais mistos quentes no trabalho, sempre, repare bem, com pitadas do dub jamaicano. Exemplo de “Jah Jah Revolta”, que tem uma versão aDUBada no final do CD, um ragga hipnótico com letra que abusa naturalmente do clássico vocabulário rasta, tipo babilônia em chamas. E também da já citada “Systema Fobica”, com muito reverb, loops e participação de B Negão, um quase sócio do Baiana System.

E antes que um leitor mais incauto, desconhecedor da história dos carnavais baianos de outrora, ouse imaginar que Ivete Sangalo ou Cláudia Leite vão dar uma palhinha no disco, recomendo: vá direto para a faixa 10, “Frevofoquete”. Aqui o bicho pega e a guitarra baiana soa, não como a indigente axé music, mas como um revival dos vigorosos e ricos tempos em que Dodô, Osmar e Armandinho eram soberanos nas ladeiras de Salvador. Nessa provocante composição, o vocalista convida o ouvinte a criar seu “sound system satélite em volta da terra e fazer seu próprio carnaval para a humanidade”. Seria esse o carnaval do futuro? E para mostrar de vez que esses baianos são diferentes do lugar comum, sugiro uma passadinha pela anordestinada faixa 1, a linda instrumental “Nesse Mundo”, e a minha preferida, a sensual “Oxe como era doce”. Oxe, isso é que era carnaval.

Cotação: 4

Se toque para a guitarra baiana:

http://www.4shared.com/file/Kkm9dTFj/DNA_Baiana_System__2010_.html

Trilha com substância

2011-03-13T13:46:00.008-03:00

No nordeste profundo, onde a paisagem árida mistura galhos secos, homens secos, tapetes de seixos, o azul amortecido pelo sol inclemente, no mundo descrito por Euclides e que parece ter parado no tempo. Ali, num outro Brasil, o sertão que vai virar mar, vi um dia um burro morto. A boca escancarada, cheia de dentes, o corpo avolumado pela morte, inchaço festejado por milhares de moscas que preenchiam com seu zunido o silêncio do nada ao redor, olhos duros, fitando quem passasse em frente. O burro morto é uma presença triste naquele universo onde o bicho representa resistência e trabalho. Fim da resistência. Pra quem é nordestino, a imagem cala. Vi o animal morto por uns instantes naquele nordeste profundo.

Veja clipe de "KalaKuta":

O burro morto que inspira pesar foi a mesma imagem que incitou também garotos paraibanos a formar uma banda instrumental com aquele nome. Que faz um som que também cala. Seguem o caminho aberto pelo pioneiro Hurtmold, paulistanos cultuados e de responsa, e pelos talentosíssimos matogrossenses do Macaco Bong, autores de um dos petardos mais aclamados pela crítica em 2008, o bem tocado e fantástico álbum Artista igual Pedreiro. Meninos atrevidos os da Paraíba, com cultura musical e potencial para fazer trilhas de filmes. E eles usaram aquilo que mais parece influenciá-los, a black music e o experimentalismo, para produzir com toda independência um disco surpreendente, trilha sonora de filme, chamado Baptista virou Máquina(2011).

Não assisti o filme, mas ele parece estar incluído naquele gênero mais moderno e interativo de obra orgânica, coletiva, na qual música, imagem, a cargo do cineasta Carlos Downling, e design gráfico, pilotado pelo incrível Shiko dialogam e se complementam. Na obra cinematográfica, Baptista vive num mundo cerebral, frio, onde as pessoas vivem para trabalhar. Um dia ele sonha nos prazeres que a humanidade está perdendo com sua sanha workaholic. Sonha com sexo, amor e diversão. Esse roteiro inspirou a música que inspirou as imagens. O resultado é uma trilha musical robusta, com timbres e matizes ricos que marcarão, com certeza, a carreira do grupo paraibano e já marca o ano de 2011.

Escute "Cataclisma":

O álbum do Burro Morto é o segundo da carreira. O primeiro, na verdade um EP, Varadouro(2009), já havia chamado a atenção dos antenados de plantão. Diferentemente do Macaco Bong, que faz um som mais stoner rock, os caras da Paraíba buscam, pelo menos nesse Baptista virou Máquina, no jazz, no funk, no afrobeat e no rock, o verniz para suas composições. E ousam com um conteúdo que não dispensa improvisações e até atonalismo. Em “O Céu acima do Porto”, que abre com impacto o disco, psicodelia e teclados setentistas servem a uma melodia forte, que ecoa em nossos ouvidos. Elementos funkies fazem a delícia de músicas como as bacanas “Transistor Riddim” e “KalaKuta”. Reparem, nas duas, no contraponto feito por guitarra e teclado.

Os bons instrumentistas do grupo (Haley Guimarães, guitarra, Daniel Jesi, baixo, Leonardo Marinho, saxofone e guitarra, Vitor Afonso, percussão, e Ruy Oliveira, bateria) exercitam seu lado jazzy em bons momentos do CD, como a instigante “Baptista, o Maquinista”, um jazzinho que, sem resistir, cai no samba e a animada “Luz Vermelha” com sua cama percussiva minimalista e ecos de nordestinidade. Mas, existem outras referências que deixa claro que a galera leva o trabalho de pesquisa musical a sério. E demonstra ainda que os caras querem sair do lugar comum, provocando nossos sentidos. A climática “Volks Velho” experimenta do nada fácil atonalismo sem passar vergonha. “Cataclisma”, por sua vez, traz elementos da música árabe numa das melodias mais bem acabadas do álbum. Enfim, é trabalho com substância que vale, mesmo pra quem não é fã de música instrumental, uma boa escutada.

Cotação: 4

Taí o instrumento para ouvir Baptista...:

http://www.4shared.com/file/yftuSJo0/DNA_Burro_Morto__2011_-_Baptis.html

Obras do ilustrador Shiko para o filme Baptista virou Máquina:

Aula de reabilitação

2011-03-11T20:18:00.006-03:00

Me lembro muito bem. Era uma sigla um tanto elaborada, quase uma equação, quase misteriosa: R.E.M. Significava Rapid Eye Moviment, movimento rápido do olho, aquele vai e vem nervoso e inapelável de nossos olhos enquanto sonhamos. Ficava me indagando, em fins dos anos 80, imberbe como era, por que cargas d’água alguém colocaria um nome desses numa banda de rock. Divertia-me com o fato, vendo aquelas três letras rodopiando em 33 RPM na minha vitrolinha. Contudo, mais do que isso, me encantava a atitude do trio cabeça norte-americano que tentava inocular alguma inteligência num meio musical marcado por doidões e irresponsáveis. E os três agora retornam com fortes lampejos da mesma energia seminal que marcou minha vida. O R.E.M está de volta com Collapse into Now(2011), um álbum para ressuscitar a paixão dos fãs.

Ouça “Alligator Aviator Autopilot Antimatter”:

Michael Stipe, o careca vocalista com ares de serial killer, o virtuoso Peter Buck, dono do posto de guitarrista principal da banda, e Mike Mills, no baixo vibrante, retornam à ativa com todo o gás. Com os rostos vincados por quase três décadas de estrada e três anos depois do irregular Acellerate(2008). Como garotos iniciando a carreira no louco mundo do rock and roll. Fazem de Collapse into Now um trabalho com arquitetura idêntica dos incensados, com toda justiça, Out of Time(1991), que catapultou o grupo à fama mundial, e Automatic for the People(1992), um dos meus preferidos. Resgatam aquele misto de canções acústicas e rocks endiabrados que deixou crítica e público extasiados.

O décimo quinto CD da carreira do R.E.M está sendo classificado por muitos resenhistas e críticos como o melhor trabalho do grupo desde Monster(1994). Não gosto de me levar por essa onda, até porque, pelo que representaram e representam ainda para o rock, a galera de Geórgia(EUA) é sempre vista com alguma condescendência. Convenhamos, já puxando o freio de mão, o disco não é tanto céu, nem tanto mar. A doce maresia, com cheiro do passado glorioso da banda, pode ser sentida nas baladas com moldura acústica do disco. Pelo menos duas delas têm a carga emotiva e a inspiração que marcaram os melhores anos de Stipe e companhia. Trata-se da comovente “Oh my heart”, com bandolim e violão acústico servindo de cama para uma melodia realmente arrebatadora e refrão robusto, e a também bonita “Walk it back”, com arranjo e tessitura delicadíssimos.

Veja vídeo de “Discoverer”:

Há ainda baladas não tão inspiradas e outras dispensáveis, como “Blue”, que fecha o disco com a participação dedicada da grande Patti Smith. A fabulosa artista tenta até salvar essa música soturna que nada acrescenta ao relicário do R.E.M, mas naufraga. “Every Day is Yours to Win” é outra que se perde e definha em sua batida repetitiva. Melhor mesmo é ficar com os rocks mais ligeiros e dançantes, esses sim, levados da breca e instigantes. Como não sorrir cúmplice, para quem já conhece a banda, ouvindo a rápida e certeira “Alligator Aviator Autopilot Antimatter”, que lembra a matreirice de “Shine happy people” e possui um refrão super poderoso. Alegres com a própria criação e plenos de maturidades, os três músicos esbanjam energia e vigor nas duas músicas que abrem barbaramente o disco e botam qualquer um pra rachar o assoalho, as bacanudas “Discoverer” e “All the Best”.

Diante de tudo isso, temos sim uma obra madura e que revela um R.E.M transbordante de boa vontade e querendo fazer todo mundo feliz. Surpreendem com esse revival com mais altos do que baixos e deixam os fãs com orgulho e gostinho de quero mais. O álbum não é a sétima maravilha. Mas, Stipe, Buck e Mills demonstram que ainda têm muito o que oferecer e, pelamordedeus, não cobrem deles a mesma magia do passado. São outras ondas, outro mundo. Mundo de tsunamis e terremotos pavorosos. De jovens que se rebolam ao som axés sem sentido tipo “tchubirabirô”(ou algo que o valha). O que fizeram com Collapse Into Now já é uma puta aula de rock e reabilitação, um disco para se guardar com muito carinho.

Cotação: 4

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Bom gosto e explosão

2011-03-09T19:14:00.007-03:00

Na década de 70 do século passado, muitas bandas mergulharam em viagens psicodélicas criando um som climático, com teclados imitando barulhinhos espaciais e instrumentação pomposa. Trilha sonora ideal para quem curtia ganja na paz, música mais cabeça e contracultura. Era o rock progressivo que invadiu as vitrolas tornando famosos nomes como Yes, Emerson, Lake and Palmer, Jethro Tull e o mais popular deles, Pink Floyd. Quem tem mais de 40 anos sabe que a história foi séria e teve milhões de adeptos, para desespero dos pais caretas. O gênero, que hoje parece datado, talvez tenha ganho, nesse início de ano, uma das mais belas e vigorosas homenagens feitas por uma banda em atividade. O nome do petardo é Tao of the Dead(2011), último álbum da irrequieta ...And You Will know us by the Trail of Dead.

Os texanos do The Trail of Dead nunca esconderam sua admiração pelo rock progressivo. Os seis discos anteriores demonstravam aqui e ali vestígios dessa paixão. Mas, a sonoridade ensandecida do grupo escapava, como enguia, de rótulos. É música contemporânea, complexa, barulhenta. Discos como o bom Madonna(2000) e a obra-prima Source, Tags and Codes(2002) eram exercícios musicais de rock mais próximos da experimentação do que do palatável, do convencional. Ganharam muitos admiradores, incluo-me aqui, e detratores em função disso. Com Tao of the Dead assumem com muita honestidade uma linha mais orgânica, classificável. Resolveram fazer um rock descaradamente progressivo. E de muito bom gosto e explosão.

Ouça a instrumental “The Fairlight Pendant”:

A pretensão resultou no disco mais coeso do grupo norte-americano. Há coesão nos arranjos da maioria das músicas, que se assenhoram de elementos clássicos do progressivo. Estão lá teclados e guitarras viajandonas, que remete invariavelmente ao Pink Floyd experimental do imprevisível Ummagumma(1969), com direito a barulhinhos espaciais e ecos. É o que se vê na boa “Cover the Days Like a Tidal Wave” e na envolvente, como uma espiral mesmo, “Spiral Jetty”. Está lá a psicodelia em momentos inspirados do álbum, como na poderosa e instigante instrumental “The Fairlight Pendant”, com seu ar épico e guitarras que lembram, repare bem meu amigo e sobrinho Danica, as intensas jams do Doors. E há, principalmente, muita porrada, uma parede sonora multifacetada, marca do grupo, que se encaixa perfeitamente na proposta do disco.

Esse é um disco raro e barulhento, próprio para quem tem as paredes dos tímpanos bem sólidas. As guitarras têm peso decisivo em boa parte das composições. Casos da excelente “Pure Radio Cosplay”, que é um emblemático cartão postal do trabalho. O clima progressivo CD está todo ali, como cartas postas sobre a mesa. Dos riffs alucinados às mudanças de andamento, a canção é um espelho da dedicação e da maturidade dos músicos que estão juntos, pelo menos a base, desde 1994. O multiinstrumentista e vocalista Conrad Keelly e o baterista e também guitarrista Jason Reece, fundadores do The Trail of Dead, convidaram os produtores Chris Smith(que assinou trabalho com Yeah Yeah Yeahs e Beach House, entre outros) e Cris Coady(produtor do primeiro disco da banda) para criar uma obra honesta e forte, com verniz nostálgico, mas que não se despluga dos dias de hoje.

Tao of the Dead é um álbum que, para muitos, pode soar linear. Ledo engano: esse é um trabalho que precisa de nossa paciência para ser compreendido em toda a sua essência. É sim rock progressivo na veia, mas possui detalhes e referências modernas que só serão percebidos depois de várias audições. E a banda tem lastro e história para merecer nossa atenção mais apurada. Essa riqueza é sentida no épico que dá título a segunda parte do disco (perceba: a primeira tem onze músicas sem pontuação de uma para a outra), uma sinfonia de 16 minutos cheia de surpresas. “Tao of Dead part two: Strange News from Another Planet” tem mudanças de temperatura feita em transições suaves, mágicas. É doce e amarga, ruidosa e atmosférica em instantes precisos. Uma grande composição, no tamanho e na criação. Um luxo para quem tem coragem e experiência. E isso ...And You Know us by the Trail of Dead tem de sobra.

Cotação: 5

Vá de progressivo:

http://www.filesonic.com/file/77910420/b2st48340239-demlanhboy.rar

Na falta de um vídeo do último trabalho assista clip de “Another Morning Stoner”: